“The Greatest American Band In The World Of All Time”… Данный эпитет, то и дело встречающийся в западных англоязычных рок-изданиях, при всей своей изрядной претенциозности отнюдь не выглядит натяжкой применительно к группе, которой он присвоен — легендарной калифорнийской четверке The Doors, ставшей для американцев примерно тем же, чем является для британцев прославленная ливерпульская четверка. Сравнение это, однако, весьма условно — хотя бы потому, что мрачновато-декадентные «Двери», в отличие от причесанно-умытых жизнерадостных «Жуков», всей направленностью своего творчества апеллировали преимущественно не к светлым, не к позитивно-мажорным сторонам человеческой натуры, а скорее к ее темным потаенным глубинам, к той присущей большинству мыслящих и тонко чувствующих людей подспудной неудовлетворенности жизнью, которая, неизбежно рано или поздно вырвавшись наружу в эмоциональном порыве (и зачастую не без помощи разного рода «средств расширения сознания») подобно весеннему половодью, имеет чаще не созидательные, а разрушительные последствия. И это, мне кажется, куда больше роднит лос-анджелесский квартет с другим знаменитым британским коллективом тех лет — Led Zeppelin, основную часть аудитории которого составляли, как и у The Doors, не визжащие в экстазе экзальтированные дамочки, а самые обычные люди разных возрастов и социальных прослоек (это можно без труда заметить, просмотрев хотя бы несколько соответствующих концертных фото или видео), которых при всех их взаимных различиях и порой не самых оптимистичных посылах со стороны любимых групп объединяла непоколебимая вера в правдивость того, что они слышат в музыке и текстах своих кумиров. И пусть The Doors не открыли никаких новых музыкальных горизонтов (все шесть их альбомов с прижизненным участием Джима Моррисона — а только они, я убежден, могут считаться полноценными работами группы под ее «звездной» вывеской — представляют собой в музыкальном отношении примерно один и тот же местами изрядно приблюзованный рок-н-ролл с уклоном в психоделию и эпизодическими стилистическими заимствованиями «со стороны»), важнее другое: звучание группы всегда оставалось абсолютно уникальным и мгновенно узнаваемым (делать музыку «под The Doors» — занятие крайне малоперспективное и, как следствие, совершенно невостребованное), и люди, слушая их, подсознательно чувствовали, что это НАСТОЯЩЕЕ, не сымитированное, исторгнутое из самой глубины души.

Рецензируемая компиляция, выпущенная по случаю 40-летнего юбилея дебютного одноименного альбома группы и содержащая заново ремастированные треки общей продолжительностью без малого два с половиной часа, вполне «вкусна» и репрезентативна, хотя и, как и большинство такого рода подборок, кое-где не бесспорна. Содержимое первого диска не вызывает практически никаких нареканий (за тем лишь исключением, что составители уж могли бы, наверное, вставить туда как минимум одну из моих (и не только) любимейших композиций, проникновенно-оптимистичную “Take It As It Comes”, благо свободного места оставалось более чем достаточно (несмотря даже на то, что не включенной в сборник в этом случае оказалась бы единственная песня с дебютника — “I Looked At You”)); всё это абсолютная классика, проверенная временем, слушать которую можно, что называется, вдоль и поперек: тут и неподражаемая призывно-динамичная “Break On Through…”, и немного забавная трагикомичная “Alabama Song…” за авторством Курта Вайля и Бертольта Брехта — выдающихся германских деятелей музыки и драматургии прошлого века, и кристально-прозрачная и бескрайняя, как безоблачное летнее небо, “Crystal Ship”, и горестно-апокалиптичная, повествующая об утрате прекраснодушных иллюзий в цинично-безжалостном современном мире “The End” (звучащая как нельзя более кстати в начале киноблокбастера «Апокалипсис сегодня» Фрэнсиса Форда Копполы, рассказывающего об ужасах вьетнамской войны), и многое другое, без чего представить себе наследие The Doors просто невозможно. Со вторым диском ситуация сложнее. Хоть убейте, но при всем моем уважении к творчеству «Дверей» в целом и альбому “L.A. Woman” в частности я совершенно не понимаю, что делает абсолютно, на мой взгляд, неинтересная и «деревянная» “The WASP…” на сборнике лучших вещей группы — куда как выигрышнее на ее месте смотрелась (точнее, слушалась) бы, скажем, великолепная, полная томления и тоски по уходящему блаженству “Summer’s Almost Gone” с альбома “Waiting For The Sun” или столь же берущая за душу «исповедальная» “You Make Me Real” с “Morrison Hotel” (к “The Ghost Song” с «посмертного» “An American Prayer” у меня отношение примерно такое же, но она хотя бы слушается без чувства досады). Да и в целом материал, представленный на втором CD, несколько уступает по «хуковости» содержащемуся на первом (что, разумеется, ни в коей мере не относится к таким «бриллиантам» из наследия калифорнийцев, как “Love Her Madly”, “Riders On The Storm”, “LA Woman”, “Waiting For The Sun”, “Love Street” и, конечно же, стопроцентно «знаковая», триумфально завершающая сборник “Roadhouse Blues” (всякий раз, когда слышу этот мощнейший пронзительно-блюзовый номер с бесподобным вокалом Моррисона, перед напористостью и поистине магическим обаянием которого в этой песне не устоит, думаю, ни один человек, обладающий музыкальным вкусом, я испытываю какой-то благоговейно-экстатический мандраж, мурашки по коже и дрожь в коленях)), что объясняется, как мне кажется, опять же какой-то малопонятной неряшливостью составителей, опрометчиво забивших «центровыми» хитами чуть ли не под завязку первый диск и отобравших треки для второго по остаточному принципу. Возможно, я излишне предвзят, но ввиду вышесказанного неизбежно снижаю релизу оценку на балл.

В заключение хотел бы привести переведенные мной высказывания трех оставшихся в живых участников коллектива, размещенные в конце буклета в качестве своего рода эпиграфов; они, как мне представляется, полностью того заслуживают:

«Я и Джим изначально задумывали группу как некое слияние поэзии и рок-н-ролла, сродни тому, как The Beats за десятилетие до нас “сочетали браком” поэзию и джаз. Когда же в процесс включились Джон и Робби, я осознал, что мы открыли своего рода магию, которая выйдет за пределы 60-х. Связующим для реализации всех имевшихся возможностей стал рок-н-ролл.
В этой новой парадигме рока были оправданны любые музыкальные изыскания. И мы — все четверо — принялись исследовать глубины нашей психики и пределы досягаемости нашего духа».
Рэй Манзарек (клавишные)

«Не устаю поражаться тому, какой интерес люди проявляют к The Doors и 40-летней годовщине нашего дебюта. 1967-й был невероятным годом для нас и музыкальной сцены в целом. Я всегда буду помнить то “Лето любви”, когда “Light My Fire” заняла первую строчку хит-парада».
Робби Кригер (гитара)

«Меня изумляет, что по прошествии сорока лет я по-прежнему могу, идя по улице, увидеть молодых людей в майках The Doors. Как это объяснить? Должно быть, что-то из того, что было сказать Джиму, носило общечеловеческий, вневременной характер. Премного благодарен,»
Джон Денсмор (ударные)

Damien  20 июн 2012

Выпустив в 1987 году свой второй полноформатный альбом “Surfing with the Alien”, ставший очевидным свидетельством рождения на гитарно-хардроковом небосклоне новой звезды мирового масштаба, и совершив в его поддержку тур по США, в ходе которого была сделана запись выступления в Сан-Франциско, Джо Сатриани решил заполнить паузу до выхода “Flying in a Blue Dream” (абсолютно знаковой работы, выведшей этого сверхталантливого гитариста в лигу суперзвезд) выпуском данного мини-альбома, где представил публике одну новую композицию, записанную в студии, и три старые, исполненные «вживую». И этот ход, довольно рискованный с коммерческой точки зрения, оказался чрезвычайно удачным как минимум в смысле паблисити, ибо новоявленный EP с одной стороны показал, в каком направлении в своем творчестве маэстро намерен двигаться дальше, а с другой впервые явил миру «живого» Сатриани, оказавшегося в концертном воплощении не менее захватывающим и приковывающим к себе внимание, нежели в студийном. Нельзя не отметить и высочайший класс аккомпанирующих музыкантов, чья техника игры (особенно басиста Стюарта «Стю» Хэмма, выпустившего четыре сольных альбома и известного также совместными работами со Стивом Ваем и Ричи Коценом) вполне сопоставима с уровнем «первой скрипки».

Способность автора и исполнителя музыкального произведения (особенно чисто инструментального) сочинить и «подать» свое детище максимально аутентично присвоенному ему названию — вне всякого сомнения, великое качество, свидетельствующее по меньшей мере о том, что музыкант не только понимает, какие именно идеи он стремится донести до слушателя, но и, очень четко представляя себе, как это сделать, делает это на совесть. Вышесказанное примерно в равной степени относится ко всему творчеству Сатриани, включая композиции с рецензируемого миньона. Да, возможно, кто-то и сочтет открывающий номер «Любовное смятение» несколько наигранным и излишне мелодраматичным, но только не я: тут нет пафоса, но есть все те смешанные ощущения и эмоции, которые, несомненно, хотя бы раз в жизни испытывал каждый из познавших чувство, указанное в названии. Я уже не говорю о мелодической составляющей; она безукоризненна (такой мелодии не постыдились бы и ведущие голливудские композиторы вроде Ганса Циммера или Анджело Бадаламенти). Последующие концертные этюды изрядно тяжелее, несколько сложнее по структуре и подаче, однако и они, передавая заложенный в них смысловой посыл в полной мере, чрезвычайно убедительны музыкально: «Лед-9» (название, впервые встречающееся в одном из произведений Курта Воннегута, где означает фантастическую модификацию льда, способную привести к гибели мира путем кристаллизации большей части содержащейся в нем воды), «Воспоминания» и «Полчища саранчи» слушаются с максимальным интересом и воспринимаются полностью в контексте своих наименований. Джо не просто играет на гитаре — используя ее как максимально выразительное средство передачи своих идей и сознательно не прибегая при этом к излишне «навороченным» приемам звукоизвлечения, он рассказывает истории.

«Но что же такое “мечтание”, “греза” или “сновидение № 11”?» — возможно, спросите вы. История, как говорится, об этом умалчивает (во всяком случае, я ни разу не видел пояснения сего загадочного названия). Однако независимо от того, знает ли ответ на этот вопрос сам Джо, данный его релиз, самим своим существованием отторгая подобные вопросы как праздные и малозначащие, заявляет о себе в высшей степени убедительно и громогласно.

Damien  13 июн 2012

Одной из сравнительно немногих доживших до наших дней дэт-метал-групп первой волны является стабильно бескомпромиссный в своей творческой концепции голландский коллектив Asphyx, созданный в далеком 1987 году барабанщиком Бобом Багхусом — единственным на сегодняшний день участником оригинального состава. Переломным для группы стал 1991 год, когда басист/вокалист Тео Лооманс был заменен покинувшим Pestilence Мартином Ван Друненом, музыканты подписали контракт с крупным (естественно, по меркам андеграунда) германским рекорд-лейблом Century Media Records и под руководством продюсера-соотечественника Гарри Вийеринга (один из звукоинженеров, записывавших рецензируемый релиз) выпустили вошедший в золотой фонд мирового тяжмета убийственный альбом “The Rack” («Дыба»). Взятого на этой, во многом по тогдашним меркам новаторской и поистине эпохальной работе музыкального курса Asphyx в целом придерживаются и поныне: это всё тот же чрезвычайно тяжелый, сминающе-монолитный, несколько архаичный по звучанию дэт с изрядной примесью дума, нередкими, но всегда исключительно уместными сменами ритма и, как и на записанном еще в 1990-м, но выпущенном только в 1996 году альбоме “Embrace the Death” («Умри безропотно»), использованием двух вариантов гитарного строя — относительно высокого для дэтово-скоростных композиций и пониженного для думово-замедленных. Главной же «визитной карточкой» группы при всей бесспорной ценности мелодико-инструментальной компоненты ее творчества является, по моему мнению (думаю, большинство читающих в этом со мной согласится), абсолютно уникальный, мгновенно узнаваемый и пробирающий до костей свирепый вокал Ван Друнена, про который, если вспомнить фразу одного из фэнов другой, более именитой дэтовой формации Obituary в отношении голоса ее фронтмена Джона Тарди, можно столь же неоспоримо сказать: “Only Death itself can sing like this” («Так петь может только сама Смерть»).

Новейший альбом «душителей», хоть и чуть-чуть не дотягивающий по первому впечатлению до статуса шедевра (впрочем, время покажет), можно, однако, считать исключительно удачным в том смысле, что он убедительно демонстрирует, сколь многого можно добиться, сознательно довольствуясь сравнительно малым — не используя изощренные технико-исполнительские приемы, не гонясь за умопомрачительной скоростью звукоизвлечения, а ставя во главу угла достижение той глубинно-эмоциональной атмосферы, без которой любой альбом, сколь бы безупречно и виртуозно он ни был сыгран, неизбежно воспринимается как разочаровывающе-проходной. Представленный на пластинке материал ни разу не дает слабину, и сказать, что какие-то композиции заметно лучше остальных, было бы не вполне корректно. Однако если всё же попытаться составить репрезентативную выборку, то в нее войдут, пожалуй, мгновенно вызывающая ассоциации с Motörhead и особенно с Venom’овской “Black Metal” заглавная “Deathhammer” («Молот смерти») [где Ван Друнен, явно адресуясь к недолюбливаемой им поросли модных молодых дэтстеров, в начале и в конце гневно рычит: “This is true death metal, bastards!” («Вот настоящий дэт-метал, ублюдки!») и “Kneel, you dogs!” («На колени, вы, псы!»)], следующая за ней живописующая ужасы войны думово-безысходная, предельно минорная и трагичная “Minefield” («Минное поле»), вновь затрагивающая военную тематику, пронзительная до глубины души и словно ведущая сквозь лабиринт боли и отчаяния “Der Landser” («Солдат-ополченец»), напористая, подхватывающая и неумолимо затягивающая в гибельный водоворот “The Flood” («Наводнение») и финальная величественная “As The Magma Mammoth Rises” («Когда вздымается мамонтоподобная магма») [которую, однако, малость портит некоторая схожесть — случайная или намеренная, сказать сложно — со старинным гимноподобным эпиком “Enter the Eternal Fire” («Войди в вечный огонь») прославленных Bathory].

Завершающие расширенное издание альбома бонус-треки “Death The Brutal Way” («Смерть, жестокая стезя» [заглавная композиция с предыдущего альбома]) и “Os Abysmi Vel Daath” («Врата к тайне вселенной», «Ключ к первоисточнику всего сущего»* и т.п. [кавер-версия песни Celtic Frost с альбома “Monotheist”]) с виниловой семидюймовки 2008 года издания примечательны тем, что на первом из них Ван Друнен, не полностью форсируя вокал до гроула, поет в не вполне свойственном ему стиле, а на втором, вокалируя в своей обычной брутальной манере в сочетании с немного измененной в том же направлении аранжировкой оригинала, придает последнему обновленное и, как и следовало ожидать, непривычное звучание.

В этом альбоме есть нечто настолько притягательное — какая-то первозданная, первобытная мощь и совершенно безумная энергетика, — что я, даже будучи не уверен, что данная работа станет для меня дэтовым альбомом года по итогам оного, ставлю ей вполне, как мне кажется, заслуженные 9 баллов. Заслуженные хотя бы потому, что релизов столь высокого уровня за год обычно выходит не 4-5, а, что называется, раз-два и обчелся.

* насколько я сумел понять из пояснительного комментария Мартина Эрика Эйна, приведенного в буклете “Monotheist” (возможно, моя трактовка ошибочна).

Damien   4 июн 2012

Остались все-таки на свете группы, градус угарного раздолбайства и отвязной безбашенности участников которых* если и сказывался негативно на качестве выпускаемых ими альбомов, то лишь в далеком прошлом, и которые начиная с определенного благоприятного «водораздела» в своем творчестве (каковым для Red Hot Chili Peppers, несомненно, стал выпущенный в далеком 1989-м альбом “Mother’s Milk”) раз за разом выдают релизы высочайшего качества. И 5-летний интервал, разделяющий гиперуспешный двойник “Stadium Arcadium” и рецензируемый “I’m with You” — период, в течение которого коллектив вторично расстался с гитаристом Джоном Фрушанте, заменив оного (весьма, надо сказать, успешно) в 2009 году его другом и учеником, сравнительно молодым 30-летним Джошем Клингхоффером (PJ Harvey, Gnarls Barkley), кудесник ударных Чед Смит стал участником супергруппы Chickenfoot, выпустившей на текущий момент уже два весьма крепких альбома, а оставшиеся от оригинального состава Энтони Кидис и Майкл «Фли» Бэлзэри просто по большей части отдыхали и занимались собственной жизнью, — пошел, по моему глубочайшему убеждению, «перцам» только на пользу, ибо их новейшее детище заслуживает, мне кажется, самых восторженных оценок. RHCP не просто вернулись — они вернулись триумфаторами; и если этот, уже 10-й по счету, альбом калифорнийцев станет для них последним, то это будет исключительно достойным завершением вот уже без малого 30-летней карьеры группы.

Сразу оговорюсь: тем пылко-прямолинейным персонажам, которые, по каким-то причинам еще не вполне избавившись от юношеского максимализма, неизменно требуют от прослушиваемой музыки пресловутой «тяжести» (сиречь перманентного гитарного рёва), лучше сразу пройти мимо этой пластинки и вообще группы Red Hot Chili Peppers — эта музыка не для вас, ибо рассчитана на людей, по самой своей природе эстетически не упёртых и умеющих находить и ценить красоту в том, что даже при всем своем порой нарочитом внешнем эпатаже (или, скорее, бурлеске) несет ее в себе изначально, зачастую неброско, а не как размалеванный крикливый транспарант, выставленный на всеобщее обозрение на заплеванной мостовой, стертой тысячами ног до полного непотребства. Тем же подлинно полноправным ценителям настоящей Музыки как разновидности Искусства с большой буквы, которые способны до конца прочувствовать заложенный в ней посыл, ухватить суть, данная работа рекомендуется настоятельно и категорически. Создатели альбома сотворили, мне кажется, самое настоящее рукотворное чудо: слушая пластинку, почти не выделяешь для себя композиции-фавориты (ну, разве что, пожалуй, кроме трагично и проникновенно повествующей о быстротечности человеческой жизни “Brendan’s Death Song” («Песнь на смерть Брендана»), бесподобной в своей зажигательной латиноамериканской искрометности “Did I Let You Know?” («Дал ли я тебе знать?») с изумительными партиями трубы, этно-перкуссии и мастерски вторящей им гитары, тягучей, как патока, томной и разноплановой “The Adventures of Rain Dance Maggie” («Похождения Мэгги, танцующей под дождем») и опять же несколько трагичной реминисцентной “Police Station” («Полицейский участок»)), а воспринимаешь ее как цельное законченное произведение, где «тяжесть» инструментальной подачи присутствует лишь в тех местах, в тех объемах и именно в той тональности, в которых это действительно необходимо. Безупречно исполненный, в меру утяжеленный фанк-рок, густо замешанный на мэйнстриме без малейшего ущерба для качества музыкального материала — именно так с точки зрения стилистики я бы охарактеризовал этот в высшей степени незаурядный, по-настоящему выдающийся альбом.

И напоследок несколько слов об оформлении обложки — неброском и довольно простом (если не сказать простецком), но при этом весьма добротном, любопытном и выразительном. Выполненное известным британским художником и дизайнером Дэмиеном Хёрстом в лучших традициях поп-арта, оно может быть истолковано по-разному (да так, надо полагать, и задумывалось), однако наиболее вероятной трактовкой его аллегорического смысла мне видится следующая: проглоти меня, прими в себя вместе с целительной пилюлей, и я стану частью тебя, буду с тобой всегда. Вряд ли кто из нас хоть раз в жизни не мечтал о чем-то подобном и не желал этого истово, жгуче (не слишком задумываясь, впрочем, о тех гипотетически крайне неблагоприятных — возможно, фатальных — последствиях для нашей психики и веры в чистоту и безгрешность человеческой природы в случае исполнения этого априори несбыточного (по безграничной милости высших сил, думается мне) желания, вдруг открывшего бы нам доступ ко всем тем затаенным порочным устремлениям, фобиям, тщательно скрываемым грешкам и постыдным тайнам из прошлого и настоящего, всем тем жутковатым демонам и «скелетам в шкафу», что, быть может, таятся в глубине души предмета нашего обожания, душой и помыслами коего мы тщимся обладать постоянно и безраздельно).

* В этом смысле весьма показательна строка-признание “Piece of work, I was really quite a jerk” («Необработанной болванкой, реально полным мудаком — вот кем я был») из песни “Factory of Faith” («Фабрика веры»).

Damien  28 май 2012

Известное изречение «Большое видится на расстоянии» при всей его несомненной мудрости и неоспоримости является, как и многие другие прописные истины того же свойства, двояким с точки зрения восприятия действительности, своего рода палкой о двух концах. С одной стороны, слушая тот или иной музыкальный альбом по прошествии многих лет со времени его выхода, мы чаще всего можем объективнее, чем тогда, оценить его достоинства и недостатки, поскольку нередко свойственные молодости поспешность и порывистость суждений с годами естественным образом уступили место взвешенности, беспристрастности и сухости оценок; а с другой, рассматривая продукт иной, давно ушедшей эпохи «с колокольни» сегодняшнего дня, мы неизбежно оцениваем предмет рассмотрения в отрыве от тогдашних реалий, тогдашнего музыкального и, что самое главное, эмоционального контекста — от той эмоциональной устремленности тогдашней аудитории, к которой апеллировали создатели альбома. Вышесказанное в той или иной мере относится ко всем направлениям музыки последних десятилетий, но грандж с его весьма своеобразными музыкальными структурами и несколько архаичным (с сегодняшних позиций, разумеется) звучанием стоит в этом смысле изрядно особняком хотя бы потому, что для значительной части нынешних молодых слушателей это, по сути, «мертвая» музыка — музыка, которой они никогда не слышали и которую в контексте текущих музыкальных реалий они в состоянии в какой-то степени ассоциировать для себя разве что с психоделическим, инди- или стоунер-роком, имеющими к гранджу довольно отдаленное и опосредованное отношение.

Однако, как бы то ни было, сама музыка во все времена говорит сама за себя и вполне поддается, пусть и с учетом вышеприведенных оговорок, достаточно объективной оценке и классификации во вневременной плоскости. И на втором альбоме выходцев из Сан-Диего, штат Калифорния, появления которого те, кому пришелся по душе вышедший двумя годами ранее блистательно-сокрушительный первенец “Core”, ждали с большим нетерпением, определенно есть что послушать — даже при том, что новый релиз вызывает впечатления несколько неоднозначные. Первое, что обращает на себя внимание — изменившийся общий характер звучания: в большинстве композиций оно заметно мягче (если не сказать мягкотелее), мейнстримовее и меланхоличнее, чем на дебютнике. Лучше всего изменения, местами произошедшие с саундом STP, характеризует, мне кажется, фраза из одного американского романа, предельно красноречиво описывающая эмоционально-психологическое состояние обжившегося за несколько лет на новом месте персонажа, наблюдаемое другим персонажем, встретившимся с первым после собственного длительного отсутствия: «Его движения стали сонными и заученными, как у курильщика опиума» (что, кстати, с учетом некоторых общеизвестных скандальных фактов из биографии вокалиста группы Скотта Вейланда — одного из основных авторов сочиненного ею материала — не кажется чем-то из ряда вон выходящим). При всем том, однако, налицо и однозначно положительные моменты: группа наконец-то обрела выраженную индивидуальность: реминисценций с Alice in Chains и Nirvana на этот раз заметно меньше, а некоторое оставшееся сходство с Pearl Jam (обусловленное главным образом изначальными особенностями вокала Вейланда; такой уж у него голос от природы) и изрядно усилившееся — с Led Zeppelin (нагляднейший пример — прекрасный лирично-медитативный акустический номер “Pretty Penny” («Красотка Пенни») с обилием перкуссии, одно из подлинных украшений альбома) — выглядят скорее достоинствами. Складывается впечатление, что музыканты (вероятно, не без участия всё того же Брендана О’Брайена в роли продюсера) пошли на указанные перемены (в основной своей массе более короткие и простые песни, минимум сложных аранжировок, максимум доходчивости для восприятия) сознательно, что лично у меня вызывает только уважение — зачем повторяться? Да, на этой пластинке не так много, как на предыдущей, стопроцентных хитов, но те, что есть, просто превосходны (помимо упомянутой выше композиции выделю вальяжно-снисходительную и одновременно немного нервную “Vasoline” (искаж. «Вазелин»), чувственно-нетерпеливую, буквально сочащуюся тестостероном “Lounge Fly” («Праздная штучка»), не менее чувственную, но чуть более сдержанную “Interstate Love Song” («Песня о любви на федеральном шоссе») с абсолютно шедевральной мелодической линией, легкой пронзительной ноткой щемящей грусти и бесподобным, предельно выразительным вокалом Вейланда (на мой взгляд, лучшая композиция альбома — одна из лучших у STP, да и вообще за всю историю гранджа) и скоростную, надрывно-агрессивную “Unglued” («Неуправляемый»), в которой влияние Nirvana наиболее ощутимо), да и остальной материал — далеко не порожняк.

Странноватое, мягко говоря, оформление альбома (откровенно дурковатая обложка в лубочно-китайском стиле, где прилепленный в левом нижнем углу иероглиф, по-видимому, и означает “Purple” («Царственный», «Порфироносный» и т.п.), ибо англоязычного названия нет нигде; набранные нарочито малоразборчивым шрифтом тексты в буклете с местами встречающимися орфографическими ошибками, зачеркиваниями и исправлениями, как бы указывающими на тернистость нелегкого труда автора лирики вкупе с его близостью к «народу»; и, наконец, размещенное с тыльной стороны коробки аппетитное фото роскошного кремового торта с выведенной на нем горделивой надписью “12 GRACIOUS MELODIES” («12 БЛАГОСТНЫХ МЕЛОДИЙ») поначалу вызывает некоторое недоумение, но по некотором, не слишком длительном размышлении становится понятно, что всё это не более чем стёб, словно говорящий: «Расслабьтесь, folks, не такие уж мы и звезды, какими, возможно, кажемся». А уж венчающий звуковую дорожку скрытый трек, предположительно называющийся “The 2nd Album” («2-й альбом»), в котором Вейланд, нещадно кося под Фрэнка Синатру, выводит под синтезированные звуки рояля, фанфар, контрабаса и ударных гламурно-мужественные рулады про свое сотоварищи новейшее творение, различные достойные атрибуты оного (включая обложку) и многотрудные перипетии, связанные с его созданием, и вовсе ставит над «i» жирную саркастичную точку. Великая все-таки вещь — самоирония.

Damien  28 май 2012

Титулованность в наши дни — понятие зыбкое и относительное, особенно в контексте такого непростого и по своей изначальной сути предельно бескомпромиссного направления тяжелой музыки, как трэш-метал. И в этом смысле известная обделенность регалиями одного из старейших и авторитетнейших представителей стиля — группы Overkill из штата Нью-Джерси — лично мною воспринимается если и не как достоинство, то уж точно не как серьезный недостаток. Ибо отсутствие у этого коллектива звездного статуса уровня Metallica или Megadeth на деле совершенно не свидетельствует о его музыкальной вторичности и малоактуальности. Скажу больше: для меня (и не только) то, что делают сегодня Overkill, по своей музыкальной ценности изрядно превосходит не слишком, мягко говоря, убедительные плоды недавних стараний вышеуказанных суперзвезд: нью-джерсийцы вот уже как минимум второй раз подряд выдают альбом ТАКОГО уровня и эмоционального запала, какие для львиной доли нынешних трэш-формаций, включая самые именитые, выглядят попросту недостижимыми.

Данный релиз, почти ни в чем не уступающий своему блистательному предшественнику (о недостатках речь пойдет ниже), отличается от него в ряде аспектов. На этот раз, сознательно сделав выбор в пользу самостоятельного продюсирования без содействия приглашенного мегапрофессионала типа Петера Тэгтгрена и лишь задействовав для микширования и мастеринга Грега Рили, группа в итоге получила звуковое полотно, значительно отличающееся от предыдущего альбома: звук стал подчеркнуто нейтрально-суховатым, более олдскульным и прямолинейным, а песни — чуть менее эпичными, более хлесткими, лаконичными (что при том же их количестве, что и ранее, естественным образом сказалось на продолжительности альбома в сторону уменьшения) и злыми. При этом никаким примитивизмом здесь и не пахнет: довольно непростые (если не сказать «завернутые») структуры композиций и бескомпромиссная решимость музыкантов «выжимать» из них всё без остатка в плане техники исполнения никуда не делись. Не обошлось, однако, без пусть и небольшой, но весьма неприятной ложки дегтя: хотел бы я написать, что материал нигде не «проседает», не оставляет ощущения вымученности, да вот только ощутимая притянутость за уши присутствует, увы, как минимум в одной песне — “Old Wounds, New Scars” («Старые раны, новые шрамы»), которая, словно аляповатое лоскутное одеяло, наспех скроенное из абсолютно разнородных фрагментов, не оставляет ощущения композиционной цельности и завершенности. Из того же, что понравилось однозначно и безоговорочно, выделю пять начальных «бронебойных» номеров — “Come and Get It” («Приди и возьми») [лучшего открывающего номера для альбома, пожалуй, не найти: мощнейшее грозное среднетемповое вступление, «пулеметно-фрезерное» продолжение, неоднократные смены ритма и мелодического рисунка, нежданно-негаданный воинственный хорал в середине — многогранность творческого подхода группы продемонстрирована в полной мере], “Electric Rattlesnake” («Электрическая гремучая змея») [самая неожиданная песня на пластинке по характеру музыкального наполнения: филиграннейший скоростной трэш с изумительной гитарной работой в какой-то момент вдруг сменяется неспешно-медитативным хард-роком в духе ранних Black Sabbath, далее всё возвращается на круги своя], “Wish You Were Dead” («Чтоб вы сдохли») [песня, понравившаяся больше всех; «качевые» гитарные и вокальные ходы мгновенно вызывают в памяти Judas Priest периода “Painkiller”; а как здесь поет «Блиц», то и дело переходя от одного вокального регистра к другому, — заслушаешься!], “Black Daze” («Зловещее оцепенение») [среднетемповый, чисто хэви-металлический боевик с малость притрэшованным звучанием гитар; по настроению и подаче напоминает Accept «золотого» периода начала-середины 80-х (особенно альбом “Metal Heart”)] и “Save Yourself” («Спасайся») [слушая этот скоростной, во всех отношениях блестящий номер, я пришел к выводу, который многие из читающих, вероятно, сочтут изрядно крамольным: быть может, примерно так звучала бы Metallica в наши дни, пожелай ее участники креативно, с использованием современных трендов и возможностей звукозаписи воссоздать лучшие атрибуты своего дебютника “Kill ‘em All” и обладай большинство из них техникой игры Overkill], а также ураганную «закрывашку» “Good Night” («Спокойной ночи») [пасторально-убаюкивающее, очень красивое начальное гитарное вступление внезапно перерастает в сметающий всё на своем пути трэш-металлический шквал — предельно уверенный, абсолютно самодостаточный и максимально убедительный финал альбома].

В заключение приведу фрагмент из одного переводимого мною в настоящее время интервью с Бобби Эллсуортом, проясняющий смысл названия альбома, нашедший характерное визуальное воплощение на обложке и страницах буклета.

В.: Теперь к делу. Во-первых, что это за «Электрическая гремучая змея»?
О.: Ну, ты знаешь… Когда я подыскивал название для этой композиции, это было просто чем-то, что заставляло меня улыбаться. (смеется) Лучшее, что можно сказать о правилах при сочинении музыки, — то, что не существует никаких правил, и я всегда считал, что то, чего придерживается Overkill, не обязательно должно быть нормальным в традиционном понимании, когда дело доходит до названий, тем или даже [просто] подхода в трэше. Подходящее ли это название? Конечно, подходящее, поскольку правил нет. «Электрическая гремучая змея» — это же так непринужденно… Я люблю символизм, и если ты посмотришь на это [повнимательнее], то увидишь страшенную змею и одновременно нечто такое, что заставляет меня чуточку улыбаться. (смеется)
В.: В таком случае «Электрическая эпоха» — это в каком-то смысле отражение времени, в которое мы живем?
О.: Думаю, это скорее отражение всех тех лет, которые мы коллективно прожили в контексте данной музыки. Я впервые осознанно пришел к этому названию, когда, мысленно оглядывая прошлое, начал понимать, насколько оно подходит к альбому, и думаю, что электричество в том или ином смысле всегда являлось частью нашей жизни. Одним из атрибутов Overkill всегда являлась способность генерировать энергию — электроэнергию, если угодно, и я считаю, что одним из положительных моментов за эти 25 с лишним лет стало то, что люди, которых притягивает эта энергия, генерируют в ответ еще больше энергии и что это своего рода взаимная подпитка. Думаю, это своего рода подсознательное название применительно к карьере или жизни, но не обязательно моей или чьей-то еще, а нашей совместной.

Damien  17 май 2012

Говоря о музыке Stone Temple Pilots, практически невозможно оценивать ее в отрыве от творчества таких титанов гранджа, как Alice in Chains, Nirvana и Pearl Jam. Все эти группы, за исключением, по понятной причине, Nirvana, существуют и поныне, и все они, кроме Pearl Jam, прошли через распад и воссоединение, вызванные главным образом общим падением интереса к гранджу в середине-конце 90-х и определенной востребованностью возобновления деятельности былых кумиров у оставшихся поклонников в наши дни. Некоторая же вторичность (но ни в коем случае не второразрядность!) STP по сравнению с вышеперечисленными коллективами с точки зрения лидерства в период их всеобщей наибольшей популярности, пришедшийся на начало и середину 90-х, объясняется, по-видимому, тем достаточно очевидным обстоятельством, что какой-то сугубо индивидуальной и по-настоящему яркой музыкальной «фишки» у STP, в отличие от трех остальных составов, никогда не было. И заметнее всего это слышно именно на дебютном альбоме «Пилотов каменного храма», ставшем при том, однако, как это ни парадоксально, общепризнанно лучшим и самым успешным в их дискографии (так, например, релиз был удостоен статуса Альбома Года в журнале “Metal CD”) благодаря наличию на нем целого ряда ярчайших, абсолютно гениальных композиций, известная вторичность «подачи» которых (особенно в плане характерных вокальных приемов и гитарных гармоний) ни в коей мере не умаляет их музыкальной ценности.

Одним из наиболее значимых номеров на альбоме является, безусловно, открывающий его «стенобитный» среднетемповый боевик “Dead & Bloated”, начальные строки которого, пропеваемые полным сарказма дисторшированным голосом Вейланда, наилучшим образом характеризуют в целом присущий лирике, сочиненной им в разные периоды творчества, своеобразный «замес» из декаданса, несколько извращенной меланхолии и едкого черного юмора: “I am smellin’ like the rose that somebody gave me on my birthday deathbed. I am smellin’ like the rose that somebody gave me ’cause I’m dead & bloated” («Я пахну как та роза, которую кто-то преподнес мне, лежащему на смертном ложе в день своего рождения. Я пахну как та роза, которую кто-то преподнес мне потому, что я мертвый и раздувшийся»). Эта сильнейшая композиция, не лишенная меланхоличности в духе Alice in Chains, примечательна исключительной, нарочито прямолинейной, но отнюдь не примитивной мощью инструментальных партий (особенно впечатляет ритм-секция, звучащая настолько «живо» и «хуково», насколько это вообще возможно в студийной записи — честь и хвала мастеровитому продюсеру Брендану О’Брайену и его ассистентам). Не менее зажигательна идущая следом умеренно скоростная “Sex Type Thing” («Что-то типа секса») — настоящая квинтэссенция гранджа, своего рода утяжеленный вариант Nirvana (вокал Вейланда местами поразительно похож на кобэйновский). Из дальнейших номеров больше других запоминаются потрясающе красивая, щемяще-меланхоличная инструментальная акустическая интерлюдия “No Memory” («Беспамятство»); следующая за ней, изрядно напоминающая Led Zeppelin, «встретившихся» с Alice in Chains, тяжеленная “Sin” («Грех»), где талант Вейланда как исключительно разностороннего вокалиста раскрывается, пожалуй, наиболее полно; идущие подряд лирично-балладная и опять же до боли напоминающая Nirvana “Creep” («Зануда»), величественно-грозная, вновь чрезвычайно похожая на AIC (очевидно, главных кумиров STP в то время) “Piece of Pie” («Кусок пирога») и “Plush” (в контексте лирики примерно можно перевести как «Шикарная особа» или «Роскошная девчонка») — великолепнейшая, абсолютно «знаковая» и центральная композиция альбома (своего рода элегантнейший, стилистически безупречный гимн любовной лихорадке), на которую был снят стильный и запоминающийся видеоклип (здесь вокал чрезвычайно близок к манере пения Эдди Веддера из Pearl Jam); и, конечно же, завершающий эпик “Where the River Goes” («Где течет река») — поначалу тягостная и депрессивная, исполненная в целом в манере уже не раз упомянутых, мегапопулярных на том же временном отрезке AIC в сочетании с уже также упомянутыми LZ (“Kashmir” — вот что первое приходит в голову), обладает всё же и изрядной собственной индивидуальностью; при ее прослушивании перед мысленным взором невольно возникает картина могучей полноводной реки, неспешно несущей свои воды в ночной темноте, лишь изредка нарушаемой загорающимися то тут, то там и отражающимися от воды огнями светляков, а финальные вокальные партии, отдающие шаманством и одновременно оптимизмом и надеждой на то, что поющему всё же когда-нибудь доведется узнать местонахождение вожделенной реки, в какой-то момент вызывают в памяти свежего и полного сил, а не вконец измотанного, уставшего от жизни и умершего от передозировки «расширителей сознания» двумя десятилетиями ранее Джима Моррисона из The Doors.

Если говорить об оформлении альбома, о заложенной в него творческой концепции, разработанной самой группой (суть которой, мне кажется, предельно лаконично выражает блистательная образная реплика персонажа, сыгранного Алем Пачино в фильме «Запах женщины»: «Ты настолько увяз в своем сахарном бизнесе, что давно забыл вкус настоящего меда»), то ее визуальная реализация — юная обнаженная негритянка, прижимающая к груди некий слегка светящийся изнутри и напоминающий небольшую тыкву шарообразный объект (“core” («ядро», «сердцевина», «суть» и т.п.)) и сама находящаяся в центре прозрачной сферы в лучах багрового заката на фоне старого ветвистого дерева (очевидна аллюзия с яблоком как символом грехопадения Евы в Эдемском саду) и силуэтов далеких гор — мне видится практически безукоризненной и лишенной даже намека на пошлость. И эта концепция органично дополнена по принципу «от противного» следующей сокрушительно-язвительной репликой, отдельно приведенной в буклете как своего рода программный тезис и отчасти пересекающейся по смыслу с начальной композицией альбома: “… And to you, dead and bloated nation of sleepwalkers, so content to drown in your own rancid apathy that your own minds and the minds of your children are being bought and sold on the auction block by swarthy old hogs — oh, set a place for the auctioneer, he’ll be coming to dinner tonight. No need to bother, honey, he’ll be coming live via satellite direct, right through our brand new motherfuckin’ super-mega-screen Home Monitor System…” («… Вы же, мертвая и распухшая нация лунатиков, столь согласных погружаться в вашу собственную прогорклую апатию, продукт вашего сознания и сознания ваших детей, покупаемый и продаваемый на аукционе загорелыми старыми боровами — о, организуйте-ка местечко для аукциониста, он сегодня вечером придет [к вам] поужинать. Не стоит беспокоиться, дорогая: он придет в прямом эфире по спутниковому каналу, прямо через нашу ультрасовременную, мать ее, домашнюю систему видеонаблюдения с супер-мега-экраном…»).

Этому альбому, мне кажется, вполне можно простить вышеописанную вторичность музыкальной подачи, ибо в мелодико-исполнительском плане он абсолютно безупречен и никакого реального плагиата не содержит. И надеюсь, что большинство тех, кто его слышал или услышит, согласятся с выставленной мною наивысшей оценкой.

Damien  10 май 2012

Слушая легендарные трэш-альбомы ’80-х и тем самым воскрешая в памяти славные деньки той невозвратной эпохи, я порой невольно ловлю себя на мысли, что даже при том, что какие-то исполнительские приемы, бывшие предельно новаторскими, актуальными и востребованными в те времена, сегодня звучат несколько выспренне и наивно (особенно это касается вокала), вряд ли имеет смысл видеть в этом серьезный недостаток — ибо изменились времена, изменилась, в чем-то уйдя далеко вперед, сама музыка, и изменилось, в конце концов, восприятие такой музыки теми, кто начинал слушать ее далеко не вчера. Примерно такие мысли и чувства вызывает у меня рецензируемый альбом, ставший во многом переломным для записавшей его группы и трэш-метала как стиля, в ту пору еще не закостеневшего, не обросшего сверху донизу штампами и стереотипами, а все еще находившегося в стадии становления.

Не хочу сказать ничего плохого про известного продюсера Алекса Периаласа, с которым Overkill годом ранее записали, мягко говоря, далеко не бесспорный “Under the Influence”, но, думается мне, именно Терри Дейт (продюсировавший, в частности, Metal Church, Pantera и Soundgarden) до известной степени определил успех “The Years of Decay” — своего рода промежуточного звена между локальными известностью и популярностью и Известностью и Популярностью с большой буквы, пришедшими с выходом блистательного, во многом стилеобразующего “Horrorscope” (1991). Мне кажется, именно этот выдающийся специалист и мастер своего дела собрал группу «в кулак», в результате чего та записала одну из лучших работ в своей дискографии.

Расхоже-бодренькая сентенция «Всё гениальное просто» — не про этот альбом. Здесь вообще нет НИЧЕГО ПРОСТОГО и ласкающего слух в общепринятом понимании: пластинка «рваная», дёрганая, нервная и чрезвычайно злая — но тем она и хороша. Абсолютные, предельно холодные выверенность, продуманность и законченность каждого аккорда, каждого звука — вот ее кредо. Весьма непростые ритмические структуры, смены ритма и настроения и мелодические рисунки местами сделали бы честь даже таким грандам техно-трэша, как, например, Mekong Delta и Watchtower. Осмелюсь утверждать, что настолько музыкально сложного и «многослойного» альбома Overkill не выпускали больше ни разу — как и то, что больше ни разу намеренная сложность и разноплановость музыкального материала не становились для группы столь выигрышными. Мастерство ее участников достигло здесь практически своего апогея, эталонно-наивысшей точки: предельно мощные и техничные партии ударных Фалька, скрупулезно утонченный бас Верни, буквально «нанизывающаяся» на него виртуозная гитарная работа Густафсона (для которого этот альбом стал, увы, последним в рядах коллектива) и тревожно-пугающие, нередко яростные вокальные эскапады Эллсуорта исправно плетут болезненно-сокрушительную паутину будоражащих, усиливающих кровоток звуков, имя которым — Overkill.

Если говорить о конкретных композициях, впечатляющих больше других, то таковых на альбоме для меня как минимум две трети. Это, конечно же, абсолютно убийственная начальная “Time to Kill” («Время убивать»), сконцентрировавшая в себе всю бешеную энергетику и исполнительскую мощь Overkill на момент записи альбома; следующая за ней сверхскоростная, сметающая всё и вся, как ядерный взрыв, “Elimination” («Устранение»); максимально нетипичная и разнообразная по звучанию “Nothing to Die for” («Не за что умирать») — по моему мнению, одна из лучших песен за всё время существования группы; написанная явно под влиянием Black Sabbath (саббатовских влияний на этом альбоме, надо сказать, предостаточно — как, впрочем, и влияний Judas Priest, еще одного коллектива из британского Бирмингема), размеренно-зловещая, полная тягуче-пьянящего, но не лишенного эпизодических ускорений, гитарного шаманства десятиминутная “Playing with Spiders/Skullkrusher” («Заигрывания с пауками/Крушитель черепов»); умеренно забойная, но предельно последовательная и педантичная в своей трэшевой наступательности “Birth of Tension” («Зарождение напряженности»); и, наконец, маршево-сокрушительная (вспоминаются, как ни странно, Rammstein), буквально завораживающая своей мелодикой и какой-то общей «первобытной» аурой “Who Tends the Fire” («Кто поддерживает огонь»). Вообще же, проходняка-порожняка на этом альбоме вы не найдете: при его довольно изрядной продолжительности здесь нет ничего лишнего, ничего такого, что просто заполняло бы лакуны между крепкими боевиками. И в этом, считаю, и заключается главное достоинство данной работы, ставшей для трэшеров из Нью-Джерси своего рода абсолютно бесспорным пропуском в авангард трэш-метала в эпоху его расцвета.

Damien   3 май 2012

Маститый продюсер и звукоинженер Кевин Ширли по прозвищу «Пещерный человек» (кое свидетельствует, как можно предположить, о настырной упёртости настоящего профессионала старой закалки), с которым Iron Maiden непрерывно сотрудничают уже около 13 лет (т.е. со времени воссоединения в нынешнем составе), свое дело, что и говорить, знает досконально, имея, в частности, предельно четкое представление о том, каким должно быть звучание его главных подопечных на текущий момент — хэви-метал-группы № 1 в мире — как на студийных, так и на концертных альбомах: предельно реалистичным, лишенным даже малейших «искусственных» доводок (дабы у слушателей не возникало ни малейших сомнений в том, что слышимое ими предельно честно и неприкрашенно отражает то, как их кумиры звучат по-настоящему, en vivo (вживую, исп.)). Принцип при этом, очевидно, таков: ЭТОЙ группе не нужно «вылизывать» звук, ибо колоссальный опыт и профессионализм ее участников в этом просто не нуждаются — их давно не требующие никаких подтверждений профессиональные навыки и музыкальное чутье сделают свое дело и так, гораздо лучше любых технических «примочек». И в случае с IM такой подход работает на 100%: очередной концертный альбом грандов жанра, являющий собой закономерный и ожидаемый итог грандиозного мирового турне в поддержку мегауспешного последнего альбома “The Final Frontier” («Последний рубеж») и выпущенный сразу в нескольких вариантах, из которых вашему вниманию предлагается «базовый», — лишнее (или, точнее говоря, нелишнее) тому подтверждение.

Многочисленные концертные альбомы «железнодевцев» выгодно отличаются от live-релизов множества их коллег по цеху целым рядом факторов, главный из которых, по-моему, предельно очевиден: среди них нет ни одного (ну, или почти ни одного) похожего на другие и, что самое главное, скучно-проходного. Эта группа при всей стабильности отличительных черт ее музыки умудряется на протяжении вот уже не одного десятка лет оставаться «незаезженной», актуальной и предельно востребованной. Я сознательно обойду стороной имиджево-антуражный аспект «живых» выступлений IM: кто в курсе, тому никакие объяснения-описания и не требуются; неосведомленных же не выручит никакое красноречие описывающего — ЭТО надо хотя бы раз увидеть собственными глазами. Концерты IM — всегда Событие с большой буквы, и при всем обилии чисто декоративных элементов, элементов шоу, здесь правит бал прежде всего, конечно же, Ее Величество Музыка, охарактеризовать которую наиболее емко и лаконично, мне кажется, способен эпитет, вынесенный в заголовок одной посвященной англичанам статьи из германского издания Metal Hammer почти 30-летней давности: “heavy metal deluxe”.

Говоря о музыке, нельзя обойти стороной такой проблематичный, а для многих, включая меня, даже в некотором роде болезненный аспект (неизбежно сопутствующий гастрольным турам групп, выпустивших массу альбомов, но на текущий момент имеющих главной целью по возможности полнее представить последний), как составление сет-листа. В данном случае наличествуют аж 6 композиций с “The Final Frontier” (2010), 1 — с “Dance of Death” (2003), 2 — с “Brave New World” (2000), 1 — с “Fear of the Dark” (1992), 1 — с “Seventh Son of a Seventh Son” (1988), 1 — с “Powerslave” (1984), 1 — с “Piece of Mind” (1983), 2 — с “The Number of the Beast” (1982) и 2 — с “Iron Maiden” (1980). «За бортом» остались альбомы “Killers” (1981), “Somewhere in Time” (1986), “No Prayer for the Dying” (1990), оба альбома периода Блейза Бейли — “The X-Factor” (1995) и “Virtual XI” (1998) — и, что лично для меня обиднее всего, весьма неординарный “A Matter of Life and Death” (2006) (да, он исполнялся целиком в ходе сопутствовавшего турне, но всё же, всё же…). Будь моя воля (позволю себе немного пофантазировать), я бы с легким сердцем заменил в целом очень неплохую, но изрядно затянутую и немного занудную “The Talisman” на, скажем, “Different World” и “Rainmaker”, а, несомненно, классические, но уже изрядно поднадоевшие “Hallowed Be Thy Name” и “Running Free” (несмотря даже на наличие в этих композициях традиционных атрибутов финальной части шоу IM: во время первой на фоне мощнейшего, длительного и вариативного гитарного проигрыша Дикинсон несколько раз инициирует среди зрителей «волну», а в ходе второй представляет публике членов группы и, не особо выбирая выражения, приправляет свои реплики довольно «солеными» сентенциями, коими только и можно объяснить наличие на обложке американского издания стандартного предупреждающего вердикта от PMRC “PARENTAL ADVISORY: EXPLICIT CONTENT”) — на “Wrathchild” или “Wasted Years” и на “Clansman” или “Bring Your Daughter… to the Slaughter”. Но оставим несбыточные фантазии; что имеем, то и имеем, как говорится. А вот из того, что имеем, я бы выделил прежде всего “2 Minutes to Midnight” (пройдя надежнейшую проверку временем, эта мощнейшая композиция, звучащая «живьем», пожалуй, даже лучше, чем на альбоме, изрядно будоражит, буквально «наэлектризовывает» аудиторию и поныне), “The Wicker Man” (однозначно одна из лучших (если не самая лучшая), наиболее проникновенных и, что называется, бьющих наотмашь песен IM за всю их долгую музыкальную карьеру) и идущие подряд “Blood Brothers” (аналогично предыдущей характеристике), “When the Wild Wind Blows” (слушая этот предельно трагичный апокалипсический эпик, я всякий раз поневоле вспоминаю изречение политолога-аналитика из одного американского романа: «Несмотря на все наши старания, термоядерная война возможна») и “The Evil That Men Do” (сама фраза «Зло, творимое людьми» уже несет в себе колоссальный эмоциональный заряд, а ее безукоризненное музыкально-текстуальное воплощение эти эмоции только усиливает).

Не могу не сказать несколько слов об оформлении, ибо оно определенно того заслуживает. 24-страничный буклет наряду со сделанными Джоном Макмёртри великолепными фото участников группы, публики и элементов сценических декораций (в т. ч. в виде фотоколлажей), отменно передающими безумную энергетику грандиозного выступления на огромном стадионе в Сантьяго, столице Чили, содержит и тексты всех песен, исполненных на концерте, что является колоссальным плюсом при прослушивании и нагляднейшим свидетельством заботы о фэнах, купивших альбом на физическом носителе. Из фотографий музыкантов меня наиболее впечатлили две: 1) с никогда не теряющим оптимизма Нико Макбрейном, увлеченно лупцующим свою изрядно «навороченную» ударную установку с такой скоростью, что кистей рук и палочек практически не видно — они получились «смазанными»; 2) с Брюсом Дикинсоном, где он, одетый в неизменную для данного тура, зело приметную «униформу» (черную вязаную шапочку с изображением Веселого Род… пардон, Эдди, черную футболку с белой надписью “PSYCH WARD” («ПСИХИАТРИЧЕСКОЕ ОТДЕЛЕНИЕ»), камуфляжные штаны-милитари и ослепительно белые кроссовки), совершает один из своих «фирменных» головокружительных прыжков-кульбитов на изрядной высоте от сцены.

Вердикт: хотя текущий год не прошел еще и на треть, без колебаний ставлю оценку, которой достоин концертный альбом года: не думаю, что до наступления 2013-го услышу что-то, хотя бы наполовину приближающееся к данному релизу по качеству представленного материала и уровню реализации.

Damien  23 апр 2012

Приветствуем тебя, бразильский брат!
Есть место за столом —
лучом, блеснувшим с севера,
летит улыбка, сокращая расстоянья!

Именно с этих строк из стихотворения Уолта Уитмена «Рождественское поздравление» мне хотелось бы начать рецензию на весьма для меня долгожданный (и, скажу сразу, оправдавший ожидания практически полностью) 8-й по счету альбом группы, которая, не являясь бразильской формально (из ее нынешнего состава единственным уроженцем Бразилии является, собственно, Макс Кавалера, а все участники, включая его самого, живут в США), во многом своим творчеством олицетворяет извечный свободолюбиво-бунтарский дух этой огромной страны. В одном из недавних интервью для прессы дон Кавалера, отвечая на вопросы о новом альбоме, сказал, в частности, буквально следующее: «Мне кажется, я, наконец, записал реальное продолжение “Roots”», а нынешний барабанщик Soulfly Дэвид Кинкейд (ex-Borknagar) и вовсе заявил, что новый альбом — «что-то вроде “Arise” под крэком». Смелые заявления, что и говорить; и естественно, что именно от этих высказываний, напрямую затрагивающих одни из, на мой взгляд, наиболее неординарных и «веховых» альбомов в истории тяжелой музыки, я и отталкивался, приступая к прослушиванию данного релиза.

Скажу сразу, что с первого раза альбом (охарактеризованный на стикере как “devastatingly brutal") может и не открыться до конца: уж больно непривычно поначалу он звучит, да и намерения тотчас же гулко ошарашить, мгновенно свалить с ног или, что называется, дать прикурить по полной с места в карьер в нем как-то не чувствуется (а ведь этого любители музыки данной жанровой направленности вообще и фэны Soulfly в частности обычно вправе ожидать от новой работы своих кумиров). Это, пожалуй, один из тех альбомов, которые, не будучи нашпигованы хитами сверху донизу, рано или поздно притягивают терпеливого слушателя чем-то другим, чем-то таким, что максимально созвучно его внутреннему состоянию и мироощущению на момент прослушивания. Таковым лично для меня в данном случае стало вполне отчетливое стремление создателей композиций (и в первую очередь, естественно, их главного автора) придать каждой из них по-настоящему индивидуальную окраску (не везде, увы, реализованное с максимально возможной убедительностью), призванную передать смысловое наполнение такими музыкальными средствами, которые совершенно необязательно должны оказать требуемое эмоциональное воздействие на слушателя моментально.

Начну с того, что влияние альбомов «Корни» и «Восстанем» тут если и чувствуется, то довольно опосредованно, не напрямую, и никаким самоплагиатом не пахнет по определению. Первые две неразрывно связанные между собой композиции, «Сопротивление» и «Подонки этого мира», предельно аутентично и, что самое главное, нешаблонно и талантливо прокладывают фарватер последующим, демонстрируя, как уже было сказано, не повальное стремление выехать без особого труда на прошлых заслугах, но недюжинный элемент свежести и новаторства вкупе с приемами, испытанными временем. В них нет ничего надуманного, ничего лишнего, равно как и нередко имевшего место в прошлом удручающе-предсказуемо-однообразного: всё очень свежо, будоражаще, ритмически и мелодически выверенно. Этнически-«племенные» элементы, которых подсознательно ждешь от «продолжения “Roots”», малозаметны, предельно умеренны и ненавязчивы; во главе угла — жесткий, агрессивный, слегка суховатый трэш-дэт, многое унаследовавший от ранней Sepultura и аналогичных североамериканских составов примерно того же периода (Slayer, Possessed, Death, Morbid Angel) и отличающийся практически безукоризненной работой всех участников коллектива, включая, что особенно отрадно, обновленную ритм-секцию в лице басиста Тони Кампоса (ex-Static X, ныне — Asesino, Prong и Ministry; здесь также отметился как один из вокалистов на “Plata o Plomo”) и вышеупомянутого Кинкейда, высочайший профессионализм которых стал для Soulfly давно назревшим и насущно необходимым вливанием свежей крови и энергетики. Идущая следом «Интервенция» куда как более традиционна и по-соулфлаевски прямолинейна, в силу чего по большей части играет роль своего рода «втулки», не столько привлекающей к себе внимание, сколько дающей слушателю, как это ни странно прозвучит, хоть немного перевести дух. А вот следующий, не побоюсь пафосного эпитета, величественно-эпохальный номер «Гладиатор» — самый настоящий суперхит, который современному «Полету души» требовался как глоток свежего воздуха — убеждает в современной творческой состоятельности коллектива окончательно и бесповоротно: песня, я уверен, достойно украсила бы и звуковую дорожку одноименного блокбастера Ридли Скотта. «Легионы» достойно поддерживают заданный градус накала, вызывая в памяти уже лишь насквозь олдскульный “Arise” без малейших влияний “Roots”. Очередной «центровой» номер пластинки — «Американская сталь», где влияние ранней Sepultura слышится не менее сильно (совместный «кач» Кавалеры и Марка Риццо здесь настолько мощен и захватывающ, что и Андреас Киссер не сделал бы его лучше). «Избавление человека Богом» при всей своей «качевости» и слегка «индустриальной» эпичности звучит несколько опять же по-соулфлаевски вторично, выполняя функцию опять же по большей части просто частички паззла. «Предательство»… На первый — поверхностный — взгляд излишне прямолинейная и примитивная, эта композиция не так-то проста: в ней много отчетливо слышимых при внимательном прослушивании дарк-металлических «атмосферных» элементов в духе поздних Celtic Frost, чрезвычайно органично вплетенных в трэшевую ритмику а-ля Sepultura, а местами выбивающихся из нее в виде характерных гитарных проигрышей, делающих мелодическую линию подлинным украшением, мини-шедевром альбома. Следующая, посвященная колумбийским наркокартелям композиция с предельно красноречивым испаноязычным названием «Серебро или свинец» (традиционное для тех мест предложение взятки полицейским под угрозой смерти в случае ее непринятия), ярко выраженной «проперченной» этно-цветистостью (одни акустические гитары в духе фламенко чего стоят!) и «фирменной» яростью Макса сотоварищи, чья ненависть к извечной коррумпированности властей и полиции не вызывает сомнений, является, пожалуй, одним из главных хитов на «Порабощенных» (тема рабства, кстати, при чтении текстов в той или иной мере прослеживается во всех песнях, придавая альбому известную концептуальность). «Кандалы» с ее преобладающей грувово-давящей размеренностью и, как и в предыдущей композиции, этническими нотками, перемешанными здесь не только с тяжеленным трэшкором и tribal-ходами в духе “Roots”, но и с опять же околокелтикфростовскими элементами (в результате чего получилось вообще нечто, доселе у Soulfly не слыханное), придает представленной на пластинке и без того довольно пестрой стилистической мозаике дополнительную полноту. И, наконец, завершающая гимноподобная “Revengeance” (игра слов, которую при известной доле фантазии можно перевести как «Повторное отмщение») не оставляет ни малейших сомнений в том, что главное детище Макса Кавалеры постсепультурной эпохи списывать со счетов еще очень и очень рано.

Damien  16 апр 2012

Думаю, каждому из тех, кто достаточно хорошо знаком с творчеством этой известнейшей (не в последнюю очередь благодаря своему скандальному имиджу) музыкальной формации из знойного, кишащего аллигаторами и предельно брутальными дэт-металлическими коллективами штата Флорида, было примерно ясно, чего ожидать от ее нового альбома, уже при взгляде на предварительно анонсированные обложку и трек-лист. Было понятно, что намечается до известной степени окончательный возврат к корням, выдержанный, однако, в духе нового времени — с современным звуком и в какой-то мере свежим подходом к музицированию. Так, собственно, и произошло: уже первая композиция с красноречивым названием «Безумная агрессия» (или, что максимально передает заложенный в нее посыл, «Больная агрессия») уверенно задает тон всему альбому и просто обязана быть включенной в текущий сет-лист группы. При прослушивании этого запредельно скоростного мини-шедевра брутала сразу же возникают ассоциации со Slayer времен “Reign in Blood” и Napalm Death периода ’91–’92 гг. (видимо, из-за ураганных бласт-битов и манеры пения Фишера, слегка напоминающей молодого Гринуэя). Однако дабы у читающих эти строки не сложилось об альбоме превратное впечатление как об одной сплошной пулеметной молотьбе, спешу сообщить, что в данной работе нередки замедления темпа и мастерские смены ритма (наличествующие, кстати, уже во второй песне), время от времени исправно нагнетается та давяще-«мясная» атмосфера, которая отличает лучшие, на мой взгляд, релизы Cannibal Corpse — “Butchered at Birth”, “Tomb of the Mutilated” и “The Bleeding”, и, конечно же, чего раньше я у Трупоканнибалов никогда не слышал (по крайней мере, не в настолько явной форме), то и дело встречаются явственные оккультно-инфернальные обертоны в духе Morbid Angel, но, к счастью, совершенно, не воспринимающиеся как плагиат. Наличие последних обусловлено, по-видимому, влиянием со стороны продюсера Эрика Рутана — бывшего участника «Мерзостного ангела». Отдельно отмечу работу гитаристов: не слишком частые, но исключительно уместные и красивые соло (от некоторых, что называется, просто сносит крышу) плюс плотнейшая «стена звука», которую они порой выдают, заставляют композиции звучать максимально выигрышно. Больше остальных номеров понравились вышеупомянутые “Demented Aggression” и “Sarcophagic Frenzy”, “Followed Home then Killed” (в какой-то момент я поймал себя на мысли, что слушаю оглушительные вокальные эскапады Фишера вполуха, а основное внимание сконцентрировано на игре двух гитаристов, которая местами буквально завораживает), а также “Caged… Contorted” (пусть это и не лучшая композиция альбома в музыкальном отношении, но по части новизны музыкального почерка, совершенно несвойственного тому, что группа делала раньше, равных ей на альбоме практически нет: разнообразие, разнообразие и еще раз разнообразие — такова, пожалуй, будет моя ее характеристика) и “Torn Through” (как средоточие предельно брутальной энергетики, равно как и своего рода квинтэссенция недюжинных гроул-скриминговых способностей Джорджа «Трупоперемалывателя» Фишера и присущей его вокалу тошнотной, гнойно-кровавой, но вместе с тем по-своему притягательной ауры, этот завершающий гимн ненависти и насилию годится, пожалуй, лучше всех прочих).

Теперь хочу вернуться к тому, о чем вскользь упомянул в начале рецензии: к оформлению и лирике. Уж не знаю, как оформлена обложка стандартного издания «в стекле», но, сняв целлофановую упаковку с приобретенного мною диджипака, я обнаружил, что оный находится в слипкейсе, через отверстие в котором виден лишь уже общеизвестный одинокий зомби слегка сиротского вида. Сняв же слипкейс, я узрел донельзя «аппетитную» картину, слегка напоминающую еще одно нетленное творение Винсента Локе — обложку вышеупомянутого “Butchered at Birth” с прирезанными на адской мясобойне новорожденными. Здесь вместо безвинно убиенных младенчиков развешаны преимущественно вверх ногами тоже, похоже, неживые (или близкие к переходу в мир иной), но вполне взрослые особи вида homo sapiens обоего пола (изувеченные, взрезанные, с местами содранной кожей, зашитыми ртами, запястьями и лодыжками, спутанными колючей проволокой: torture (пытка, истязание), что и говорить, правит бал в полной мере), из коих больше других обращает на себя внимание несостоявшаяся роженица со вспоротым, но потом зачем-то аккуратно зашитым обратно животом. А на размещенном внутри буклета фото группы ее участники с различными орудиями убийства в руках сняты на укромной лесной поляне рядом с автомобилем, из багажника которого на землю вывален человек, завязанный в мешок (да и в самом багажнике виднеются чьи-то руки-ноги). Названия некоторых композиций «бодрят» не меньше: «Замурованный в бетон», «Насколько глубоко входит нож», «Проследил до дома, потом убил», «Кресло для удушения». К чему я это всё, спросите вы? У меня сложное отношение к подобной, так сказать, творческой самореализации. С одной стороны, понятно, что все эти «художества» — не более чем «Гран-Гиньоль» на современный лад (тексты, впрочем, отнюдь не шутовские, да и легкая намеренная ненатуральность прорисовки, свойственная Локе, также не должна вводить в заблуждение: будь живописуемые им мерзости хоть на йоту реалистичнее, о продажах альбомов в крупных музыкальных магазинах можно было бы, думаю, просто забыть), а с другой, от всего этого мне, как и любому нормальному здравомыслящему человеку, всё же как-то не по себе. На мою оценку альбома последнее суждение, впрочем, никак не повлияет — она весьма высока и, думается мне, вполне заслуженна.

Damien   2 апр 2012

«28-минутный мини-альбом, содержащий 3 ранее нереализованных трека из сессий записи альбома “Eparistera Daimones” плюс 2 песни из классического наследия Celtic Frost, записанные “вживую” на фестивале Roadburn 2010, где Triptykon выступили в качестве хедлайнеров. ПРИ УЧАСТИИ НОКТЮРНО КУЛЬТО ИЗ DARKTHRONE» — для поклонников творчества Тома Габриеля «Уорриора» («Воина») Фишера уже одной этой аннотации с наклейки на CD должно быть достаточно для безоглядного приобретения данного релиза, тем более что оный не обманет их ожиданий ни в малейшей степени. Ибо все музыкальные коллективы, ведомые легендарным ветераном швейцарской метал-сцены в разные годы, отличает, как и весь выпущенный ими материал, одна общая черта — бескомпромиссность подхода к своему творчеству, помноженная на изрядный талант, нестандартность музыкального вИдения и яркую индивидуальность.

Одним из главных (если не наиглавнейшим) достоинств рецензируемого миньона является то, что он наглядно демонстрирует многогранность творчества группы. При этом повсеместно остается неизменной невероятная мрачность музыкального материала, который, формально подпадая под категорию dark metal, по настроению, как ни крути, представляет собой наимрачнейший, наичернейший блэк — чернее любой ночи, льдистее и морознее всякой стужи (лично у меня при первом прослушивании почти сразу же возникла ассоциация с паром, идущим изо рта в скованном льдом, потрескивающем от мороза лесу). И музыка эта, сразу скажу, далеко не для слабонервных: ее можно назвать одним из ярчайших и убедительнейших примеров музыкального воплощения Тьмы, олицетворения ада кромешного из самых горячечных инфернальных фантазий — и это при том, что с точки зрения средств подачи ничего особенно страшного в ней по большей части вроде бы нет: метал как метал, в целом с упором на среднетемповость, никакого гроула или кровохаркающего скриминга, достаточно традиционные музыкальные структуры с легким привкусом ранних Black Sabbath в гитарных риффах, но… но ЭТО надо слышать (а слушать ЭТО, кстати, некоторые из моих личных знакомых, которых давно не удивишь, скажем, даже наилютейшим брутал-дэтом, не могут морально и физически: им становится нехорошо). Открывающая заглавная композиция, название которой можно перевести как «Вдребезги» (первые строки довольно красноречиво передают общий настрой: “I don’t want to feel. I don’t want to see. I don’t want to love. I don’t want to live”), ничуть не уступает материалу блистательного “Eparistera Daimones”, будучи при этом, однако, более простой по структуре и лаконичной по продолжительности, и неспешно нагнетает ощутимо-мизантропичную, медитативно-заклинательную атмосферу сознательного отрешения от мирских благ и ценностей ради «темной» стези. И вторящий жутковатым речитативам Тома Уорриора (как «чистым», так и дисторшированным) изящный, совершенно неагрессивный женский вокал приглашенной Симоне Фолленвайдер придает этой песне, зримо являющей собой уже вполне узнаваемое собственное лицо и недюжинный творческий потенциал Triptykon, дополнительную изюминку сродни своего рода черной жемчужине в сверкающей адской диадеме. Второй трек, «Я — сумерки», в котором, напротив, гораздо больше от Celtic Frost периода “Monotheist”, также полностью соответствует своему названию и выдержан в громогласно-наступательном, монотонно-давящем ключе с изрядной долей агрессии. Но украшением релиза № 1 лично для меня является абсолютно потусторонняя, словно олицетворяющая незримое присутствие самой Смерти третья композиция (название которой в переводе с латыни означает «Распятый на кресте»), выдержанная в стилистике dark/industrial. Присутствующие в ней несколько разнящиеся по тональности синтезаторные имитации гулких, местами буквально взрывающих на большой громкости барабанные перепонки звуков ударов, от которых в жилах стынет кровь и которые, очевидно, призваны воплощать забивание гвоздей, у меня поневоле ассоциируются с замогильным треском сучьев в заключительных титрах приснопамятного кинотриллера «Ведьма из Блэр. Курсовая с того света».

Общую картину превосходно дополняют две завершающие композиции из «золотого фонда» ранних Celtic Frost, блестяще исполненные новой группой герра Уорриора и не менее блистательно записанные маститыми голландскими звукоинженерами на тилбургском фестивале двухлетней давности. Их концертное воплощение не обошлось без сюрпризов (по большей части приятных). Явно обрадованный изрядным наплывом и горячим приемом публики, старина Том во время исполнения «Круга тиранов» — композиции, где в оригинале нет и намека на оптимизм (как и в целом у Celtic Frost) — демонстрирует как вокалист какую-то не слишком уместную радостную приподнятость в сочетании с пафосной расслабленностью в припевах. Слушается это, надо сказать, немного странно, но в то же время оригинально, и, по большому счету, не напрягает. А в «Свергнутом императоре» сюрпризом является, конечно же, присутствие у микрофонной стойки еще одного ветерана музыкального чернокнижия — Ноктюрно Культо из Darkthrone, справившегося со своей ролью просто на отлично.

Damien  19 мар 2012

Представленная на обложке новейшего альбома «Агнца Божьего» с красноречивым названием «Развязка» жуткая картина опустошенной выжженной земли, превращенной ядерным взрывом в растрескавшуюся стекловидную массу, с дымным пожарищем на горизонте может восприниматься по-разному. Одни могут расценить ее как своего рода очередное заявление, как иллюстративно выраженный посыл, заложенный в музыке и текстах группы, имидж которой с самого момента образования имеет мрачно-апокалиптическую окраску, другие, возможно, увидят в ней несколько топорный, типично «металлистский» пиар-ход, призванный восполнить недостаток «ударности» музыкального материала; но и те и другие вряд ли удержатся от соблазна проверить правильность своих предположений самым простым способом — прослушав альбом. И большинство тех, кто это сделает, совершенно точно не останется равнодушным: об этой пластинке, вне всякого сомнения, будут говорить многие, и говорить много. Ибо очень и очень немногим сегодняшним «тяжелым» музыкальным коллективам удается создать нечто столь же совершенное, бьющее наотмашь и убедительно-разноплановое от начала до конца независимо от продолжительности воспроизведения.

Все композиции выверены, как точнейшие часы, безупречно сыграны и записаны; при этом, однако, ощущения «прилизанности» при прослушивании не возникает совершенно: налицо лишь чистая, практически первозданная (если не сказать первобытная) агрессивная мощь, лишь изредка перемежаемая своего рода условно-лирическими отступлениями. Из инструментальных партий хочется особо выделить бас Джона Кэмпбелла, никогда еще не звучавший настолько весомо и внушительно, и великолепные, хотя и не слишком частые (что, впрочем, скорее плюс — всего, как известно, должно быть в меру) гитарные соло Уилла Адлера и Марка Мортона, предельно уместные в общем мелодическом контексте. Общую картину, разумеется, исключительно выгодно дополняют не нуждающиеся в особых комментариях яростно рычащий вокал Рэнди Блайта и мощнейшие (опять же хронометрически выверенные и точные) партии ударных Криса Адлера — одного из общепризнанно лучших «тяжелых» барабанщиков в мире.

Можно долго рассуждать о том, лучше или хуже данная работа квинтета из Ричмонда, штат Вирджиния, изрядно встряхнувшего музобщественность три года назад «Гнева» — релиза, позволившего говорить о Lamb of God как о полноценных преемниках Pantera, имеющих при этом собственный мгновенно узнаваемый и уникальный стиль. Мне же кажется более важным совершенно очевидное отсутствие у “Resolution” даже малейших признаков самоплагиата и сытого почивания на лаврах: всё звучит предельно свежо, актуально и будоражаще, а в ряде композиций (особенно в завершающей “King Me” и неудержимо-убийственной, как извержение вулкана, “The Undertow”, которую даже при некоторой шаблонности представленных исполнительских ходов лично я считаю абсолютной жемчужиной релиза — динамика и выразительность этой песни прямо-таки звериные и безумно-магнетизирующие) наличествует даже некоторая эпичность.

В свете вышесказанного не менее очевидно развитие группы, ее ощутимое движение вперед; и, что самое приятное, чувствуется, что даже столь филигранное совершенство, столь высокое композиторско-исполнительское мастерство коллектива является не завершающей точкой, но многообещающим многоточием в его карьере. Трехлетнее ожидание определенно было не напрасным: имея в своем багаже альбом ТАКОГО уровня, LoG, думается мне, не только сполна удовлетворили ожидания своих уже имеющихся преданных метал-фэнов, но и привлекли к себе внимание более «традиционной», менее андерграундной аудитории, ориентированной не только на «метал». И такое расширение музыкальных границ собственного творчества можно, мне кажется, только приветствовать, потому что оно лишний раз со всей возможной убедительностью доказывает, что настоящая музыка, Музыка с большой буквы, в состоянии стирать любые границы и завоевывать новых приверженцев вне зависимости от базовой стилистики. Высший балл, без вопросов.

Damien  15 фев 2012

Не слишком удивлюсь, если эта весьма незаурядная и крайне любопытная дебютная пластинка молодого коллектива (название которого можно перевести с норвежского как «удушающий захват», «мертвая хватка» или, в более общем смысле, «подавление», «полный контроль») из Ставангера заставит или уже заставила многих, кто ее услышал, в какой-то степени переосмыслить для себя значение термина «рок-н-ролл» — по крайней мере, в его современной трактовке. Представляя собой неслыханную ранее ядрёную гремучую смесь из местами напоминающего Motörhead тяжелого грязноватого рок-н-ролла, самого что ни на есть блэк-метала с его характерно-истеричным вокалом, гитарным жужжанием и бласт-битами, панка, сладжа и альтернативного рока, она намертво вцепляется, вгрызается, ввинчивается в слушателя с первых же аккордов и не отпускает до самого конца. Риффы хоть и довольно просты, но чрезвычайно мелодичны, искренни, подкупающи и чертовски убедительны (особенно в этом смысле лично мне запомнились “Fossegrim”, “Offernatt”, Ordsmedar av Rang” и “Utrydd dei Svake”; последняя композиция примечательна еще и тем, что ощущения от ее прослушивания выводят за рамки традиционного «тяжеляка», заставляя эмоционально «плыть по течению», не сопротивляясь несущему тебя потоку всевозможных мыслей и образов). Радуют не слишком частые, но предельно уместные хоровые распевки, равно как и то, что ребята не боятся экспериментировать с ритмами и смешением стилей — и получается это у них предельно естественно и органично (даже там, где в музыке вплотную сочетается, казалось бы, несочетаемое; а таких фрагментов на альбоме множество).

Тексты на норвежском языке, являющиеся пусть и не слишком оригинальной, но всё же своего рода фирменной фишкой группы, совершенно не вызывают слухового отторжения и касаются, как гласит англоязычная Википедия, норвежской мифологии и фольклора древних викингов.

Оформлению альбома (как обложки, так и буклета, но особенно обложки), выполненному Джоном Дайером Бейзли (также работавшим над артворком для Kylesa, Pig Destroyer, Darkest Hour и др.), можно, на мой взгляд, посвятить отдельную статью — настолько оно стильно, высокопрофессионально и эстетически притягательно. Довольно скупая, но мастерски подобранная цветовая гамма обложки максимально убедительно подчеркивает запечатленную на ней атмосферу смерти и тлена в сочетании с цветением, эротизмом и быстротечностью юности, от которой до увядания и распада лишь миг по меркам вечности. Обладатели лимитированного диджипакового переиздания 2011 г. получают наряду с 6 бонус-треками (4 «сессии» на Би-Би-Си + 2 демо, 2009 и 2008 гг.) и бонусным DVD (документальный фильм о создании альбома, 3 клипа и 3 песни в концертном исполнении) еще и небольшой плакат, объединяющий в себе элементы оформления лицевой и тыльной сторон обложки.

В заключение скажу лишь, что таким альбомам радуешься вдвойне: творческая смелость и нетривиальность подхода к сочинению материала сочетаются в них с чрезвычайно качественным и зажигательным музыкальным наполнением. Блестящий дебют, практически безукоризненная работа, пусть и не дотягивающая самую малость до статуса «шедевр».

Damien  26 дек 2011

Этот альбом восточногерманской группы, ставшей к тому времени одной из самых популярных в мире (причем благодаря не столько своему во многом провокативно-скандальному имиджу, сколько качеству музыкального материала), явился переломным для ее творчества в целом ряде аспектов. Неизменными остались лишь самые общие атрибуты ее релизов: 11 песен, продолжительность в пределах 45–50 минут (чтобы слушатель «не уставал»), название по одной из композиций («Путешествуй, путешествуй», или, если ближе к контексту, «Плыви, плыви»), объединенность в той или иной степени большей части лирики заглавной темой (здесь, как явствует из названия, — своего рода альбом-путешествие), продюсер Якоб Хелльнер. Музыкальная же составляющая изменилась весьма существенно (если не сказать кардинально), в результате чего коллектив, хоть и потеряв сравнительную небольшую часть старых поклонников, приобрел огромное множество новых, более приемлющих творческие инновации и метаморфозы новообретенных кумиров, и его популярность вышла на качественно новый уровень.

Во-первых, отход от «электро-индустриального» звучания, явно наметившийся на предыдущем альбоме, на этом стал еще более очевидным (ни одна песня под категорию electro/industrial явным образом уже не подпадает), и группа окончательно приобрела традиционный рок-формат, в котором роль клавишных хоть и важна, но отнюдь не первостепенна. Звучание гитар стало еще плотнее, массивнее и «грязнее» — особенно это заметно в 1-й, 2-й, 4-й и 9-й композициях, а 5-я (“Los”) и вовсе почти полностью сыграна в «акустике», чего Rammstein прежде никогда не делали. Немного по-другому зазвучали барабаны: от былой механистичности не осталось и следа, всё очень «живо» и предельно реалистично (в “Mein Teil”, впрочем, помимо основной партии ударных есть и наложенная дополнительно, от которой композиция только выигрывает). Во-вторых, несколько замедлился общий музыкальный темп: таких ураганно-скоростных «боевиков», как, например, “Feuer frei!” или “Zwitter” с альбома “Mutter”, вы тут не найдете; группа явно стремится звучать еще более размеренно, солидно и весомо, нисколько при этом не теряя в тяжести и убедительности. В третьих, опять же в русле окончательного перехода к классическому рок-формату, изменился и подход к аранжировкам: они стали более сложными, продуманными и, я бы даже сказал, изощренными (музыкальная структура всех без исключения композиций не так проста, как может показаться при беглом ознакомлении с альбомом; взять хотя бы вышеупомянутую “Mein Teil”, где каждая мелодическая составляющая предельно уместна в общем контексте); расширился набор дополнительных выразительных средств, передающих композиторский замысел на данном релизе с максимально возможной убедительностью, — это и крики чаек/шум волн в “Reise, reise”, и щемящие душу звуки гармоники (пусть и синтезированной) в той же “Reise…” и “Moskau”, и «хор ангелов» в заключительной части “Mein Teil” (от которого в жилах стынет кровь, а по коже бегут мурашки в контексте текстово-смысловой составляющей), и примерно такой же хор в “Morgenstern” (хоть и в несколько иной смысло-восприятийной тональности, но тоже, впрочем, весьма минорной), и, конечно же, довольно неожиданный и зело бодрящий немецко-русскоязычный дуэт Тиля Линдеманна и Виктории Ферш (эстонка, давно живущая в Германии) без малейшего акцента со стороны Виктории, что не может не радовать! Ну и, наконец, в четвертых, нельзя не отметить единственную в своем роде для Rammstein «связку» из двух трагично-любовных баллад в конце альбома.

Отдельная тема — тексты песен альбома (как и вообще вся песенная лирика Rammstein, непонимание которой огромной частью фэнов, не знающих немецкого, делает, на мой взгляд, группу изрядно недооцененной). Тут и морская стихия как метафора человеческого существования, борьбы за жизнь и место под солнцем («Плыви, плыви»); и леденящий парафраз имевшей место в реальной жизни незадолго до создания альбома истории о том, как компьютерный аналитик Армин Мейвес из Ротенбурга, разместив в Интернете объявление о поиске жертвы для заклания и съедения и встретившись с охотно откликнувшимся на него сотрудником Siemens Бернардом Юргеном Брандесом, отрезал после полового акта с гостем последнему член, ставший предметом их обоюдной трапезы, после чего перерезал жертве горло и, после расчленения оной поместив наиболее лакомые части в морозилку, еще долго потом готовил себе по выходным мясо с картошкой («Часть меня»); и обыгрывающая страх человека, покорившего небеса и подсознательно опасающегося мести высших сил за вторжение в божественную обитель, жестокая притча о самолете, попавшем в зону турбулентности, в результате чего один из пассажиров, панически прижав к себе своего сидевшего рядом ребенка, нечаянно его задушил, а самолет между тем благополучно миновал опасную зону («Далай-лама» (первоначальное рабочее название — «Flugangst» («Страх полета»)*); и едкое высмеивание неприглядно-извращенных представлений недалеких обывателей о реальной жизни знаменитостей, эпатирующих публику лишь в рамках собственного имиджа («Мне не хочется»); и отповедь тем, кто не верил в будущее «безвкусной», «безнравственной», «безбожной» и т.п. группы Rammstein и всячески вставлял ей палки в колеса («Без»); и сатирическая ода стране, которая, являясь главным мировым жандармом и поджигателем войн, одновременно символизирует собой многое из того позитивного (или как минимум претендующего на позитивность), без чего просто невозможно представить себе современный мир («Америка»); и во многом шокирующе-оскорбительное, но одновременно в чем-то болезненно-правдивое представление о столице одной седьмой части суши как о старой, замызганной, разжиревшей и патологически алчной потаскухе с красными пятнами на лбу (по-видимому, прозрачный намек на кремлевские звезды), чьи душевные щедрость и теплота, соседствующие в глазах западного человека с вышеозначенными атрибутами, всё же заставляют последнего считать ее самым лучшим городом мира («Москва»)**; и исполненное горечи повествование о некоей уродливой особе, стесняющейся даже обращать свой лик в сторону солнца — настолько она безобразна и отталкивающа (среди различных аллегорических толкований данного образа, помимо планеты Венера, в моем мозгу почему-то с малопонятным и угрожающим постоянством маячит аллегория некогда Великой Германии, ныне при всей своей относительной мощи тайно тоскующей по лучезарному имперскому прошлому) («Утренняя звезда»); и знакомое каждому мужчине (да и, наверно, каждой женщине тоже) тайно-подспудное желание навеки привязать к себе объект любви путами, разорвать которые невозможно, как ни пытайся («Камень за камнем»); и, наконец, две потрясающие трагичные баллады о любви, утраченной навеки («Без тебя»), и любви как таковой, любые попытки загнать которую в некое гипотетически-рациональное прокрустово ложе неизбежно заканчиваются тем, что сама любовь не оставляет камня на камня как от подобных попыток, так и от как минимум душевной крепости их незадачливых авторов («Любовь»).

Что же мы имеем в итоге? А в итоге, на мой взгляд (не претендующий, разумеется, на абсолютную объективность, которой, как мне кажется, в рецензиях на музыкальные альбомы не бывает по определению), — пусть и несколько неоднозначная, но в целом практически безупречная работа, бывшая предельно актуальной и востребованной на момент выхода и не утратившая актуальности и востребованности по сей день. Ни одной проходной песни, ничего вымученно-лишнего: абсолютное совершенство, однозначно высший балл.

* С текстом песни напрямую ассоциируется оформление альбома, показывающее, в частности, как наружную поверхность, так и внутреннюю «начинку» т.н. «черного ящика» (который на самом деле оранжевый) — бортового самописца авиалайнера.
** Наличествующие в песне откровенно дураковатые в контексте текущих реалий строки про пионеров и песнопения Ленину (вставленные, надо полагать, шутки ради) можно, вероятно, отнести на счет реминисценций детства Пауля Ландерса, прожившего с родителями во времена СССР и ГДР около месяца в Москве.

Damien   7 ноя 2011

Эта, без преувеличения, эпохальная работа стала для Rammstein своего рода трамплином, благодаря которому о группе наконец узнала как минимум вся Европа, включая, разумеется, ее российскую часть. До триумфального покорения мира в виде абсолютно «бомбового» “Mutter” оставались еще долгих четыре года, но начало оному было по-настоящему громогласно и уверенно положено именно тогда — в 1997-м, когда шестерка прежде мало кому известных даже после выхода весьма и весьма крепкого первенца “Herzeleid” («Сердечные муки», 1995) выходцев из бывшей ГДР выпустила альбом, который множеством поклонников группы считается непревзойденной вершиной ее творчества по сей день. И это действительно был качественный прорыв, неоспоримые достоинства которого в полной мере очевидны уже при первом прослушивании: композиции стали разнообразнее, напористее и «хуковее»; тяжесть подачи, нисколько не утратив «молотобойности», стала гораздо более изящной (в определенном контексте, разумеется) и изощренной, а музыка в целом — намного более хитовой и цепляющей, и не в последнюю очередь благодаря искусным, досконально продуманным аранжировкам. Лучше всего высочайшее качество музыкального наполнения альбома определяется, на мой взгляд, эпитетом «кинематографичный»: далеко не каждая группа в состоянии сочинять настолько эмоциональные и доходчивые (в хорошем смысле) песни, от большинства которых перехватывает дыхание и по спине бегут мурашки даже сегодня. Группе удалось создать материал, который, ни в коей мере не являясь примитивным, был воспринят «на ура» самыми разными категориями слушателей, удалось уложить в 44 минуты чистого времени звучания альбома столько подлинного мелодического совершенства и зашкаливающего эмоционального накала, сколько под силу очень немногим современным музыкальным коллективам.

Феноменальная популярность этого альбома может показаться тем более удивительной, что во внешних своих проявлениях он на это не претендует ни в малейшей степени — и в первую очередь это касается оформления (содержащиеся в буклете обработанные программными средствами фотографии мертвенного вида голов участников группы, уснащенных жуткими пыточными приспособлениями из колючей проволоки и т.п., едва ли способны настроить перед прослушиванием на позитивный лад в общепринятом смысле), содержания текстов песен и, если подытожить, своего рода идеологического посыла, заложенного в пластинке в целом. Темы, которым Тиль Линдеманн — вокалист и автор львиной доли лирики группы — отдает предпочтение при ее написании, стали очевидны еще двумя годами ранее: секс (причем во многом в садистско-садомазохистском ключе) и сексуальные перверсии (в т.ч. в семьях), размышления человека о собственном месте в этом мире и неутешительные выводы об его (человека) отнюдь не ангельской природе, порой неизбежное преобладание в реальной жизни низменных сторон бытия над благими помыслами и прекраснодушными устремлениями, потаенно-низменные стороны человеческой натуры, признаться в которых человек нередко боится даже самому себе, царящее в обществе насилие над личностью и связанные с ним всевозможные эмоциональные состояния и срывы — опять же зачастую с неприкрыто сексуальным подтекстом. Но разве можно устоять под этой агрессивно-давящей бурей самых разных эмоций и чувств, буквально извергающейся из динамиков с первых же секунд после нажатия кнопки воспроизведения? Можно ли остаться равнодушным перед натиском композиций такого уровня, какой демонстрируют, к примеру, заглавная аллегорико-эротичная “Sehnsucht” («Томление», «Вожделение» и т.п.) с ее бешено пульсирующим маршеподобным ритмом, филигранной мелодикой и мастерски реализованными сменами темпа и настроения, или громоподобная и яростная, как извержение вулкана, “Tier” («Зверь»), вызывающая колоссальное сопереживание ее героине, жестоко отомстившей в зрелом возрасте насильнику-отцу, лишившему ее детства и сломавшему судьбу, или, наконец, ставшая главным хитом альбома и хитом № 1 группы, ее, так сказать, визитной карточкой на годы вперед “Du hast” («Ты меня…»), которую не слышал, наверное, только глухой и которая, как мне представляется, в каком-то смысле является идеально-минималистским музыкально-текстуальным воплощением части тех порой крайне непростых взаимоотношений и переживаний, которые — худые ли или благие по сути — и делают человека человеком, а отнюдь не безгрешным ангелом?.. Ответ, мне кажется, более чем очевиден. Характерная деталь: следующая за “Du hast”, 6-я по счету “Bück dich” («Нагнись»), намеренная амелодичная выхолощенность которой (максимально реалистично иллюстрирующая болезненно обезличенную природу секса, лишенного эмоциональной близости и подлинной чувственности) вызывает прямые ассоциации с отбойным молотком, воспринимается после эмоционального шквала предыдущих пяти композиций едва ли не как мирно-пасторальная музыкальная пьеска, дарующая отдохновение и безмятежность, после чего эмоционально-восприятийный градус вновь повышается до примерно тех же зашкаливающих величин, особенно в блистательных “Spiel mit mir” («Поиграй со мной»), “Klavier” («Рояль») и “Eifersucht” («Ревность»). Отдельной похвалы достойны предельно уместные и приятные вставки женского вокала в вышеупомянутой “Du hast” и “Engel” («Ангел»), без которых эти великолепные песни всё же не были бы НАСТОЛЬКО убедительными.

Музыкальные структура и окраска композиций Rammstein никогда не отличались особой сложностью (а группа никогда к этому и не стремилась): так, для раннего периода ее творчества, к которому относится и рецензируемый альбом, характерны преимущественно довольно незатейливая маршево-качающая ритмика, формируемая практически синхронными гитарными риффами Рихарда Круспе и Пауля Ландерса, не слишком разнообразная, но чрезвычайно мощная электронно-клавишная «подложка» от Кристиана «Флаке» Лоренца, не самая технически продвинутая, но вместе с тем временами предельно подкупающе-эмоциональная игра на басу Оливера Риделя, минималистичные машиноподобные ритмы ударных Кристофа Шнайдера и, наконец, мгновенно узнаваемый гортанный, четко чеканящий (а порой буквально выплевывающий) слова, донельзя харизматичный вокал Тиля Линдеманна. Это, конечно же, никакой не индастриал в его традиционном понимании и уж тем более не то, что принято называть electro-body music (EBM) — это просто рок-музыка с ярко выраженной «околоиндустриальной» составляющей и акцентом на простые запоминающиеся мелодии. Но кто скажет, что это плохо, если указанный подход в данном конкретном случае работает даже не на сто, а на все двести процентов?

Альбом имел оглушительный успех, став, как было отмечено выше, ступенькой к будущему суперзвездно-стадионному статусу группы и миллионным тиражам проданных ею альбомов. Формула же данного успеха (если вообще можно говорить о какой-то формуле в подобном контексте), пожалуй, такова: если хотите стать по-настоящему популярными, сделайте свою музыку, ни в коей мере не упрощая ее до низкопробности, максимально убедительной и близкой по духу для большого количества людей независимо от музыкальных пристрастий той или иной части аудитории, к которой апеллируете. И описываемый релиз, коему я без всяких колебаний ставлю наивысшую оценку, — лучшее тому подтверждение.

P.S. Японское переиздание альбома содержит бонус-трек — англоязычную версию “Engel”, а в американском переиздании целых два бонуса, второй из которых — англоязычная “Du hast”.

Damien   7 ноя 2011

В англоязычной Википедии данной группе, сообразно ее более чем скромному статусу в мировой табели о рангах тяжелой музыки, посвящено всего несколько строк:

«Ripping Corpse — игравшая в стилистике thrash metal группа, образованная в 1987 году в г. Ред-Бэнк, штат Нью-Джерси. Они выпустили один альбом, “Dreaming with the Dead” (1991), и несколько демо, получивших хорошие отзывы. В состав входили вокалист Скотт Рут, гитарист Шон Келли, басист Дэвид Бицциготти, ударник Брэндон Томас. Позднее к ним присоединился будущий гитарист Morbid Angel Эрик Рутан, впоследствии покинувший состав, чтобы сформировать Hate Eternal. Томас, Рут и Келли впоследствии распустили группу, чтобы образовать Dim Mak. Тексты песен группы основывались преимущественно на хоррор-тематике.

Коллектив позаимствовал свое название* у второй композиции со второго альбома группы Kreator “Pleasure to Kill”».

Скромность же статуса группы объясняется, по-моему, достаточно банально: это довольно типичный для тех лет трэш-состав средней руки (сонмы которых играли по клубам на разогреве у звезд второго эшелона, типа Exodus и Overkill), не привнесший в музыку ничего особо нового и интересного, хотя и продемонстрировавший в целом не присущий тогдашним американским трэшевым составам до некоторой степени инновационный подход к сочинению материала. Если попытаться вкратце определить музыкальный стиль Ripping Corpse с позиции влияний извне, то формулировка примерно такова: Slayer (процентов на 70)/Kreator (процентов на 10) + не слишком причудливые прог-вкрапления в духе Pestilence и, в минимальной степени, Atheist да эпизодические дум-дэтовые замедления в духе Asphyx. Чувствуется, что группа силится продемонстрировать всё, на что она способна технически и композиционно, но если с техникой исполнения у нее более или менее всё в порядке (для ее уровня, естественно), то мелодической убедительности ей зачастую явно недостает. Нет, конечно, ситуация с мелодикой то и дело улучшается, но, увы, не настолько, чтобы считать данный коллектив сколько-нибудь заметно выделяющимся и выдающимся в мелодическом отношении. Действительно же сильной стороной группы можно назвать аутентичность передачи хоррор-посыла, заложенного в текстах, музыкальными средствами: звучит в этом смысле всё довольно атмосферно и убедительно. Характерные для музыки группы частые смены ритма этому только способствуют.

* Труп-потрошитель — Прим. перев.

Damien  24 окт 2011

Наиболее частая претензия к музыкальной продукции под вывеской «Сговор Кавалер» («не дотягивает до уровня Sepultura») мне представляется нелепой изначально. И в самом деле, зачем бы, спрашивается, братьям Кавалера при поддержке Марка Риццо и Джо Дюплантье/Джонни Чоу по прошествии стольких лет пытаться войти в ту же реку и, силясь реанимировать былую популярность в рамках своей прошлой стилистики, создавать заведомо вторичный и по большому счету малоинтересный продукт? Братья, очевидно, пошли другим, куда более правильным путем: они стали играть материал, музыкально ориентированный на кумиров их юности (группы ’80-х, игравшие на стыке хардкора и прото-трэша), причем играть оный с куда более явным и намеренным примитивизмом (но ни в коем случае не архаично!), чем это делает Soulfly — другой, более старый коллектив Кавалеры-старшего, куда входит и Марк Риццо. (Еще одно отличие от Soulfly — полное отсутствие элементов этнической музыки.) И не менее очевидно, что окончательное мнение публики о новообразованном составе должен быть сформировать именно второй альбом, о котором, собственно, и пойдет речь.

Удалось ли музыкантам создать нечто свежее, оригинальное и интересное, не впадая в унылый самоплагиат? Определенно да! Некоторые опасения вышеуказанного свойства, имевшиеся у меня до прослушивания «Травмы от удара тупым предметом», после оного развеялись как дым. Ощутимых самоповторов я не услышал; напротив, явно наличествует элемент новизны — изменился звук (чуть приглушенный по верхам по сравнению с дебютом, но по-прежнему предельно разборчивый и «качевый»; всё тот же сопродюсер и звукоинженер Логан Мейдер (ex-Machine Head) выполнил свою работу практически безукоризненно), чуть изменился стиль — возврат к трэшкоровым корням в современном ключе стал еще более очевидным и прямолинейным, и каждый музыкант по отдельности теперь меньше занят демонстрацией собственного профессионализма, а больше работает на музыкальную идею в целом. Особенно отмечу Марка Риццо — этот гитарист, ранее не вызывавший у меня по большей части ничего, кроме скептически-кривой ухмылки, сегодня поистине творит чудеса: такого обилия берущих за душу, по-настоящему мелодичных, нешаблонных и, что самое главное, предельно уместных соло нет, пожалуй, больше ни на одном альбоме с его участием.

Откровенно проходных песен на альбоме не замечено; меньше других, запоминаются, пожалуй, чрезвычайно эмоциональная, но не слишком выразительная “Lynch Mob” и немного скучновато-предсказуемая “Killing Inside”. Лучшими же композициями, мне кажется, являются мелодичнейшая “I Speak Hate” (фигура речи «изрекаю ненависть» — здесь определенно не пустой звук), ультразабойная “Psychosomatic” и “Electric Funeral” (шикарный скоростной кавер на одну из самых «больных» и леденящих песен Black Sabbath) из числа бонусов и, конечно же, главный хит альбома, просто обязанный быть включенным в новейший сет-лист группы, “Genghis Khan” — сколько раз ни слушаю эту песню, столько раз по коже бегут мурашки (текст, что вообще свойственно лирике Макса, довольно незатейлив: наводивший благоговейный ужас на современников предводитель монгольских племен, завоевавших огромные территории в Азии и Европе, в своих устремлениях руководится, по Максу, преимущественно местью за ущерб, причиненный врагами ему и членам его семьи в его детские и юношеские годы; но вот от прослушивания музыки перед глазами действительно возникает нечто огромное, древнее, хищное и кровожадное). Словом, на этот раз Cavalera Conspiracy действительно заявили о себе во всеуслышанье; превосходная, знаковая работа.

Отдельной похвалы заслуживает стильное, полностью черно-белое оформление с эпизодическими красными «вкраплениями»: издание категории deluxe edition (CD+DVD) выполнено в виде 3-панельного диджипака, посередине которого вклеен буклет с фотографией музыкантов на первой странице.

Damien  24 май 2011

Надпись на стикере на целлофановой упаковке диска гласит:
“The Swedish Viking Death Metal Warriors Are Back!
Witness the pioneers of the genre deliver their most lethal release yet!
Digipack edition features a Bonus Track!
(«Воины шведского викинг-дэт-метала вернулись!
Станьте свидетелями того, как первопроходцы жанра выдают свой самый убойный релиз на сегодняшний день!
Издание в диджипаке содержит бонус-трек!»)

И всё это истинная правда, включая эпитет «самый убойный релиз», если, конечно, под «убойностью» понимать не уровень брутальности (которая, присутствуя на альбоме в различных пропорциях, явно не стоит во главе угла), а та исключительная мелодическая убедительность, которая наряду с несвойственными прежде этой группе разноплановостью и вариативностью музыкального материала и является главным достоинством данной работы. 13 коротких и хлестких песен, ни одна из которых не длится дольше полных 4 минут (включая самую короткую — кавер (и какой!) на «Зловещих мертвецов» Death), невольно вызывают в памяти «черный» альбом Metallica: настолько они разноплановы, содержательны и добротны. (И кстати, если бы та же Metallica достигла в своем новейшем творчестве столь же совершенного баланса скорости, тяжести, ритмики и мелодичности, как это удалось Unleashed, и не перегружала композиции далеко не всегда оправданными с композиционной точки зрения инструментальными вставками, то ее последний альбом звучал бы, думаю, совсем по-другому.) Если же не пытаться как-то систематизировать впечатления от прослушивания и возникающие во время него ассоциации (а иногда этого лучше и не делать), то они, пожалуй, таковы: посвист холодных морозных ветров; ненасытная стихия безжалостного варварского мира; местами потрясающие мрачность и эпичность музыки; предельно выразительные и уместные соляки; абсолютное, не свойственное более ранним работам коллектива ритмическое разнообразие + более взвешенный и сбалансированный, чем ранее, подход к ритмике: пулеметная скорость — уже отнюдь не обязательный компонент; и, что весьма отрадно, редуцировавшееся до исчезающе малых величин сходство с Motörhead (скорее уж напрашиваются параллели со Slayer/Dismember/Hypocrisy (особенно в “So It Begins…”, “Wir Kapitulieren Niemals”, “Master of the Ancient Art”, “Return Fire” и “Dead to Me”), гитарной манерой Iron Maiden (соло в “Chief Einherjar”) и ранними Celtic Frost (тоже, впрочем, крайне незначительные)).
Несколько особняком от остального материала стоят два предпоследних трека: намеренно провокативная, чуждая всякой (в т.ч. ложно понимаемой) толерантности и политкорректности “Yahweh and the Chosen Ones” («Яхве и избранный народ») и “Cannibalistic Epidemic Continues” («Эпидемия каннибализма продолжается» (название взято из лирики дебютного альбома группы Necrophagia (1987)), посвященная дэт-метал-сцене конца ‘80-х — начала ‘90-х, тексты представителей которой открыто бросали вызов христианству и христианским устоям и с которой собственно и начинался дэт-метал в его первозданном, вызывающем, «неокультуренном» обличье.
Композиции-фавориты: “Courage Today, Victory Tomorrow!”, “As Yggdrasil Trembles”, “Wir Kapitulieren Niemals”, “Master of the Ancient Art”, “Chief Einherjar”, “Dead to Me” и “Evil Dead”.
В заключение скажу лишь, что этот альбом заставил меня по-новому взглянуть на творчество этих шведов-ветеранов, что группа, способная выпустить ТАКОЙ релиз по прошествии более чем 20 лет своего существования, заслуживает восхищения и преклонения в полном смысле слова и что «когда сотрясается Древо вселенной» (а именно так переводится название альбома в контексте мифологии древних викингов), чему веришь безоговорочно, то цитата из первой песни (“There is a future beyond, if only we prepare ourselves for what is coming… Courage Today, Victory Tomorrow!” («Будущее за пределами дня сегодняшнего есть, если только мы подготовимся к тому, что грядет… Отвага сегодня — победа завтра!»)), вынесенная на тыльную сторону диджипака, представляется несомненной. Очень хотелось бы наконец увидеть и услышать группу вживую.

Damien  16 авг 2010

В отношении этого альбома я испытывал определенные опасения в том смысле, что того сметающего всё и вся убийственно-жесткого ЭБМ/индастриала, который правил бал на «Искуственном солдате» (“Artificial Soldier”, 2006) и ремиксовом, условно-танцевальном «Побочном продукте» (“Fallout”, 2007), мне больше в прежних количествах слышать как-то не очень хотелось, ибо сей весьма экстремальный стилистический выверт FLA, думается мне, себя уже определенно исчерпал. Жесткость (я бы даже сказал, жестокость) музыкального материала, разумеется, не исчезла полностью (ибо FLA — не Delerium и не Noise Unit), но теперь она, к счастью, отнюдь не поставлена во главу угла, уступив место несколько более мэйнстримовым и доступным для восприятия музыкальным структурам. Вообще, если попытаться сформулировать некое превалирующее настроение альбома, то оно, пожалуй, таково: щемящая тоска, горестная меланхолия, боль от утраты былых прекраснодушных иллюзий под натиском безжалостных (нередко хаотичных и малоуправляемых) реалий современного мира, внезапно переходящие в еле сдерживаемые, а местами и выплескиваемые ярость и агрессию. Это настроение проявляется уже в первой (заглавно-аббревиатурной) композиции, где разрозненные механистичные звуки — зачатки будущей мелодии, плавно нагнетающие атмосферу неизбежности рукотворного апокалипсиса и словно разносящиеся на огромном, по большей части пустынном пространстве — вдруг переходят в умеренно жесткое среднетемповое «качевое» музицирование в духе большинства хитов альбома «Тысячелетие» (“Millennium”, 2004), звучащее, однако, не совсем «по-милленниамовски», а более современно, холодно и отстраненно. Последующие треки, среди которых нет практически ни одного проходного, лишь усиливают заданную в начале атмосферу каждый по-своему (мне больше всего понравились “Angriff” («Нападение», нем.), танцевальная “Hostage” («Заложник»), “Pressure Wave” («Волна давления») и великолепный трагичный медляк “Afterlife” («Загробная жизнь»)). При этом, чего я раньше у FLA не замечал, то здесь, то там слышны (явные или неявные — вопрос открытый) заимствования у других коллективов («Самодельное электронное устройство», по-видимому, приемлет подобные вольности по определению :) ) — “Angriff” звучит слегка как изрядно потяжелевшие Depeche Mode времен “Ultra” (песня “Barrel of a Gun”) с вкраплениями из Rammstein, в “Hostage” слышны отголоски The Prodigy, а “Laws of Deception” («Законы лжи») — в чем-то гибрид FLA, Мэрилина Мэнсона времен “Antichrist Superstar” и всё тех же Rammstein! (То, что “Stupidity” («Глупость») звучит как очередное творение Ministry, отнюдь не парадоксально: Эл Юргенсен ее спродюсировал и отметился на ней как исполнитель.) Всё это, однако, совершенно не воспринимается как недостаток, и общий уровень альбома настолько высок (качество «Сборки на линии фронта», как всегда, безукоризненно), что девятку я ему ставлю с чистой совестью, тем более что содержательное наполнение данной оценки («Как минимум — альбом года») имеет для меня весьма высокую вероятность.

Damien   3 авг 2010

Данная компиляция (альбомы 1995 и 1997 гг., переизданные в 2004 г. лейблом Blackend в виде двухдискового релиза), на которой явно преобладают скандинавские группы (особенно шведские, коих здесь больше половины), интересна, мне кажется, в основном по двум причинам. С одной стороны, она продемонстрировала то, как именно разные коллективы, в большинстве своём относящиеся к несколько более экстремальным жанрам, чем Slayer, подошли к исполнению материала американской трэшевой легенды, а с другой, она даёт множеству современных молодых любителей «тяжеляка» если и не уникальную возможность, то хотя бы благоприятный повод ознакомиться с творчеством групп, многие из которых давно исчезли с горизонта. Можно, конечно, долго рассуждать об уместности присутствия той или иной группы на этом трибьюте, равно как и о причинах отсутствия на нём других (более интересных, именитых и востребованных) составов тех лет — я этого делать не стану. Ибо, как говорится, что сделано, то сделано. Итак, приступим!

CD1:
1. Антихрист
Звучит куда жёстче, чем в оригинале, прописано всё довольно «жирно» и «вкусно», уровень игры музыкантов не вызывает практически никаких нареканий (кроме разве что слегка суховатых и «механистичных» ударных) — да и могло ли быть иначе, учитывая уровень коллектива? — но некоторая отстранённость и холодность исполнения, в целом присущая Dissection и абсолютно органично воспринимаемая в контексте блэк-дэтового творчества шведов, лишает композицию калифорнийских трэшеров толики энергетики, что, однако, в общем контексте «подачи» материала отнюдь не воспринимается как серьёзный недостаток. Оценка: 8.
2. Чёрная магия
Здесь же, наряду с очевидным стилистическим чутьем при явном отсутствии прямого копирования (которое изначально никому не нужно и не интересно), мощь и высочайший профессионализм группы-гранда (состоявшей в то время всего из трёх человек), ярость и моментально узнаваемая «чернушность» «фирменного» гроула Тэгтгрена (впрочем, визжать в нужных местах практически фальцетом, как Арайя, он тоже умеет :) ) и бешеный напор игры музыкантов буквально валят с ног с самого начала, не позволяя в итоге поставить этому, без преувеличения сказать, шедевру экстремальной музыки никакую иную оценку, кроме наивысшей: 10.
3. Криоконсервация
Достаточно (если не более чем) средний уровень, не более; довольно скучно и предсказуемо с первых же секунд. Плюсы: добавлен индивидуальный (в целом присущий экстремальным скандинавским группам того периода) колорит, скриминг неплох. Забавный момент: вокалист ближе к концу трындит дичайшую грязную отсебятину (у Slayer я что-то такого не помню, разве что на концертных записях, да и то не здесь, а на “Necrophiliac”) о благости любви к мёртвым старухам и их гениталиям. Оценка: 4.
4. Поставивший грех себе на службу
Тут ситуация куда как более оптимистичная (а от At The Gates я иного и не ожидал; на мой взгляд, это группа, нисколько не уступающая, к примеру, изрядно переоцененным Entombed): очень высокий «проф» и узнаваемый безумно-истерично-ураганный почерк ATG выгодно дополняют оригинал — довольно, по моему мнению, серенький и малоинтересный изначально. Однозначно один из лучших треков релиза. Оценка: 9.
5. Жертвенный алтарь
Несмотря на несколько монотонный технотрэшевый вокал Якоба Хансена, уровень исполнения в целом просто великолепен, что опять же неудивительно с учетом исключительно высокого профессионально-музыкального статуса этого весьма неортодоксального коллектива. Однозначные 9.
6. Иисус спасает
Технично и в целом неплохо, но чего-то не хватает. Всё-таки, наверно, далеко не каждому коллективу (включая, увы, и Enslaved) дано исполнить кавер такой группы, как Slayer, на самом высоком уровне. Чего-то норвежцы, к сожалению, здесь явно не прочувствовали. По большому счету, ватно и беззубо. При всём моём колоссальном уважении к этой, бесспорно, выдающейся группе (в своём жанре) больше следующей оценки поставить не могу: 6.
7. Душевнобольной преступник
За оригинальность и техничность (относительную, впрочем, и не дополненную особой искромётностью) ставлю 7. (Лучшие деньки сего ВИА под претенциозным названием «Грань здравомыслия», боготворимого, насколько мне известно, многими «дэт-прогрессистами» и поныне, закончились, мне думается, аккурат после выхода их эпохального альбома 1994 г. (после чего Дан Сванё (рычащий и рявкающий, надо сказать, при всём том весьма внушительно — этого не отнять) выпустил некое «багрово-величавое» сорокаминутное однопесенное творение, кое лично я (и не только) до конца смог прослушать только один раз)).
8. Вскрытие трупа
Весьма близко к оригиналу, не без индивидуальности, но как-то слегка бездушно. Играют, впрочем, ребята очень здорово. 7, по большому счёту, заслужили. Очень качественная трактовка а-ля «детский швед». :) (В конец зачем-то вставлена лихая инструментальная эскапада а-ля Sepultura, играющая моторхедовскую “Orgasmatron”, — дань уважения, не иначе.)
9. К югу от рая
Ситуация примерно та же, что и с Enslaved, только хуже: в целом довольно весомо, солидно и внушительно, однако, извините, в плане качества и эмоциональности вокала («бу-бу-бу-бу... бу-бу-бу-бу...», как дьячок-пономарь средней руки) и особенно техники игры впечатления не сказать чтобы благостные — скорее удручающие. По большому счёту, испортили гениальную композицию. 5 за глаза.
10. Принудительное самоубийство
Первоначальное впечатление о «Терновом венце» как о коллективе малосостоятельном в плане техники исполнения (особенно напрягает нарочитое тупо-шаманское, выпадающее из ритма долбилово по тарелке в самом начале) по мере прослушивания удивительным образом сходит на нет: здесь, как и в случаях с Hypocrisy и At the Gates, налицо стопроцентное попадание в точку — шведский дэтовый коллектив, не слишком отходя от собственной предельно злобной и брутальной манеры (особенно хороши лютый харш-вокал и партии баса), абсолютно аутентично передал дух оригинала. Оценка: 9.
11. Пролей кровь
А вот это, пожалуй, настоящий бриллиант данной компиляции, играючи затыкающий за пояс все остальные каверы: малоизвестный и уже давно не существующий датский коллектив (в состав которого, впрочем, входил ныне знаменитый продюсер и звукоинженер Туэ Мадсен (или, на английский манер, Тью Мэдсен)) сделал, казалось бы, невозможное: взглянув на одну из немногих среднетемповых вещей Slayer (со всеми ее многочисленными перепадами темпа и настроения) «со своей колокольни», ребята добились результата, еще более, пожалуй, адекватного, нежели оригинал. Та беспросветная (и разнообразно подаваемая) жуть, что льётся в уши на всем протяжении композиции, шибает по мозгам так, что рука так и тянется включить режим Repeat. Примечательная деталь: во время акустического вступления какой-то истерично-нахрапистый религиозный маньяк взахлёб, чуть ли не рыдая, вещает о том, что «ад есть» и «спасение прямо здесь» (похоже, это фрагмент саундтрека какого-то фильма). Блистательно, другого слова не подберу. «Идя наощупь» (gropin’), музыканты вышли туда, куда дано попасть единицам. Оценка: 10 (если не больше).

CD2:
1. Умри от меча
Ну, тут, как и следовало ожидать, высший класс в дэт-блэковом русле с чугунно-остервенелыми гитарами и экзекуторскими барабанами; темп сознательно слегка замедлен (надо полагать, для того чтобы все «изыски» были максимально различимы). Соло, кстати, сыграны не в слейеровско-шизофреничной манере, а вполне традиционно. Класс! 10, без вопросов.
2. Химическая война
Уникум. От оригинала мало что осталось (можно сказать, практически ничего, кроме текста; ритмика варварски раздербанена и разогнана до пулемётно-сверхзвуковой скорости а-ля Morbid Angel с подожжённым фитилём в пятой точке — успеть, только бы успеть!.. :) ), но слушать эту довольно-таки мастеровитую шквально-ураганно-первобытно-дэтовую долбу весьма и весьма интересно. Пара гулких разрывов химических (а каких же ещё?!) боеприпасов, от которых диффузоры НЧ-динамиков чуть ли не выскакивают наружу в конце трека, достойно довершает общую картину. :) Твёрдая пятёрка (9)!
3. Ад ждёт
Ещё одно подлинное украшение релиза. Ожидаемо «вампирическая» трактовка одной из самых «тёмных» и сатанинских песен Slayer с шикарными партиями клавиш, жужжащими «бензопильно-пилорамными» гитарами, инфернальными звуковыми эффектами то ли взрывов, то ли грозовых разрядов и до боли знакомым «кровохаркающим» вокалом (Сара-Джезебел тоже вроде присутствует в одном фрагменте). Больше тут сказать, пожалуй, нечего: ЭТО надо слышать. (Кстати, 12 лет назад мне довелось услышать это «вживую» на концерте CoF в МДМ на «Фрунзенской» во время первого приезда группы в Россию, когда за барабанами ещё восседал Ник Баркер. Это было здорово.) Одним словом, блестяще, пять с плюсом (10)!
4. Восхваление смерти
Увы, но, по большому счёту, скучно, неинтересно, просто однобоко и тупо. Тупая дэт-долбёжка почти без намёков на оригинальность (хотя «мясо» и «кач», бесспорно, присутствуют в изобилии). Просто удивительно, как замечательная во всех отношениях группа, от собственных творений которой порой просто захватывает дух, может быть такой ходульно-убогой в трактовке чужой композиции. Как минимум, весьма спорно и, как и в случае с Enslaved, жаль, жаль и ещё раз жаль. Оценка: 3.
5. Маньяк-некрофил
Здесь, к счастью, всё куда как более «съедобно», приятственно, и даже, не побоюсь этого слова, интеллигентно (до известного предела, разумеется, учитывая специфику материала): прославленные дэт-британцы в своей характерной манере не слишком стремительно, но предельно «весомо» несущегося локомотива выдают исключительно добротный, техничный и запоминающийся «кач», и, что весьма примечательно, без гроула (с великолепным, чисто британским произношением :) ). Сила! Оценка: 9.
6. Ангел смерти
От практически никому не известной группы с «многообещающим» названием «Лежащие в засаде» я вот этой самой тотальной «засады» и ожидал, и предчувствия, увы, меня не только не обманули, но и превзошли мои ожидания. Ни ума, ни фантазии — одна бессмысленная, абсолютно атехничная брутал-долба с местами откровенно хромающим ритмом (и, похоже, листом кровельной жести вместо рабочего барабана) да крики Адольфа Алоизиевича Шикльгрубера (Гитлер кричит? Да хер с ним, с Гитлером, музыка где, говнюки?!!) Нет, ну ей-Богу, неужели составители данной компиляции не осознавали, что делать кавер на одну из лучших песен Slayer (по мне, так и вовсе наилучшую) нельзя позволять кому ни попадя? Говно полное: 1.
7. Эпидемия
Довольно близко к оригиналу, но тем не менее достаточно свежо и интересно; кавер в дэткоровом ключе. Оценка: 7.
8. Кровавый дождь
С учетом того, что к американо-дэтстерской «Злобной твари» я завсегда дышал и поныне дышу весьма неровно, мне было предельно интересно, что же получится. Получилось зубодробительно! Что, в принципе, вполне предсказуемо. Одна из лучших вещей Slayer наряду, IMHO, с “Angel of Death” и “Post Mortem”, выгодно дополненная чисто дэтовой злобой и кровожадностью. Оценка: 9.
9. Немой вопль
Аналогично предыдущему, только даже лучше! Чистый вокал Вивчарека, надо сказать, нисколько не уступает его гроулу. Весьма самобытно и запредельно технично. Великолепно, отличный повод для меня наконец приобрести всю дискографию именитых польских дэтстеров № 1 (включая миньоны и концертники, of course!). Оценка: 10, однозначно.
10. Читай между лжи
Писать отзыв о работах этого великолепного британского коллектива, во многом сформировавшего мироощущение очень и очень многих меломанов, в большинстве своём не склонных зацикливаться на каком-то одном ответвлении современного рока, — задача всегда невероятно сложная и ответственная, но, как мне кажется, отнюдь не невыполнимая. В данном конкретном случае мы имеем дело с весьма оригинальной интерпретацией одной из песен с альбома “South of Heaven”, которую анафемовцы — честь им и хвала! — не стали тупо копировать, а попытались, не «выхолащивая» изначальную экстремальность заложенного в ней посыла, подать по-своему, не особо ярясь и не скрежеща зубами (настроение при всём том передано полностью). Попытка определённо удалась: 9 баллов ставлю с лёгким сердцем и чистой совестью.
11. Маска из кожи мертвеца
Атмосфера одной из самых жутких и болезненных композиций Slayer (мелодика — просто фантастичекая!), повествующей о «жизненных предпочтениях» американского маньяка-убийцы Эда Гейна средствами шведского дэта тех лет в лице «Безжизненных» передана весьма убедительно: гитарная работа на высоте (о вокале вообще молчу!), барабаны тоже; бас исправно «ухает» в нужных местах. Оценка: 7.
12. Времена в бездне
Одна из абсолютно «знаковых» композиций калифорнийского квартета (на мой взгляд, окончательно доказавшая 20 лет назад абсолютную аутентичность и уместность оного в числе лидеров метал-сцены, продемонстрировав недюжинный композиторский талант и исполнительское мастерство участников коллектива) была выбрана в качестве завершающей релиз, по-видимому, отнюдь неспроста. И «Недовольные» справились с ней просто блестяще, создав совершенно особое настроение, ощущения от которого сравнимы, пожалуй, с просмотром первых двух частей «Восставшего из ада». Оценка: 10.

Общая (усреднённая) оценка: 7.7, которую я с полным правом и превеликим удовольствием округляю в сторону увеличения.

Damien  26 июл 2010

Если здесь и есть ретро-трэш, как говорится в новостной рассылке одного Интернет-магазина, то он практически доверху залит густым хард-/металкоровым соусом в духе Cavalera Conspiracy и Hatebreed и старинных альбомов групп типа G.B.H., Discharge, Cro-Mags, Sacred Reich, Biohazard, Agnostic Front и т.п. В каком-то смысле данный шаг оправдан: наличествует некая свежая струя на фоне предыдущих релизов, вот только качество материала до «топового», увы, не дотягивает, и ощущения, что музыканты пытались привнести в свое творчество что-то принципиально новое, практически не возникает. Прогресса в технике игры Марка Риццо и Джо Нуньеса, явно наблюдавшихся на прошлом супер-альбоме, здесь нет и в помине (типа, «разок напряглись, и ладно»).
Резюме: альбом крепкого среднего «ремесленного» уровня, явно сработанный «под кальку» былых собственных наработок и — местами — кумиров молодости. Больше других понравились такие композиции, как бунтарская “Rise of the Fallen” («Восхождение падших», типичное название для дона Кавалеры!), жутковато-леденящая “Jeffrey Dahmer” («Джеффри Дамер», милейший был человек) и яростная (также абсолютно типичная для Soulfly) “Vulture Culture” («Культура стервятников»).
Лимитированное делюксовое издание содержит 3 бонус-трека: "Four Sticks" (кавер Led Zeppelin), "Refuse/Resist" (ну, тут всё понятно) и "Your Life, My Life" (кавер Excel). Концерт, записанный на бонусном DVD из того же издания, реально хорош; то, что творится на сцене и в зале, с трудом поддается описанию (особенно, как нетрудно догадаться, во время открывающей сет-лист “Blood Fire War Hate” («Кровь, огонь, война, ненависть»). DVD также содержит видеоклип на песню "Unleash" («Спусти с цепи») с предыдущего альбома. Общая оценка (см. ниже) мне представляется вполне объективной и заслуженной. Надеюсь, следующий релиз от этой, бесспорно, замечательной группы порадует больше.

Damien  18 июн 2010

Монументальность, филигранная отточенность, предельные мрачность и ярость музыки и лирики, насквозь пронизывающие новейшую работу классиков калифорнийского трэша, в сочетании с просто безумной техникой исполнения и безупречной работой продюсера/звукоинженера в лице Энди Снипа не позволяют поставить этому альбому никакую другую оценку, кроме наивысшей. Мое следующее утверждение можно оспаривать, но я действительно считаю, что трэш-метал в его наилучшем, максимально аутентичном проявлении в наши дни — «большая четверка», да не совсем та, что принято считать: Slayer, Exodus, Overkill и Testament. Современному трэшу, мне кажется, очень не хватало именно такого релиза (в технико-композиционном плане отчетливо превосходящего даже последние блестящие альбомы Slayer и Overkill), в котором отчетливая «олдскульность» материала, полностью укладывающегося в известные стилистические рамки, выглядит не анахронизмом, а абсолютным достоинством в силу безупречности подачи и колоссального эмоционального воздействия. Слушая “Exhibit B: …”, я постоянно мысленно восклицал: «Вот он, тот практически идеальный трэш-альбом, которого я так ждал в наши дни и уже и не надеялся услышать; вот оно, Незамутненное Совершенство!». Выделять какую-то конкретную песню, по большому счету, бессмысленно: предельно убедительны практически все примерно в равных пропорциях, но больше других впечатлили, пожалуй, "Beyond the Pale", "Hammer and Life", "Downfall", "Nanking" (местами до боли напоминающая слэйеровскую "Spill the Blood"), "Democide" и "Good Riddance". Побольше бы таких альбомов — воскрешая в памяти былое величие стиля, они не только делают его предельно актуальным и сегодня, но и продвигают к новым высотам.
P.S. С нетерпением предвкушаю концерт в «Точке» через 3 недели. Надеюсь, он не обманет ожиданий.

Damien  16 июн 2010

В целом альбом звучит исключительно мощно и убедительно; звук такой, что лупит прямо в душу, — кристально чистый и предельно сбалансированный. Явное замедление темпа в ряде композиций наряду с некоторым отходом от традиционных для группы мелодик-дэтовых песенных структур «а-ля Гётеборг» пошли группе только на пользу, сделав альбом более разнообразным и, я бы даже сказал, в какой-то степени более «взрослым» по сравнению с предыдущими релизами последних лет. О клавишах стоит сказать отдельно: они отныне совсем не «подложка», а абсолютно полноценная компонента мелодических линий. Из композиций больше всего понравились стилистически традиционная для группы, но тем не менее мощнейшая скоростная “The Fatalist” и чувственная, проникновенная и трагичная “The Grandest Accusation” (настоящий триумф DT) с явным влиянием Iron Maiden в гитарном соло — ненавязчивым, но вполне ощутимым. Вызывавшая до прослушивания понятный интерес "Arkhangelsk" как-то не то чтобы не впечатлила, но уж точно не «зажгла» — главным образом из-за какой-то натужно-неуклюжей угрюмой неповоротливости в сочетании с вечной стужей, которые, по-видимому, у авторов напрямую ассоциируются с Россией. Остальные номера, скажем так, по первому впечатлению тоже с ног не валят, но, возможно, я их просто еще не расслушал как следует. Общий вердикт: шедевром назвать трудно, до уровня “Projector”, “Damage Done” и “Fiction” не дотягивает, но однозначно запоминающаяся работа, которую хочется переслушивать снова и снова, открывая с каждым новым прослушиванием для себя что-то новое.
P.S. В «делюксовое» лимитированное издание альбома (роскошно оформленный пухленький диджипак с изумительной полиграфией) входит бонусный DVD со съемками студийных сессий общей продолжительностью около 42 минут.

Damien  20 май 2010