Как знать, может, мы и получили бы американский вариант Сьюзи Сью, если бы у вокалистки и автора лирики goth/deathrock-группы Scarecrow Бет Балусек было больше амбиций. Тем не менее, команда всё-таки оставила заметный и весьма изящный след на обширном deathrock-кладбище. Она выпустила демо, состоящее из трёх песен, однако истинным надгробным памятником можно считать концертную запись 1984 года, сделанную в знаменитом андерграундном нью-йоркском клубе CBGB, который является таким же культовым местом, как и клуб Batcave в Англии. Кроме трёх песен с демо («Concrete Is My Pillow», «Mother's Crawling» и «Blood in My Dreams»), в эту концертную запись вошли ещё композиции «Anteroom», «Laughing Effigy», «Pan Bang» и «Dawn in Flames», поэтому её можно считать полным собранием сочинений Scarecrow. В отличие от своих ближайших «соратников» по нью-йоркской тусовке - группы Of a Mesh, "Пугало" звучало совершенно олдскульно, без каких-либо "вэйвовых" влияний. Тем не менее, все песни поражают лирической оригинальностью, нестандартностью ритмических решений, инфернальными басовыми партиями и довольно сложной структурой с продуманными сменами ритма.

Образы, рождаемые каждой композицией, будоражат воображение. От пронзительности и мрачной красоты «Mother's Crawling» может перехватить дыхание. Начинается она в ритме быстрого вальса. Когда я слышу такой «вальс», то сразу представляю себе сцену из фильма «Интервью с вампиром», когда циничный учительствующий Лестат подхватывает уже гниющий труп матери будущей вампирши-девочки Клодии и бешено мечется с ним в нелепом танце по комнате, где семья кровососов впервые воссоединилась. Не менее захватывающей является душещипательная история, рассказанная в «Concrete Is My Pillow», с очаровательным хроническим непопаданием в нужную ноту, что повествует о поисках бесплотного возлюбленного, которые приводят на кладбище, где подушкой для его рыданий становится могильная бетонная плита. Тему продолжает суицидальная «Blood in My Dreams», в которой сквозит умеренность в правильности сделанного выбора, переданная навязчивыми циклическими басовыми переборами. Менее удачны остальные песни. Однако могу сказать, что ото всех композиций дух захватывает, прежде всего, за счёт скоростного (в целом) темпа. Внезапные замедления добавляют ощущение предельной нервозности и отчаяния. Несколько выбивается из этой тенденции психоделичная «Pan Bang» с переходом от медленного темпа начала песни к бешеной перкуссии в её конце.

Отдельных слов заслуживают вокальные партии Бет. Вероятно, если попробовать спеть в тот момент, когда комок подступает к горлу, а глаза уже полны слёз, но рыдания пока что не принесли облегчения — вот тогда, возможно, получится голос, которым поёт Бет. В нём чувствуется искренность и нет даже намёка на театральность. Вероятно, на том выступлении в январе далёкого 1984 года Балусек выплакала свои страдания и тем самым излечилась, поэтому и группа Scarecrow перестала существовать за ненадобностью. В дальнейшем Бет сделала литературную карьеру, а другие участники коллектива реализовали себя в других проектах и околомузыкальном бизнесе.

Demon Hunter  13 фев 2012

Кайлесса переломная: в трещине между мирами...

Начиная с 2009 года, Kylesa заиграли психоделическую музыку нового поколения, выпустив свой переломный альбом «Static Tension». Гармоничная смесь современного sludgecore/crustcore-звучания с мелодикой Black Sabbath и архаичными инструментальными эффектами принесла группе небывалый успех среди поклонников авангардной музыки. Ей удалось найти своё уникальное звучание, сильно отличающееся как от Baroness и Black Tusk, так и от их знаменитых соотечественников Mastodon.

Музыка на «Static Tension» ещё сохранила экстремальную агрессивность звучания, однако сама структура треков перестала быть хаотичной и очень похожа на таковую в психоделическом роке. Особое внимание теперь уделяется вступлениям - «проводникам в иную реальность», которые теперь являются полноценной частью композиций. Партии разных инструментов накатываются постепенно, волна за волной, а не рушатся на слушателя единым шквалом. Особенно хорошо получилась в этом плане «Running Red». Она начинается со звуков «старинных» клавиш, исполняющих несколько раз одну и ту же музыкальную фразу, наподобие того, как это сделано в знаменитой «Cantara» на цимбалах у Dead Can Dance. Такая музыкальная персеверация способствует непроизвольному, навязчивому и цикличному всплыванию образов, и сознание тормозится до полной остановки. Далее с шумом и свистом открывается дверь, ведущая в холодный подземный мир, где вас окружит гладь чёрной воды, а неподалёку будут гореть красные угли, от которых нет тепла. Низкий и отстранённый женский голос встречает вас в этом мире духов, которые начинают свой танец под звуки барабанов, переплетенные с яркими и чёткими гитарными риффами. Не менее захватывающие путешествия ждут вас при прослушивании и других композиций. Лично мне, кроме «Running Red», особенно понравилась «Only One» с нарастанием темпа и и тревожная «Scapegoat».

Подчеркну, что на этом альбоме все те «фишки», которые так или иначе уже были использованы в на предыдущих альбомах, представлены в более выигрышном свете. Во-первых, стоит упомянуть женский вокал. Талантливая вокалистка и гитаристка Лаура Плизанс раньше лишь яростно кричала, как и её коллеги-мужчины. Однако только на этом альбоме Лаура запела, проявив в полной мере свои колдовские чары. Могу сказать, что такая манера подачи не характерна для олдскульной психоделики, когда вокалистки скорее жеманно посмеивались и мяукали, нежели пели. Лаура владеет голосом низкого тембра, в котором слышится некоторая усталость и предельная отстранённость. Не случайно вспоминаются Dead Can Dance, так как низкий вокал Лауры немного напоминает мне пение Лизы Джерард на дебютном альбоме, когда её группа ещё исполняла пост-панк.

Во-вторых, необходимо отметить работу продюсера, вокалиста и гитариста группы Филлипа Коупа. Он является кудесником всевозможных эффектов, и не только гитарных. Одним из главных его достоинств является владение техникой игры на самом первом электрическом инструменте - терменвоксе. Именно этим инструментом можно создать всевозможные свистящие и эхообразные шумы, подражая тем самым движениям мира духов. Терменвокс напоминает деревянную коробочку на подставке с двумя антеннами, вокруг которых создаётся электромагнитное поле. Для того, чтобы инструмент зазвучал, нужно войти рукой в это поле, отчего возникнет достаточно резкий шум, который может варьировать по высоте и напряжённости, повинуясь движениям руки. И на более ранних альбомах Филлип использовал терменвокс, но альбоме «Static Tension» ему отведена совершенно особая роль создания неповторимого фона практически во всех композициях. Наиболее ярко он звучит в «Nature's Predators», где его звук переносит вас в пропитанный влажностью лес, заставляет лежать неподвижно, словно оплетёнными корнями деревьев, и кожей ощущать гниение уже давно опавшей листвы.

В-третьих, в группе два ударника. На предыдущем альбоме это действительно практически не чувствовалось. Разве что партии ударных поражали скоростью и предельным напором. Теперь очевидно, что использование второй барабанной установки придаёт музыке Kylesa изрядный налёт экзотичности. В отличие от первой, с традиционной для metal или core групп бас-бочкой, вторая установка состоит из нескольких барабанов среднего или мелкого размера. Звучание её похоже на этническую перкуссию, которая могла бы сопровождать пейот-церемонию где-нибудь в мексиканской деревушке.

Итог. Если вы ищите Союзника или Проводника в мир бесплотных духов, то включите «Static Tension», замрите неподвижно, и он не заставит себя долго ждать...

Demon Hunter   6 фев 2012

Лишь благодаря какому-то чуду эта реликтовая группа продолжает периодически выпускать альбомы вопреки обстоятельствам. Бобби Либлинг — главный идейный вдохновитель коллектива и обладатель, на мой взгляд, одного из самых завораживающих и потусторонних голосов — выжил после передозировки наркотиков, побывал в тюрьме, и тем не менее его детище Pentagram после семилетнего перерыва выпускает альбом под названием «Last Rites», который, без сомнения, получился удачным, разнообразным и очень целостным одновременно. Главное же лично для меня то, что при его прослушивании возникает чувство экзальтированного трепета, сходное, вероятно, с тем, что испытал бы археолог, если бы ему в современном мегаполисе встретился живой неандерталец. Группе, выдавшей настолько архаичный саунд, что просто не верится, что слушаешь альбом 2011 года, наконец-то удалось сделать то, о чём всегда мечтал Бобби Либлинг, а именно добиться звука, похожего одновременно на Black Sabbath и Blue Cheers. Снова вернувшийся Виктор Гриффин использует т. н. buzzing-bluesy («жужжаще-блюзовое») гитарное звучание Black Sabbath, а риффовая структура и ритмическая основа очень напоминает психоделический блюз- и хард- рок в русле Blue Cheers. Звук несколько приглушается в те моменты, когда звучит голос Бобби — что более характерно для рок-, нежели для метал-групп. Можно сказать — и это весьма отрадно, — что альбом состоит из Песен с большой буквы (даже язык не поворачивается назвать их треками на современный манер). Именно поэтому слушатель может без труда оценить красоту рифмы и проникнуться философско-религиозными представлениями автора.

Как это ни парадоксально, но ранние работы Pentagram слушаются даже более современно, чем их последние два альбома. Вероятно, потому, что в семидесятые и восьмидесятые годы группа отчаянно пыталась конкурировать с Judas Priest, вследствие чего тогдашний ее состав пытался играть переживавший в то время расцвет хэви-метал. Но для этого группе элементарно не хватало скорости и мощи, и в 1975 году лейбл-мэйджор CBS заключил контракт не с Pentagram, а с вышеупомянутыми Judas Priest. Однако позднее коллектив обрел-таки своё оригинальное звучание, в дальнейшем названное дум-металом и подхваченное многими более молодыми составами. Опять же парадоксально, но Pentargam образца 2011 года на фоне всеобщего увлечения музыкальной археологией в русле психоделического рока и стоунера звучат даже актуальнее своих былых конкурентов Judas Priest. И если более современные группы, играющие подобную музыку, напоминают мне нацепивших маски индейцев на маскараде (пусть даже очень реалистичные), то Pentagram действительно смотрится как чудом сохранившийся где-то высоко в горах настоящий шаман-краснокожий. Ассоциации с коренными жителями Америки возникли у меня не случайно. Pentagram — американцы, и, вероятно, поэтому в их музыке есть что-то неуловимо похожее на The Doors (лидер которых, Джим Моррисон, находился, как известно, под сильнейшим влиянием индейской культуры и верований), как, например, песня «Horseman» или «Into the Ground». Но мои личные фавориты — наиболее блюзовая на альбоме «Threat Me Right» и «прогрессивная» «Call the Man». Есть здесь и совершеннейший бриллиант: это "Walk in Blue Light" — безупречный психоделический трип, способный на некоторое время парализовать абсолютно все нервные клетки и заполнить их исключительно позитивным (!) содержимым. "Walk in Blue Light" начинается с постепенно нарастающего по громкости гудения гитары, которое как будто фокусирует сознание на одной-единственной точке. Далее резкое, но мягкое вступление ударных, выливающееся в длинный шлейф трепещущих тарелок, позволяет вниманию выйти за пределы сознания в иную реальность. Ну а там вас ждёт идеальный баланс басовых партий и партий соло-гитары, плавно подхватывающих друг друга, и великолепные точечные барабанные дроби.

P.S. Рецензию мне хотелось закончить «психоделично», поэтому она так внезапно обрывается, не имея концовки, как битловская «I Want You (She's So Heavy)».

Demon Hunter  19 янв 2012

Какой музыкальный стиль сразу приходит на ум, когда речь заходит о нацизме на североамериканском континенте? Я сразу вспоминаю клубный концерт какой-то хардкор-панк группы, где происходит тусовка неонацистской группировки в фильме «American Hystory X». Однако американцы Arghoslent постарались разрушить подобный стереотип. Вернее, группа предлагает музыку не для ведомых «низов», которые выкрикивают подсунутые им лозунги, а музыку, которая бы подошла «интеллектуальной элите» тех самых неонацистов — тем, кто подводит под идеологию научную и культурную базу. Соответственно, в оформлении обложек появляются произведения искусства, а в текстах - «исторические и научные свидетельства» превосходства одних людей над другими.

Тем не менее, группа не захотела порвать с экстремальностью, и, в качестве основы своей музыки, взяла ритмический каркас дэт-трэша старой школы, местами даже напоминающего блэк. Однако, вся мелодика совершенно не дэтовая: диссонантного звучания вы тут не найдёте. Зато вдоволь наслушаетесь правильных разрешений хэви-метал риффов и гитарных тремоло. Могу сказать, что на мой слух подобная мелодика ложится великолепно; с этой точки зрения мне особенно понравились инструментальная «Incorrigible Bigotry». С такой правильностью риффов было частично покончено на следующем полноформатнике, вышедшем спустя семь лет, за счёт чего он слушается гораздо оригинальней данного. Кроме того, музыке не хватает не только оригинальности, но и масштабности, чтобы претендовать на элитарность. Многие соло-партии совершенно скомканы, вставлены в музыкальное полотно совершенно не к месту (особенно неприятно режет слух болезненно-истерическое соло в самом начале «Flogging the Cargo»). Часто можно услышать, как удачные риффовые переливы словно сыграны второпях, либо даже неумелыми руками. В музыке нет даже намёка на заразительную эмоциональность: нет ни уверенности в собственной правоте, ни зашкаливающей фанатичной преданности идеалам. Возможно, если бы темп был несколько медленнее, или хотя бы периодически встречались замедления для придания солидности, то проблема могла бы быть решена. А так альбом слушается, скорее, как сопровождение сцены бегства кучки поверженных демонстрантов, нежели заседания партийных идеологов...

Demon Hunter   5 янв 2012

В интервью для одного достаточно известного альтернативного Интернет-издания гитарист Vildhjarta Калле Томер рассказал, что в основу концепции дебютного альбома группы была положена проблема глобализации, при которой на смену яркой национальной индивидуальности разных стран приходит обезличенный мультинациональный мир (российскую молодежь, думаю, данная проблема если и интересует, то лишь постольку поскольку). При этом, однако, посмотрев на обложку, можно подумать, что ребята просто увлеклись жанром фэнтези. Но если всё же почитать довольно сложные тексты, возникает ощущение, что написавший их обессилен, потерян и абсолютно не уверен в своём будущем из-за утраты ценностных ориентиров. Даже название одной из инструментальных композиций, в переводе со шведского означающее «Демонстрация национального гимна» («Måsstadens Nationalsång»), свидетельствует о тоске по национальной аутентичности. И вот эта информация помогла мне, наконец, понять идею изображенного на обложке — это бегство. Звери, населяющие странный причудливый лес, схватив то, что им дорого, вынуждены покинуть привычные жилища, уйдя с насиженных мест в неизведанное, потому что их комфортный уютный мирок вскоре будет разрушен.

Касательно музыки можно отметить, что группа пошла по пути максимальной многослойности гитарного полотна. В группе три гитариста, каждый выполняет свою собственную, совершенно особую роль, и гитарные партии не сливаются, а чётко разграничены. Первый слой — это фоновые переборы восьмиструнной ambient-гитары Джимми Окерстрёма, как раз и создающие неповторимую атмосферу сказочного леса. Второй, за который отвечает Калле Томер, — это ритмические, базовые риффы, контрастирующие с эмбиентным звучанием (в группе этот основной гитарный слой принято называть партиями thall-гитары). Даниэль Бергстрём играет соло-партии. Мелодика этих партий «разодрана» в очень широком звуковом диапазоне и может быть даже воспринята как полифония. Такая «разорванность» добавляет музыке тревожности и эмоциональной пронзительности, особенно в песне «When No One Walks With You». Возможно, такая многослойность может показаться избыточной, а музыка — слишком «замороченной», однако лично мне достаточно комфортно блуждать в этом многоярусном пространстве, время от времени спотыкаясь о торчащие из земли корни в виде точечных бластбитовых вставок либо застревая в вязком болотце дэтовых бас-бочек.

Не могу не спеть дифирамбы великолепным электронным эмбиентным вступлениям и вставкам! Они получились очень красивыми и оригинальными. Особенно меня впечатлило подобное интро в «Benblåst», где оно рисует в моём воображении звуки, издаваемые экзотическими животными, и даже технологические шумы некоей затерянной цивилизации. А ещё мне понравилось длинное, навевающее грусть вступление «The Lone Deranger», резко прерываемое партией гроула.

В группе два вокалиста, оба в основном гроулят. И хочу сказать, что то, как здесь сделаны партии вокала, на мой взгляд, идеально для джентовых релизов. Вокалисты поют так, будто читают рэп и, попеременно ведя диалог или даже перебивая друг друга, дублируют ритмическую структуру thall-гитары — опять получается наслоение партий! Лишь в «Traces» один из вокалистов поёт чистым голосом, что неудивительно, потому что это, пожалуй, самая сильная в плане смысловой нагрузки песня, посвященная потере личностной идентичности в русле «я никто, и обо мне даже никто не вспомнит, если я исчезну; мои следы навсегда будут потеряны».

Подытоживая, выскажу следующую мысль. Музыка воспринимается как своего рода мельтешение кадров, плохо связанных между собой. С одной стороны, это может быть расценено как вполне изживаемый недостаток дебютника, когда музыканты легко выдают разнообразные риффы или оригинальные соляки, плохо компонуемые в целостные номера. Однако конкретно в этом случае такое отсутствие целостности может считаться следованием избранной концепции всесторонней деградации, приводящей к безумию. Кстати, название второй инструментальной композиции, «Nojja», переводится со шведского как «безумие». Лично я именно в таком ключе воспринимаю этот, несомненно, интереснейший релиз, поэтому и оценка моя достаточно высока.

Demon Hunter  27 дек 2011

«You can shove the sins of the your father where no light may pass
and kiss my Scandinavian ass!» («Можете засунуть грехи ваших отцов туда, куда не проникает никакой свет, и поцеловать мою скандинавскую задницу!»). Вот такие «тёплые» слова потомки викингов — ребята из Tyr — адресовали всем христианским наместникам, веками пытающимся загнать это свободолюбивое племя в лоно церкви. Надо отдать группе должное - сей искренний посыл облечён в великолепную музыкальную форму. Скажу сразу, что я очень ценю стилистически выдержанные альбомы, которым присуща целостность музыкального материала, а не релизы, слушающиеся, как попурри из, зачастую, далеко не лучших образцов всевозможных жанров. Кроме того, музыканты Tyr вызывают уважение тем, что благодаря собственному мастерству и эмоциональному запалу выдали на своей новой пластинке «The Lay of Thrym» наряду с великолепными мелодиями очень мощную, основательную и разнообразную гитарную работу. Безусловно, согласно довольно распространенному представлению, весьма круто привлечь для записи альбома симфонический оркестр, разномастных мастеров игры на сравнительно экзотичных инструментах, да еще и орды сессионных вокалистов. Однако лично у меня вызывает куда большее уважение умение той или иной группы обходиться собственными силами и при этом достигать такого результата, при прослушивании которого создаётся впечатление, что была задействована уйма сторонних музыкантов.

Tyr уже на предыдущем альбоме нащупали тот путь, который привёл к появлению в этом году совершенного во всех смыслах пауэр-фолк-металлического релиза, где найти хоть одну проходную песню невозможно, даже отнесясь к сему творению с большим пристрастием. Альбом получился в таком ключе, за который ценятся лучшие образцы жанра power metal — напористо скоростным, утяжелённым за счёт включения элементов heavy metal и невероятно хитовым. Сказать просто «хитовым» — значит в данном случае не сказать ничего. Абсолютно ВСЕ песни имеют собственную уникальную мелодику, а такие, как «Shadow of Swastika», «Take Your Tyrant» и «Hall of Freedom» иначе, как мелодически гениальными, и не назовёшь — от них просто невозможно оторваться. Не менее хороша баллада «Evening Star» с ее великолепной, «парящей» за счёт эхоподобной модуляции звука сольной гитарной партией. Работа, проделанная на альбоме гитаристом Терьи Скибенесом, не может не восхитить. Его «прогрессивная» манера игры, в том числе свободное использование модулирующих гитарных эффектов (что характерно для прог-рока), была и остаётся изюминкой Tyr. Отмечу, что фарерцы не используют акустику, однако фронтмен/гитарист Хери Йоэнсен с успехом восполняет отсутствие подобных инструментальных партий переборами на своей семиструнной "Ibanez" (как, например, на «Evening Star»).

Специфическим украшением музыки Tyr всегда являлись традиционные фольклорные гимны викингов Фарерских островов (откуда, собственно, родом музыканты). Эти гимны тоже никуда не делись, оставшись ещё одной визитной карточкой группы. Нельзя не упомянуть величественную «Konning Hans» на датском языке. Это же надо было умудриться так сыграть дуэтом на электрогитарах, чтобы создавалось впечатление того, что играют несколько арф, или даже мерещились органные проигрыши, словно находишься внутри просторного кафедрального собора!

Собственно говоря, фольклорная мелодика пронизывает все песни Tyr. Известно, что музыканты в своём творчестве хотят сохранить традицию хорового пения фарерских викингов. И они это делают! В группе поют все. В припевах неизменно слышен обладающий самым высоким тембром голос харизматичного басиста Гуннара Х. Томсена. Да и остальные участники коллектива вокалируют с такой самоотдачей, что кажется, будто для записи альбома приглашен какой-нибудь местный фольклорный ансамбль.

В заключение упомяну, что Tyr на этом альбоме радуют слушателей кавер-версиями «I» Black Sabbath, и «Stargazer» Rainbow (отдельной похвалы заслуживает работа ударника Кари Стреймоя, манера игры которого действительно напоминает Кози Пауэлла). Каверы получились более скоростными и утяжелёнными, чем оригиналы, и звучат очень современно.

Demon Hunter  16 дек 2011

Стремительный взлёт карьеры Тосина Абаси достоин восхищения... ну и толики белой зависти. К своим 28 годам этот незаурядный музыкант получил признание как гитарист-виртуоз из уст самого Стива Вая и смог пройти курс обучения в Atlanta Insitute of Music. После ухода из Reflux он создал собственную группу Animals as Leaders и привлёк к работе над её дебютным альбомом талантливого гитариста и звукоинженера Мишу Мансура (Periphery). С музыкантами данного коллектива он имеет возможность колесить по всему миру, и, благодаря раскрученности посредством Интернета, группа всюду пользуется безоговорочным успехом.

И действительно, прослушав новый альбом Animals As Leaders «Weightless», можно с большой долей уверенности предположить, что его создатели окружены всеобщей поддержкой и одобрением и нежатся в лучах славы как признанные лидеры нео-прог-метала — настолько музыка гармонична и наполнена позитивной атмосферой. По крайней мере, я легко подпала под очарование космических и сюрреалистических пейзажей, навеянных треками с «Weightless». Думаю, что Тосину Абаси удалось в своём творчестве в рамках Animals As Leaders успешно выйти за рамки традиционной раскладки инструментальных партитур, где партии баса, гитар, клавиш и ударных занимают строго отведённые им места. Абаси пробует смести все границы, смешать инструментальные партии так, чтобы было практически невозможно отделить одну от другой. И главным средством достижения этой цели на втором альбоме является смещение акцента с традиционных для джента "мешуггообразных" риффов на полиритмические проигрыши, для которых используется восьмиструнная гитара без головки грифа. Звучание такой гитары, напоминающее глуховатое флажолетное, настолько гармонично сливается с электронными сэмплами, что без внимательного слежения за игрой музыканта отличить одно от другого на слух довольно сложно. Использование восьми струн позволяет словно слить воедино басовую и соло-гитарную партии. Альбом начинается с подобного полиритмического перебора на «An Infinite Regress», после чего темп постепенно ускоряется, словно кто-то начинает принудительно двигать пальцем стрелки часов, чтобы они шли как можно быстрее. Далее к гитаре присоединяется шумовой электронный сэмпл, дублирующий указанный перебор и усиливающий ощущение нарастания хода времени.

Если предыдущий альбом воспринимался как традиционный инструментальный прог-метал, то «Weightless» лично для меня является прекрасной фоновой музыкой, уместной практически в любой ситуации. Дело, видимо, в том, что звучание этого релиза напоминает мне и спейс-рок с его технологическими электронными эффектами и басовыми партиями, имитирующими клокотание двигателей межзвёздных кораблей. Во всяком случае, «запуск ракеты» в «Earth Departure» получился более чем убедительным и, судя по всему, успешным, так как в конце мы слышим мажорные риффы на фоне радостного биения человеческого сердца: этап взлёта успешно пройден! Кроме того, не могу отделаться от ощущения, что электронные семплы имеют много общего с электроникой в русле progressive psytrance (особенно "трансовой" мне показалась «Cylindrical Sea»). Однако, стоит отметить, что и традиционный высококлассный тяжёлый риффинг, которому на сегодняшний день научились уже многие джент-гитаристы, никуда не делся: послушайте хотя бы «Do Not Go Gently» или инфразвуковое гудение «New Eden».

Полагаю, что подобная музыка понравится тем, кто слушает все вышеперечисленные направления в музыке. Она не столько акцентирует на себе внимание, сколько, если можно так выразиться, растворяет в себе. Лично на меня она оказывает релаксирующее действие и помогает обрести внутреннюю гармонию. Неудивительно, что вокруг такой музыки уже формируется субкультура под названием "djent hypes".

Demon Hunter   2 дек 2011

Факт очевиден: эта группа уже с первого альбома умела создавать музыку, способную надолго засесть в голове. Каждый рифф, сэмпл и мелодия очищены от всего лишнего, несколько гипертрофированны и служат для как можно более эффектного привлечения внимания к суховато-минималистичному музыкально-текстовому «посланию», заложенному в каждой конкретной композиции. Вероятно, именно поэтому электроника в музыке Rammstein так никогда и не заняла главенствующую роль; и если уж вы хотите послушать что-то раммштайнообразное, но более «электронное», то, скорее всего, придёте к творчеству Unheilig и иже с ними. На первом альбоме Rammstein почти нет даже красивых партий соло-гитары, таких как, например, в “Mutter”; даже они здесь не отвлекают слушателя от адресованных ему «стержневых» посылов, выраженных, по большей части, в виде чеканных вокально-ритмических структур, нередко напоминающих маршевые речитативы с изрядным привкусом танцевальности.

Однако на что же потенциальный слушатель непременно обращает внимание в первую очередь? Разумеется, на то, что в случае данного релиза поначалу вызывает некоторое недоумение. Впервые взглянув на обложку рецензируемого дебютника, я подумала, что она мне напоминает несколько вульгарную открытку «С 8-м марта», где на фоне здоровенной не то герберы, не то ромашки красуются шесть полуголых мужиков довольно смазливой наружности и умеренно-атлетического телосложения. Как раз такую можно подарить не слишком утончённой, но всё же не лишённой чувства юмора подруге, недавно расставшейся с бойфрендом, и при этом «с пониманием» произнести: «Ну что ты, неужто на нём свет клином сошёлся? Не грусти, вот тебе сразу целых шесть». Да и заглавная песня «Herzeleid» придётся вполне к месту — этакий гимн «любви и верности», гласящий: “Bewahret einander vor der Zweisamkeit” («Берегите друг друга от одиночества вдвоем»). Подобные слова можно повторять за Тиллем много раз, а про себя думать: «Все мужики — сволочи!». Но не всё, похоже, настолько просто и одномерно — по некотором размышлении возникает мысль: а может, это аллегория иного рода? Типа, вот мы тут такие голые, незащищённые, всех себя наизнанку выворачиваем, ничего от вас, дорогие слушатели, не скрываем? И вот такая трактовка после ознакомления с текстами, пожалуй, больше похожа на правду. И, кстати, образ изображенного на обложке цветка, наряду с участниками группы в том же обличье а-ля мужской стриптиз весьма удачно обыгрывается в самом первом клипе, снятом на песню “Du riechst so gut”, речь о которой пойдет ниже.

Так или иначе, на альбоме много песен о так называемой «болезни любви»: “Wollt Ihr das Bett in Flammen sehen” («Хотите увидеть постель в огне?»), “Weisses Fleisch” («Белая плоть»), “Du riechst so gut” («Ты так хорошо пахнешь»), “Das alte Leid” («Старая обида»), “Heirate mich” («Выходи за меня») и “Herzeleid” («Сердечная мука»). К другой категории относятся номера, которые я бы назвала «мальчуковыми», в которых обыгрываются темы «игр для настоящих мужчин»: “Der Meister»” («Господин») — про покорение и принуждение, “Asche zu Asche” («Прах к праху») — про войну, “Seemann” («Моряк») — про морскую романтику, “Laichzeit” («Нерест»; одна из лучших, на мой взгляд, композиций альбома) — мощнейший выброс тестостерона в образе «молоки» как символа постоянной жажды к оплодотворению. Стоящая несколько особняком «итоговая точка» — песня “Rammstein”, текст которой основан на реальных событиях, — с ужасающе-шокирующим и, одновременно, каким-то жутковато-притягательным натурализмом рассказывает о том, что произошло в конце 80-х годов прошлого века на базе ВВС США в западногерманском местечке Рамштайн (с одним «м»*), когда во время показательных полетов в небе столкнулись два истребителя-бомбардировщика, горящие обломки которых рухнули на толпу зрителей, в результате чего около 70 человек сгорели заживо. Подытоживая, отмечу, что даже при беглом ознакомлении с текстами песен совершенно ясно одно: герр Линдеманн является признанным мастером слова, умеющим, в частности, вывернуть наизнанку всю подспудную извращенность и болезненность человеческой натуры.

В целом, музыкальный материал, представленный на альбоме, находится на весьма высоком уровне и демонстрирует должное разнообразие: песни, довольно сильно отличающиеся одна от другой в музыкальном плане, обладают сугубо индивидуальной аурой и невольно заставляют сопереживать. Хотя вот медленно-гимновая “Seemann” с проникновенной партией бас-гитары в начале и конце мне, как ни странно, не слишком понравилась.

Итог: альбом-заявка, в свое время претендовавший на завоевание умов и сердец, как минимум, немецкоязычной аудитории. И завоевание, как всем нам хорошо известно, успешно состоялось, причем в гораздо более широких масштабах.

* Название же самой группы (с двумя «м»), по утверждению ее участников, на берлинском диалекте означает каменный надолб, какими выкладывают ограждения на автостоянках.

Demon Hunter   7 ноя 2011

Каков же рецепт альбома, который слушается целостно, когда не возникает желания проскочить трэк, даже не дослушав его до конца? Думается, что очень важно при режиссуре партий разных инструментов соблюсти баланс их звучания. Сделать так, чтобы разные партии поддерживали, а не противоречили друг другу, филигранно проработать переходы между сменами ритма. Собственно, единственный альбом «Dreaming With The Dead» группы Ripping Corpse полностью соответствует этому критерию. Риффинг идеально спаян с ударными, гитарные соло часто дублируют риффовую структуру, выразительный гроул вокалиста не ретушируется инструменталом, а, напротив, вся инструментальная мощь формирует прочный жёлоб, по которому беспрепятственно сбрасываются слова ненависти.

Совершенно соглашусь с тем мнением, что музыканты выдали порцию достаточно «продвинутого» для того времени дэта. Диссонантный, ползающий по коротким интервалам, дэтовый риффинг. Очень мало привычного для меня «кача», который так характерен для европейской школы данного жанра. Хотя, конечно же, без некоторой доли трэшевого ритма не обошлось, как, например, в заглавной «Dreaming With The Dead». Трэк «Thougth the Skin» заставляет вспомнить и о параллельно развивающемся блэке, а тягучие, медленные риффы «Rift Hate» несколько напоминают думовые. Подобные медленные вставки особенно хороши тогда, когда задействован бэк-вокальный «хор мертвецов», оттеняющий основную вокальную партию.

Особо хочется отметить работу ударника. Несомненно, послушав альбом, нельзя не признать, что двойные бочки звучат очень убедительно, однако, не меньшее уважение вызывают весьма сложные «прогрессивные» сбивки в удачно отведенных для них паузах. Особенностью звучания барабанов является их предельная выхолощенность и сухость, словно неистово бьются о гробовые доски старые кости, обмотанные в лохмотья.

Итог: альбом можно признать одним из удачных релизов 1991 года. Видимо, ребята выложились по полной программе, не оставив на будущее ни одной идеи, которую можно было бы развить в рамках этой группы.

Demon Hunter  23 окт 2011

В 2011 году Dream Theater докрутили очередной виток своего развития, и пружина под названием «A Dramatic Turn of Events» уверенно выпрямилась, сняв напряжение с хоть и сравнительно немногочисленной, но очень преданной категории поклонников прогрессивного метала. Можно сказать, что Dream Theater вернулись к более простой ритмической структуре — наподобие той, которую чаще всего используют пауэр-метал-группы. Заигрывания с галопирующим трэшем, ню-металом, а также около-симфо-блэк-металлической мелодикой, которыми изобиловали два предпоследних альбома, остались в прошлом. Более того, группа решила отказаться даже от горячо любимых ею периодических вкраплений Rush-образного прог-рока. Да, можно сказать, случилось то, чего хотели те поклонники группы, которые жаждали возвращения времен «Images and Words». Теперь уже никто не скажет, что Dream Theater звучат похоже на Metallica, Rush, Dimmu Borgir или Opeth.

Однако, группа понимала, что не может позволить себе вернуться, просто записав второй «Images and Words»; иначе какой это будет прогрессивный метал, если его «прогрессивные» поклонники не почувствуют хоть какого-нибудь прогресса? И прогресс, несомненно, есть. Вернее, могу сказать, что все музыканты постарались, чтобы слушатели поняли, что это именно обновленный Dream Theater, нашедший свое современное звучание.

Во-первых, гитаристы совершенно свободно смешивают современную манеру игры джент-музыкантов — низкочастотное гитарное «жужжание» — и традиционное для старого доброго хэви тремоло-завывание (как, например, в «Build Me Up, Break Me Down»). Собственно, группа стала использовать подобные гитарные эксперименты начиная с «Octavarium», например, в лаконичной «Panic Attack», но на двух предпоследних альбомах явного акцента на них не было.

Во-вторых, композиции наполнены электронно-вэйвовым фоном. Конечно, Dream Theater использовали электронику и раньше, но теперь это не просто скромные вступления, а целые музыкальные «реконструкции замыслов», воспринимаемые как вполне законченные пейзажные полотна. Мне очень понравилось, в частности, воссоздание этакой «шаманской пещеры» в «Bridges in the Sky». И, разумеется, невозможно не упомянуть первоклассные клавишные партии Рудесса, являющиеся неотъемлемой частью звучания Dream Theater. Как всегда, это либо классические пассажи в русле Шуберта или Скрябина конца XIX или начала XX века, как, например, в «Lost Not Foggotten», либо арт-роковые органные проигрыши в стиле ELP, как, например, в пауэр-металлическом боевике «Breaking All Illusions».

Из недостатков альбома упомяну его чрезмерную перегруженность балладами. Их здесь целых три: «This Is the Life», «Far from Heaven», «Beneath the Surface». На мой взгляд, хватило бы и одной, а так создается ощущение чрезмерной затянутости и даже некоторой банальности материала. Собственно, из-за них считаю возможным снизить оценку этому, несомненно, в целом очень удачному релизу.

P.S. Я думаю, что понятно, почему «On the Backs of Angels» была выбрана в качестве сингла. Лирика этой композиции посвящена, вероятно, тому непростому состоянию, в котором оказалась группа, расставшись со своим харизматичным ударником: «Selfless are the righteous. Burden me, lead me like a lamb to the slaughter...». Однако, на мой вкус, она является далеко не самой интересной в музыкальном плане.

Demon Hunter  10 окт 2011

Чего можно было ожидать от альбома под названием «Heritage» («Наследие»)? Ну, конечно же, постоянных реминисценций прошлого, досконального воссоздания звучания и музыкальных тенденций избранного музыкантами любимого временного отрезка. С чем, собственно, на «отлично» и справился Микаэль Окерфельдт! Мне очень хорошо понятно его желание окунуться в музыку семидесятых, так как я тоже легко очаровываюсь невероятно многогранным, красочным и поразительно «живым» звучанием того периода. С тех пор прошло всего каких-то три-четыре десятка лет, и на смену ламповым педалям гитарных эффектов пришли цифровые гитарные процессоры. Однако музыканты семидесятых так и остались непревзойденными мастерами модуляции звука и изысканных мелодических решений, вкрадчиво цепляющих самые тонкие душевные струны.

Собственно говоря, увлечение Opeth прог-роком началось давно, раскрылось во всей красе на предыдущем альбоме, а новый релиз уже напрочь лишен даже намека на дэтовый риффинг. Мало того, песни с последнего заставили меня несколько раз с удивлением посмотреть на экран плейера: а не сделали ли Opeth кавер-версии? Насколько же «The Devil's Orchard» и «I Feel the Dark» временами напоминают своим всеохватывающим нагнетанием гитарного напряжения «Red» King Crimson, а «Famine» местами заставляет вспомнить Jethro Tull — и не только аккомпанирующей партией истерично захлебывающейся флейты, но и тяжелой поступью неторопливых риффов. На протяжении всего альбома нередко вспоминаются «природно-пейзажные» музыкальные номера от еще одних мастеров «эхообразных», «квакающих (вау-вау)» и «флэнджерных» гитарных эффектов семидесятых — Camel. Многочисленные акустические партии уже не просто являются вступлениями или второстепенными проигрышами, а занимают главенствующее место, как, например, в последней композиции «Marrow of the Earth». Отстраненный и как-будто немного усталый голос Микаэля, так похожий на манеру пения вокалистов того времени, великолепно подходит к мистическому и оккультному содержанию текстов.

Как можно относиться к такому «уходу в прошлое»? Вероятно, по-разному. Можно скептически заявить, что если уж хочется послушать что-то из «олдового» материала в духе ’70-х, то лучше поставить какой-либо из реально записанных в то время альбомов или слушать творчество групп, продолжающих выпускать альбомы в этом стиле и по сей день. Однако, я так не считаю. На мой взгляд, Opeth не только сохранили свою оригинальную мелодику, но и настолько умело вплели ее в пестрое и замысловатое кружево прог-рока семидесятых, что она еще больше заиграла на его величественном фоне.

В принципе, случай с Opeth далеко не уникален. Мне кажется, самый яркий пример того, как эпоха семидесятых может повлиять на звучание современных групп — еще один мой любимый коллектив, Amorphis, выпустивший в начале нулевых альбом «Am Universum», в материале которого, конечно, больше слышен психоделический и спейс-, нежели прогрессивный рок. Тогда поклонники группы разделились на два непримиримых лагеря: сторонников и ярых противников взятого ею курса. Однако, как показало время, Amorphis нашли золотую середину, мастерски сплавив два типа звучания воедино. Сегодня же фэны — на сей раз Opeth — были лучше подготовлены к такому повороту событий, и с их стороны вряд ли прозвучат негативные заявления о том, что после «Нeritage» на группе можно ставить жирный крест. Хотя я, все же, надеюсь, что Opeth не навсегда потонут в «олдовом» саунде, а, позднее, выплывут из него с чем-то более современным и интересным — возможно, уже на следующем альбоме. Кстати говоря, если вы поставите песню «Slither» с рецензируемого альбома, то с удивлением можете обнаружить, что она очень похожа на позднее творчество Amorphis и по риффовой структуре, и даже по мелодическим переливам.

Итог: филигранная обработка музыкального наследия кумиров, заслуживающая хоть и высокой, но не максимальной оценки.

Demon Hunter   4 окт 2011

Обложка этого релиза встречает нас красивейшим видом из иллюминатора авиалайнера. Высота, облака и открывающаяся панорама сразу же навевают мысли об интереснейших путешествиях в дальние страны, в которые на самолете можно попасть всего за несколько часов. Прогресс цивилизации, высокие технологии, много неба и воздуха — всё это весьма типично для оформления обложек альбомов в рамках такого музыкального направления, как прогрессив. И поскольку мне подобные темы весьма близки, то вполне логично, что я немедля послушала этот альбом. Данная работа джент-вундеркинда Andrew Reynolds'а (Drewsif Stalin) потрясает не только техникой игры на гитаре, но и общей тревожной атмосферой звучания, вкупе, соответственно, с теми гнетущими ощущениями, которые возникают после того, как отзвучал последний трек. Этот альбом — отражение того сгустка страхов, которые неизбежно сковывают сознание при взлете и посадке, когда к горлу от осознания смертельной опасности подступает давящий комок и в очередной раз приходит горькое понимание того, что невозможно избежать отрыва от уютной земли, если хочешь повидаться с близкими людьми.

Для создания тревожной атмосферы были использованы многочисленные характерные для симфо-блэка клавишные партии, особенно в затянутых паузах, когда ударные и гитары молчат. Лично мне больше всего понравились такие композиционные решения в заключительной части трилогии «End of the Day Part 3: Ruin» на фоне громовых раскатов. Довершает начатое вариация на тему известной рождественской мелодии, сыгранная в гармоническом ряду похоронного марша и зловеще озаглавленная «Black Chistmas». Особенно же тягостное впечатление производит композиция «The Nocturnal» с ее «зависающими» акустическими эффектами и монологом человека, явно находящегося на грани нервного срыва, постоянно прикуривающего и заклинающего: «Save yourself».

В Интернете джент от Drewsif Stalin иногда называют djenty djent — вероятно, в силу того, что, по сравнению с прародителями этого направления Meshuggah, общий темп музыки гораздо медленней - это, с одной стороны, дает больше возможностей в плане композиторских решений и более разнообразного наполнения брейкдаунов, а с другой - лишает музыку нечеловеческой агрессивности. Гитарные партии мне больше всего понравились в «An Insomniac's Narrative» с ее многочисленными «вытянутыми хуками»; хорош и дэтовый кач в «End of Day Part 2: Reoccuring Nightmare».

Конечно, Drewsif Stalin очень многое взял от классического прогрессив-метала: к примеру, трэк «Groovy» с его клавишными эффектами и акцентом на синкопированный ритм достойно смотрелся бы на альбоме любых динозавров жанра. Итог: для всех любителей концептуальной инструментальной музыки «прогрессивного» направления. Хотя, лично мне немного не хватает смысловой наполненности альбома, то есть, полноценной лирики.

Demon Hunter  23 сен 2011

«Here we are again, Sportfans, something old — me, something new — Brian, something borrowed — money, amd something reptile — Phil.

«Мы снова с вами, наши фэны, кое-что из старенького — это я, кое-что из новенького — Брайан, то, что заняли — деньги, и кое-что продажное — Фил»

Этот эпиграф от Лемми, помещённый на вкладыше альбома “Another Perfect Day”, как нельзя лучше характеризует то состояние группы, которое было во время работы над этим альбомом. С первыми двумя пунктами всё более или менее ясно: Лемми говорит о себе как о приверженце уже найденного звучания Motörhead, Brian "Robbo" Robertson - новый гитарист, найденный в пылу горячки, когда нужно было срочно найти замену Eddie Clarke во время тура по Aмерике. Он своей манерой игры добавил в общее звучание Motörhead больше атмосферности. Тогда почему же ударник Фил был назван подлым, продажным человеком (reptile)?
Думаю, что за объяснением можно обратиться к тому же вкладышу, где кроме текстов песен и слов благодарности можно найти занимательные картинки комикса, который был нарисован Paul'ом Howden`ом специально для оригинального винилового издания этого альбома (у меня не виниловый диск, но японское CD издание, которое копирует виниловое даже по формату обложки в виде картонных «рукавов»). И я вам скажу, что этот комикс заслуживает упоминания в рецензии не только потому, что очень забавный, но и потому, что многое проясняет!
Во-первых, становится абсолютно ясно, как именно вели себя участники группы в ходе записи альбома. Новый участник коллектива гитарист Brian "Robbo" Robertson (ex-Thin Lizzy) представлен не в меру амбициозным, навязывающим свою точку зрения. Он изображается на картинке тыкающим в офисные графики «возможных вариантов развития», и становится понятно, что у него своё особое представление о том, как должны играть Motörhead (некий «третий путь» - «this is a third»). При этом долговязый Лемми и качок Фил изображены с вопросительными и восклицательными знаками над головами и недовольными физиономиями. Далее Роббо нарисован лихо играющим на гитаре, развернувшись задом к Лемми и Филу. А в это время они в сторонке недоумевают по поводу взятого им музыкального курса («Да, он даже несколько музыкален, не правда ли?»-реплика Фила) или отвешивают шутки по поводу его шикарных ножек. («Nice Legs Thougth!» - реплика Лемми). Кроме того, судя по комиксу, Robbo во время работы над альбомом заливал в себя алкоголя гораздо больше других: на картинке где, вероятно, идёт сведение альбома, Лемми и Фил ещё стоят перед пультами, а вот Роббо полусидя тупо взирает на заваленный пустыми бутылками пол под столом с аппаратурой. По этому поводу Лемми саркастически замечает, что он уже подготовился к турне («Looks like he's ready for a tour!»).
Оказывается Фил (Phil "Philthy Animal" Taylor) больше всего остался недоволен совместной работой с Роббо: он обзывает его показушником, сомневается, что группа сможет оплатить все счета из клиники после купирования запоя Роббо. Кроме того, именно Фил разгуливает ситуацию со звукозаписывающим лэйблом, общаясь по телефону с менеджерами. Видимо поэтому Лемми назвал его «продажным человеком». Собственно после этого альбома Фил ушёл из группы, а Роббо был выгнан, хотя Лемми признавал, что он гитарист экстра-класса.
Во-вторых, мы понимаем, что Лемми в группе был тем человеком, который изо всех сил пытался сгладить острые углы между другими участниками. Он постоянно шутит, разряжая атмосферу, предлагает каким образом можно выигрышно представить манеру игры Роббо («Играть ещё громче»), достаёт денег (выигрывает их в автоматах: «AHA! Th`Finance for the tour has arrived! Chanka-chanka-chank!» ). Лемми, конечно пришлось нелегко во время записи. Ему, вероятно, было очень сложно подстроиться как под слишком независимый нрав гитариста, так и под его безудержную экспрессию. Даже его голос временами изменяется до неузнаваемости и напоминает сексуальные интонации Тома Джонса (иначе гитара Роббо просто заглушит всё на свете) — слушается очень смешно! На мой вкус, лучше всего удалось соблюсти баланс между игрой Роббо и остальными партиями в песне «One Track Mind» - непрерывный «гул» гитары является прекрасным фоном для простого и очень глубокого текста. Добавлю, что подобный «фоновый атмосферный гул» будет ещё неоднократно использован в музыке Motörhead, несмотря на то, что Лемми не раз подчёркивал «одноразовость» подобного эксперимента — послушайте хотя бы титульную песню альбома 1916.
Напоследок скажу, что ещё никогда тема презрения к деньгам не звучала в лирике Motörhead так остро и уже, вероятно, не прозвучит никогда, как на этом альбоме:

You know I'm a killer babe,
Here's late news for you,
You couldn't buy me with a million, babe,
I'm too good for you,
I know you think I'm a real rough trade,
Now I'm the one Dancing On Your Grave

Вот последние новости для тебя,
Ты не купишь меня и за миллион, милая,
Я слишком хорош для тебя,
Я знаю, что ты считаешь меня крутым,
Теперь я танцую на твоей могиле.

Итак, некогда недооценённый фэнами альбом, теперь смотрится как новая веха в развитии Motörhead. Желаю всем поклонникам этой группы не только ещё раз насладиться этим нежданным экспериментом, но и как-нибудь посмеяться над забавным комиксом внутри винилового издания!

Demon Hunter   5 сен 2011

Оказывается, что название Iron Maiden не было оригинальным, когда было решено так назвать группу басиста Стива Харриса в 1976 году. В Великобритании уже была группа с таким названием. Однако просуществовала она не долго - с 1968 по 1970 год.
В 1998 году был издан единственный альбом этой группы - "Maiden Voyage". Он включил в себя синглы «Bud» (1968) и “Iron Maiden”(1970), а также материал так и недоделанного в 1970 году дебютника.
Вероятно, мы никогда уже точно не узнаем — почему же в 1970 году музыканты потеряли интерес к работе над уже почти записанным новым альбом. Можно строить лишь гипотезы. Возможно, вмешались какие-либо внешние обстоятельства, однако, на мой взгляд, в самой музыке было кое-что, что заставило музыкантов бросить дело, не закончив его.
Для этого вкратце изложу свое представление о палитре музыкальных тенденций конца шестидесятых – самого начала семидесятых. В то время англоязычный музыкальный мир было уже сложно удивить зажигательным буги-вуги или исконно блюзовыми импровизациями. The Beatls и The Rolling Stones уже стали иконами, параллельно происходил расцвет блюз-рока и начиналось увлечение психоделической музыкой. Американских психоделиков (Джими Хендрикс, Дженис Джоплин, Джим Моррисон из The Doors) подкосили передозы наркотиков; остались Santana с их латиноамерианским экзотическим колоритом и блюзовые группы с кантри-налетом. На Британских островах прочные позиции занимал прогрессивный рок (King Crimson, Jethro Tull, Van der Graaf
Generator) и набирали силу изрядно приблюзованные Led Zeppelin. Британская психоделия лишь только набирала обороты (Pink Floyd) либо находилась на стадии зарождения (Hawkwind). Классические хард-роковые альбомы Deep Purple ещё впереди, а предтечи хэви-метал Black Sabbath пока делают лишь первые шаги.
И вот в это интересное время появляется группа Bud, через год ставшая Iron Maiden. Прослушав единственный альбом, собранный из двух синглов, сложилось впечатление, что в музыкальном плане Iron Maiden в 68 — 70 годы играли ритмически слишком простую музыку, которая не вписывалась в модные тенденции психоделии или прогрессив-рока. Психоделики тут нет совсем — ни намёка на изменённый психотропными веществами вокал, нет наложений гитарных эффектов, делающих звук «плавающим», никаких органных партий или даже обычных клавишных.
Да, можно сказать, что Iron Maiden играли блюз-рок, однако, не совсем типичный, не в духе раннего Santana или Cream середины шестидесятых, когда гитаристы просто изголялись, придумывая новый гитарный эффект или соло посложней. Конечно, и тут изо всех щелей прут блюзовые гитарные соляки, но, всё же, не на них основной акцент. И вовсе не эти соляки врезаются в голову. Тем не менее, музыка цепляет и захватывает. Но чем? Ритмично повторяющимся сквозь всю песню басовыми риффами. Ещё раз повторю прозрачный намёк: музыка запоминается за счёт простых и чётких басовых риффов. Особенно они хорошо слышны в более поздней композиции «Falling». И это тогда, когда в моде психоделия, а расцвет прог-рока и хард-рока только ещё наступит. Как это не звучит парадоксально, но Iron Maiden образца 1970 года звучит слишком тяжело и просто для того времени, поэтому, вероятно, группа на концертах и не снискала достаточной поддержки публики (как пишет один из её основателей). Современные же источники называют музыку первой Iron Maiden тяжёлым прото-прог-роком.
Нельзя сказать, что музыканты группы совершенно не чувствовали музыкальных тенденций. «Plague», «God of darkness», «Ballad of Martha Kent» - пронизаны мистикой оккультизма, в то время как дебют Black Sabbath ещё впереди. Довольно прогрессивные басовые партии, смахивающие даже на импровизацию, можно услышать на Liar и медленной Ritual. Есть тут и заводной рок-н-ролл - CC Ryder. Тем не менее, можно сказать, что группа нашла своё уникальное звучание, которое не было достаточно позитивно воспринято слушателями. И поэтому имя Iron Maiden зазвучало гордо лишь спустя шесть лет – Up the Irons!
"Maiden Voyage" записан уже в новом качестве звука в 1998 году, поэтому современному слушателю не составит труда оценить этот интересный материал.

(Оригинальные орфография, пунктуация и стилистика сохранены — прим. ред.)

Demon Hunter   5 авг 2011

После третьего полноформатника и значительных перемен в составе Thought Industry решили окончательно распрощаться с рашеподобным «приметаллизированным» звучанием и в 1997 году сделали довольно самобытный рок-альбом. В принципе, считаю, что шаг этот был весьма своевременным, и попытка, как говорится, удалась. Рано или поздно шизофрения первых трёх творений должна была войти в какое-либо более удобоваримое русло. Общая идея альбома — это поклон тому культурному слою, который, вероятно, повлиял на музыкантов группы. К примеру, песня «Edward Smith», я полагаю, посвящена лидеру английской пост-панк группы The Fall Марку Эдварду Смиту (хотя могу и ошибаться).

Ещё раз повторюcь, что альбом хорош тем, что в нём есть оригинальность, тем не менее, такая музыка ставится в один ряд с героями тех лет Pearl Jam, Alice in Chains и Nirvana - то есть, это такой альтернативный рок или гранж с акцентом на медленные, весьма запоминающиеся «ползающие» акустические\ электро-риффы и яркий вокал. В плане риффинга мне понравилась «Consistently Yours, Pluto», где он также продублирован и, таким образом, усилен необычным «робото-образным» звучанием гитар.

А в чем же самобытность? В своеобразном звучании ударных и всё том же театрализованном вокале (насколько я понимаю, вокалист остался прежним). Такое звучание ударных я бы описала словом балаганное — типа, «куда уехал цирк»: совершенно несовременное звучание даже для 1997 года, временами маршевый ритм и периодические барабанные дроби. Особенно это хорошо слышно на «Edward Smith», «Bitter». В плане забавных вокальных экзерсисов наиболее примечательна «Her Rusty Nail» с чувственными придыханиями и «Swank», которая своими истеричными выпадами и ритмом напоминает мне материал Nirvana. Своим гипнотическим басовым вступлением запомнилась «Pink Dumbo». От былого безумия осталась только «Eаrwig» (Уховёртка), начинающаяся красивым акустическим соло, которое перерастает в гипертрофированную вокальную партию от лица этой самой уховёртки, которая рассказывает о том, какая у неё трудная жизнь среди червей. А также последняя композиция «24 Hrs. Ago I Could Breathe/Dec. 11Th», в которой в конце воспроизводится фортепианная версия трека «The Flesh Is Weak»с первой демо-записи группы— круг замкнулся.

Собственно, для меня альбом делится на вот такие вот интересные, оригинальные композиции с вышеперечисленными находками и остальной, довольно проходной материал (хотя, безусловно, высокого уровня). На меня практически не произвели впечатление первые 4 трека — можно было бы на них и подсократить альбом. Хотя... они своим трендовым звучанием уравновешивают необычность последних композиций. За них и снижаю оценку.

Demon Hunter  29 май 2011

Что такое успешный дебютный альбом? Это альбом, который может привлечь к себе внимание. Одни дебютники привлекают внимание шокирующей тематикой с запредельным уровнем отчаяния и агрессии, другие оригинальной концепцией с соответствующими стилевыми экспериментами. Дебютник должен быть сильным стрессом как для самой группы, так и для потенциальных слушателей. В процессе прослушивания должно чувствоваться, что люди, которые вдруг похватались за гитары и микрофон, сделали это не потому, что у них вдруг образовалось свободное время и они готовы его потратить на совместное общение на репетиционной базе, а потому, что наболело, нет больше сил молчать, нужно срочно выплеснуть все свои эмоции. Так и хочется крикнуть вполне хорошим музыкантам из DreamSlave — где всё это?

Такой альбом, как дебютник DreamSlave могут себе позволить выпустить какие-нибудь Stratovarius, которые уже наэкспериментировались, добились успеха и почивают на лаврах. К сожалению, только вот теперь их слушать стало скучно.

Нет, альбом весьма достойно сделан. Особенно мне нравится, что есть акцент на связку бас плюс ударные партии, чего кстати, иногда недостаёт той же Эпидемии. Музыканты выдержали стиль, особенно в этом плане образцово-показательна «Мир без нас». На мой вкус, недостает только темпа побыстрее, хотелось бы, чтобы всё звучало несколько поэнергичнее, не так вязко. Клавишные партии красивы, но, пожалуй, даже слишком академичны и правильны. Кроме того, они слушаются чаще всего сами по себе, без связи с остальным материалом.

Однако основная критика этого альбома состоит только в том, что идея альбома назидательна. Ребята, вам что - по 65 лет как мистеру Килмистеру?

Вот вы поёте про страхи — вообще про абстрактные людские страхи. Про СВОИ пойте страхи — чего ВЫ реально боитесь? Или вот титульная песня «В поисках мечты». Опять, вы поёте не про себя, а обращаетесь к какому-то человеку, который вроде как теперь живёт без мечты, что, с вашей точки зрения, не есть хорошо. Совершенно непонятно, какое вам дело до этого человека, кто он для вас? Близкий друг? Может, учитель, которому вы обязаны? Единственная любовь? Опять же, это какая-то абстрактная фигура и поэтому, совершенно не чувствуется, что вас это задевает. Если вы станете петь про то, что вас действительно волнует, то тогда и музыка будет гораздо более захватывающей.

И последнее, что я хочу сказать, что если вы вдруг обнаружите, что ваши страхи и мечты не настолько прекрасны и образцовы, как вам это представляется, то не стоит думать, что об этом не нужно петь. Как почувствуете, что действительно душа в пятки ушла или хочется всех вокруг поубивать, не раздумывайте — бегите в студию и записывайте новый альбом! А пока — простите, если что не так.

Demon Hunter  27 май 2011

Чего общего между ботинком и карандашом? На этот вопрос нормальные люди отвечают — ничего. Ответ же людей, которых в обычной жизни называют чудаками, может быть совершенно неожиданным, например, то, что и ботинок и карандаш оставляют след. Все нормальные люди думают, как бы заработать побольше бабла и обеспечить себе комфортную жизнь, а эти чудаки вместо этого поглощены тем, насколько атрофированы мандибулы и челюстные щупики у отряда Подёнки на взрослой стадии развития насекомого.

Однако даже если вы не сдвинутые учёные, но ваши близкие частенько находят ваши диски в шкафу для белья, а телефонную трубку в холодильнике, то альбом группы Thought Industry «Songs for Insects» именно для вас!

Что же удалось такого сплавить воедино Thought Industry? Музыканты взяли за основу прог- рок Rush-розлива, добавили элементы трэшевого ритма и риффинга и создали в рамках своего дебютного полноформатника несколько изысканных мини-мюзиклов. Именно эти почти что «театральные постановки» с пением практически по ролям, разделённые на акты, и являются «изюминками» этого альбома - «Songs for Insects», «Daughter of Mobius», «The Chalice Vermillion», «Bearing an Hourglass». Вокалист\басист группы Brent Oberlin явно мечтал стать актёром. Конечно, не обошлось без подпевок, но его чистый основной вокал очень эмоционален. Однако иногда возникает чувство, что он несколько переигрывает.

Да, в целом музыка на дебютнике Thought Industry напоминает Rush — местами основным ритмом, местами невероятной свободой в ритмических рисунках: проговые сбивки, многочисленные барабанные дроби. А ещё полной раскрепощённостью и сложностью гитарных партий, басовыми соляками, а также общей яркостью атмосферы. Всё вместе получилось цветисто и кустисто! Действительно, ещё на демо-записи Thougth Industry можно услышать кавер-версию «Red Barchetta» со знаменитого альбома Rush «Moving Pictures». На полноформатник этот кавер не переполз, а вот «The Chalice Vermillion» с его великолепным басовым соло и «The Flesh Is Weak» с красивыми акустическими переборами можно услышать и на дебютном альбоме. Однако больше всего на меня произвели впечатление первые два «мини-мюзикла»: «Songs for Insects» и «Daughter of Mobius».

«Songs for Insects» - фантастическая история о тоталитарном обществе насекомых с абсолютной властью короля-таракана, с революциями, мятежами и пересмотром мировоззрения отдельных ярких индивидуальностей. Скоростное наращивание темпа и флажолетный гитарный звук создаёт впечатление роя насекомых. Трек «Daughter of Mobius» вызывает у меня стойкие ассоциации с фильмом «Имаджинариум доктора Парнаса». Вот такая дочь — рыжая и зеленоглазая в очаровательных обносках! Тут тоже есть мудрец - Мобиус, который заигрывает то с Христом, то с дьяволом, а свою дочь считает мессией. Я до конца не совсем поняла, в чём состоит трагическая развязка, связанная с любовными взаимоотношениями этой дочери, но Мобиус постоянно призывает её умереть у него на руках. Соответственно, музыка такая вот похожая на цирковой балаган: начало с приплясыванием в фолк-ключе, потом пара-тройка жёстких трэш-риффов, и далее переключение на скоростной панковский ритм и неожиданный разворот - смена музыкального размера на вальсирующий три четверти — и всё это за первые двадцать секунд трека!

Однако на альбоме есть практически в чистом виде и трэшевые вещи, например, открывашка «Third Eye» (типа, хоть мы и чудаки, но мы же все видим, что происходит вокруг своим третьим глазом), встречает нас традиционными трэш-риффами с мелодикой, напоминающей Nevermore, или вот, послушайте «Ballerina» - залихватский панк-трэш. Для меня особняком стоит трек «Coronerstone», навеявший призрак Малинового Короля с постепенным нагнетанием басового напряжения.

Итог. Альбом меня позабавил больше, чем лучше продуманный второй "Mods Carve the Pig". Собственно, мне и захотелось написать рецензию именно из-за того, что дебютник слушается как импровизация, как неограниченный ничем поток льющихся идей. Однако, ещё раз повторюсь, подобная музыка рассчитана на ограниченный круг слушателей (это не хорошо и не плохо). Довольно сложно воспринимать такое необузданное наложение басовых, ритмических и даже вокальных импровизаций. Пожалейте свои мозги!

Demon Hunter  27 май 2011

В начале было Слово, и Слово было... Рифф...

Примерно так, перефразируя евангельские строчки, можно выразить моё отношение к скоротечному сочетанию нескольких гитарных аккордов, слетающих с грифа электрогитары. Несомненно, существует много разных риффов, но я хочу вспомнить лишь несколько тех, которые мгновенно всплывают у меня в памяти, стоит только упомянуть название группы. Вот тяжёлая поступь «Iron Man» (Black Sabbath), а вот обжигающее прикосновение «A Touch of Evil» (Judas Priest). А вот наступающие переливы «Enter Sandman» (Metallica) и ползающие штрихи «Smells Like Teen Spirit» (Nirvana). Наконец, вот тягучий кач «Simbolic» (Death), вот сверлящее гудение «My Apocalypse» (Arch Enemy).
Так, к чему всё это? И, вообще, к чему я пишу эту долбаную рецензию? Да к тому, что риффы с инструменталки «The Eucharist» с альбома "Mirrorworlds" забытой большинством группы Eucharist, засели в моей голове, и никак не освобождают место для чего-то ещё. Они примерно так же прочно встроились в мой мозг, как те знаменитые примеры, приведенные выше. После того, как рецензия написана, гораздо легче переключиться на прослушивание другой музыки.

В целом, материал альбома — это первородный (спасибо, Jotun, за точное слово) мелодик-дэт, в каждом треке которого акцент сделан именно на мелодичный гитарный риффинг. Но инструменталка "The Eucharist" - это не только риффинг в исполнении лишь одного гитариста, а среднетемповый цепляющий джем двух гитаристов, прекрасно слаженный и поэтому окутывающий слушателя со всех сторон. Начинается "The Eucharist" с простого отбивания ритма, в середине джем разбавлен величавым низкочастотным гитарным соло с винтажными тремоло. Заканчивается трек нагнетанием атмосферы со стороны басов и сдержанным включением бас-бочки.

Мне понравились и другие треки. Например, открывашка «Mirrorworld» начинается с «индустриального» вступления, которое напоминает мне скрежет межпланетного пепелаца. «With the Sun» - местами блэк с его захлёбывающимися бластбитами, но и тут они вплетены в общую канву риффов и не главенствуют. «Demons» - трек в стиле ретро-триллера с воем волков и церковными колоколами в начале и, опять же, красивыми ниспадающими риффами. Мне очень понравилась и вторая инструменталка «In Nakedness», которая контрастирует со всем другим материалом светлой и прозрачной атмосферой, созданной за счёт того, что на фоне неторопливых акустических переборов звучит соло на каком-то духовом инструменте (судя по выразительности, похоже даже, что настоящий кларнет, а не синтезаторы). Подобные эксперименты с нетипичными для метала инструментами характерны для дэта этого времени. Однако мне понравилось, что кларнет звучит всю продолжительность трека, а не стыдливо вставлен лишь в начале или в конце.

Стали бы Eucharist кумирами молодёжи, подобно соотечественникам In Flames? Сложно сказать, но я считаю, что нет. Ведь в самом начале In Flames всё-таки сделали ставку на соляки и более быстрый и разнообразный ритм, а не на риффинг. Запоминающиеся соло-партии стали их визитной карточкой. Конечно, и у In Flames есть примеры хорошего риффинга, например, как на «Dreamscape» c дебютника, местами на «December Flower» со второго альбома. Однако они не на первом плане и, в целом, мне больше нравятся риффы Eucharist. И с этим ничего не поделать, это дело вкуса. Кроме того, религиозная тема как основная (Eucharist - причастие), на мой взгляд, не подходит для «молодёжной целевой аудитории». Так что могу рекомендовать альбом не только фэнам мелодик-дэта, но и всем, кто ценит в музыке запоминающиеся яркие риффы.

P.S. Я не претендую на то, что приведённые примеры композиций с запоминающимися риффами в начале рецензии могут быть настолько же любимы другими. Кроме того, не претендую, что подборка примеров является репрезентативной. Это лишь некоторое отражение моих личных предпочтений.

Demon Hunter  14 май 2011

В 1993 году группа шведских музыкантов под названием Crypt Of Kerberos (Логово Цербера) собралась в студии, чтобы сделать дэт-метал альбом. Вероятно, ребята черпали вдохновение из школьных учебников по истории младших классов, в которых обычно широко освещается мифология древнего мира. Собственно альбом так и называется «World of Myths». Тема может захватить, вызвав сильные смешанные эмоции: интерес и трепет перед древностью, удивление, граничащее с возмущением по поводу безумия и жестокости представлений древних людей. Кроме того, где-то на задворках сознания начинает маячить мысль о конечности не только древних миров, но и собственного мира со всем его нагромождением мыслей, то есть о смерти. Соответственно, альбом в традициях смертельного метала смотрится весьма логично и закономерно.
Да, подобная тема мне интересна. Однако теперь предлагаю оценить, как же в музыкальном плане раскрыта эта тема на дебютнике Crypt Of Kerberos.
Могу сказать, что группа вполне справилась с раскрытием, хотя больше в фэнтезийном ключе, чем в философском. Предполагаю, что ребята рассудили так, что древнеримская мифология — это уже не примитивный мир полулюдей-полуобезьян, и даже не варварский мир викингов, а цивилизация с весьма развитой культурой, поэтому и играть нужно не просто дэт, а что-то эволюционно более продвинутое. Собственно так оно и получилось. «World of Myths» - это весьма техничный прогрессив дет.
Прогрессивность! Нет, это не та прогрессивность, вытащенная из прог-рока 70-х, которую эксплуатируют Opeth. Это такая «эпическая прогрессивность». Вот, пожалуйста, послушайте вступления «The Canticle» («Гимн» - очень эпичное название) и «Dream...», «Stormbringer», «World of Myths. «Sleeping God». Вступления удались — весьма выразительные гитарные запилы или даже просто гитарное скрежетание или гитарные переборы, которые оттеняет синтезаторное звучание, напоминающее орган. Всё есть для того, чтобы погрузиться в атмосферу древнего мира. Но какого? Не хватило мне какой-то специфичности (этакой «мифической античности»), чтобы понять, куда мне предлагают погрузиться.
Атмосфера! Музыканты стремились к объёмности звучания — это слышно. Много кусков, где слышен большой разрыв в звуковых частотах: басовые риффы и высокие «комариные» гитарные партии. А в середине — пустота. В таких случаях спасает ситуацию использование уже упомянутого синтезаторного звучания или акустические партии. Хотя, эти звуковые ямы, вероятно и есть олицетворения логова Цербера, из глубины которых частенько доноситься утробный гроул вокалиста.
Возможно, группе нужно было ещё больше усилить контрастность звучания - раз уж есть ощущение музыкального пространства - и в дальнейшем больше использовать различных синтезаторных эффектов? Намёк на это есть в инструментальной «Sleeping God».
В целом риффинг не плох. Лучше всего в плане риффов звучит «Cyclone of Insanity» и «Stormbringer» - пусть простые и не оригинальные, но мощные и выразительные риффы там хорошо слышны. Хотелось бы узнаваемого риффинга, что, конечно, для дета (а не мелодик-дета) это не является основной чертой.
Техничность! Конечно, будем помнить, что это альбом 93 года, и сложность ударных партий нельзя сравнивать ни с одним техно-детом двухтысячных. Но как много раз меняется и меняется в композициях ритм - со скоростного почти пауэрного или трэшевого на медленный детовый, потом на скоростной дэтовый и наоборот. О да, это «качёвая ритмика», слушателя прямо не просто качает, а прямо кидает из стороны в сторону. Однако, это слушалось бы просто замечательно, если бы между отдельными ритмическими кусками были бы логичные переходы. В подобных случаях с Death вокальные партии и лирика диктуют смену ритма, у Sadist всё связывают клавишные. А так, слушается все, как отдельные лоскуты, сшитые неумелыми руками белыми нитками. Слишком разнообразный вокал не добавляет целостности восприятия. Вокалист (или вокалисты), вероятно, хотел(и) изобразить совершенно разных героев древнего мира. Поэтому есть и очень низкий утробный гроул, и более истеричный гроул повыше и чистый вокал.
В итоге, заключаю, что альбом удался, но получился слишком контрастным, а это даёт ощущение недоделанности. Возможно, это и есть оригинальная задумка? Может, таким образом, авторы музыки хотели показать нестабильность и хрупкость мифологического мировоззрения? Если так, то это лучше всего это получилось на первой композиции «The Canticle», «Stormbringer» и на последней «World of Myths».
А может всё дело в том, что это дебютный альбом, на котором группа решила показать всё на что она способна — выдать максимальную степень прогрессивности и техничности, возможную на начало 90-х, но недостаточно хорошо продумала «мифическую» атмосферу.
У группы явно был потенциал, но не хватило оригинальных идей, более широкого взгляда на взятую тему и чувства меры. Поставлю альбому 7, - тут явно чего-то не хватает.

Demon Hunter   8 май 2011

Вдохновлённые творчеством Толкиена, два шведских музыканта Simon Kölle и Simon Heath решили, что про эльфов, хоббитов, магов и людей Толкиен понаписал достаточно, а вот про орков как-то маловато. Именно поэтому появился захватывающий мир орков, имя которому Za Frûmi. В 2000 году выходит первый альбом под названием "Za shum ushatar Uglakh", на языке орков (Black speech), посвящённый истории противостояния клана орков во главе с отважным Углакхом и могущественного вампира Измаила. Основа музыки — dark wave c элементами неоклассики.

На этом можно было бы и закончить рецензию, поскольку, конечно же, проект с такой темой не может быть не замечен поклонниками Summoning или Narsilion. Однако! Добавлю ещё несколько хвалебных слов - ибо проект того, конечно же, заслуживает.

Во-первых, если сказать, что в музыке выдержана атмосфера — это значит ничего не сказать! Слышно абсолютно всё: шаги по траве, топот копыт, храп лошадей, потрескивание костра, всплески ручья, звон орочьей амуниции.

Во-вторых, как натуралистично выдержаны диалоги орков! Каждый орк обладает собственным характером. Сразу понятно — где сам Углакх, а где его заискивающие оруженосцы. Понятно даже, в каком настроении Углакх. Вот он присел на поляне в лесу, явно в хорошем настроении, и даже сыто смеётся, а здесь он гоняет свои подданных. А трек "Za Kala" — это вот кровавая баталия, за которой опять следует привал. Всё в целом: обычный орочий поход. Двойной трек "Za Ismael Kala" - это финальная битва отряда Углакха против Измаила в его собственном готическом замке. Соответственно, не обошлось без красивейших молитвообразных готичных хоралов.

В-третьих, подобная музыка напоминает мне более позднее творчество культовых Dead Can Dance, ибо здесь также практически совершенна медивал-реконструкция этнических ритмов плюс использование похожих инструментальных эффектов типа звука гонга и варгана, тресков и свистов, а также богатство ближневосточной перкуссии. И это будет самый важный комплимент Za Frumi из моих уст!

Demon Hunter  27 апр 2011

В 2009 году вышел седьмой альбом Assamblage 23 под названием «Compass». Какой же путь указал на этот раз внутренний компас единоличному создателю музыки этого проекта Тому Ширу? После прослушивания альбома мне стало ясно, что маэстро от электроники взял курс в прошлое, а именно, в 80-е и 90-е года прошлого столетия, когда танцевали (какой кошмар!) под Pet Shop Boys и Erasure, а считали продвинутой электроникой New Order. Конечно, в связи с этим мной овладело некоторое разочарование, потому что, естественно, после насыщенного гитарного риффами, достаточно тяжелого в музыкальном плане альбома «Meta», «Compass» кажется (особенно, на первый взгляд) слишком лёгким и годящимся разве что для организации музыкального сопровождения детсадовского утренника.

Хотя после нескольких раз прослушиваний начинаешь подпадать под очарование «винтажных» композиций этого альбома и замечаешь, что «модные электронные прибамбасы» никуда не делись — есть тут и future и techno, только не на них акцент. Замечаешь также, что в альбоме, что называется, хит на хите и хитом погоняет. Уж настолько богат он запоминающимися танцевальными мелодиями, что это уже даже перестаёт цениться: «Smoke», «Impermanence», и, особенно, мощный заводной «Alive» (типа, жив пока ещё, несмотря ни на что!); всё это — дискотечные треки с традиционным «разгончиком» на любой вкус. Есть тут и «медлячок» в стиле Depeche Mode - «How Can You Sleep?».

Проглотив порцию этого хитового ретро-материала, я переключилась на другие, более интересные треки, представляющие собой разнообразный EBM\TBM-материал. Особенно мне понравились "Collapse" и "Angel & Demons".

«Collapse» - трек с жёсткими битами и резкими индустриальными синтезаторными эффектами, где личность единственного участника группы Тома Шира подверглась шизоидному распаду. Том не просто использовал два своих разных вокала, он создал как будто бы диалог между собой и хором из своих же искажённых голосов. Один голос сетует на то, что находится на краю, задыхаясь, пытается выкарабкаться, а хор голосов поучительно замечает, что мы сами во всём виноваты и по кирпичику строим сами себе персональный ад. Такое же ощущение диалога возникает при прослушивании «Leave This All Behind», начало которой ну очень напоминает панковский ритм, под который так удобно слать все напряги на три буквы!

"Angel & Demons" - прозрачный свежий future pop-трек о нелогичности жизни, где гармонично чуть слышен и женский вокал, кроме вокала самого Тома. Впрочем, "Angel & Demons" совершенно естественно продолжается такой же воздушной и ещё более атмосферной "The Cruelest Year", повествующую о том, что все возможные ошибки были сделаны в этом году, жизнь была оплетена жестокими событиями, но, тем не менее, без этого всего нам бы было очень скучно.

В итоге ставлю альбому семёрку, ибо нечего Ширу отказываться от гитарного звучания и необоснованно делать альбом более лёгким. Не сильно жалую я и ретро. Немного ностальгии и хватит, "назад в будущее"!

Demon Hunter  26 апр 2011

Мне очень нравится польская дэт-метал-школа, которая, на мой взгляд, меньше всего утеряла связь с хэви. И вот как-то раз, слушая Vader и Decapitated, роясь в Интернете, я совершенно случайно обнаружила группу Panzer X, выпустившую на сегодняшний день одну-единственную EP с незамысловатым названием "Steel Fist". Обнаружилась она, поскольку в её состав входят гитарист Vader Пиотр 'Peter' Вивчавек и ныне уже покойный ударник Decapitated - Витольд “Vitek” Келтыка.

Первым, что я заслушала, была инструментальная баллада "In Memory". Шок! Благоговейный ступор! И все дела были отложены в тот вечер, и время остановилось, и больше ничего не существовало вокруг, кроме этого гитарного соло! Собственно, в основном из-за "In Memory" я пишу эти строки, потому что не знаю, как ещё поблагодарить Panzer X за те чувства, которые возникают у меня, когда я слушаю это. В этой гитарной мелодии нет навороченности, нет никакой оригинальности. Зато какой силы эмоциональный посыл! Это соло в буквальном смысле лечит, приводит мысли к определенному порядку, позволяя разглядеть всё наносное и ненужное. "In Memory" помогает справиться с тоской по тем близким, кого ты уже никогда не увидишь, принося в душу смирение.

Всё же, наверное, нужно добавить моей рецензии хоть каких-то рациональных ориентиров (а стоит ли?!), и сказать, что подобное гитарное соло скорее можно было бы ожидать от группы, играющей прог-рок, чем от заявленного в описании Panzer X хэви-метал. Сходные ощущения «полёта над пропастью» возникают при прослушивании Pink Floyd или Arena. Это совсем не те соло-запилы, которые выдаёт Пиотр в «Predator» или вязкие и низкие по звучанию как «Revelation of Black Moses», типичные для его игры в Vader, это именно мелодия «полёта над пропастью».

Остальные композиции представляют собой высококлассный хард-энд-хэви с великолепным вокалом, шикарнейшими драм-партиями от безвременно ушедшего ударника-вундеркинда, слаженной игрой всей команды. Кавер группы на роллинговскую «Paint It Black» - на мой взгляд, лучший кавер этой песни!

В конце скажу лишь, что хотелось бы надеяться, что Пиотр вдруг возобновит свой интерес к этому проекту, сможет переключиться со своего основного, замечательного, но всё же несколько стагнирующего Vader, и запишет полноценный альбом Panzer X. А даже если такого не произойдёт, то и на том спасибо!

Demon Hunter   6 апр 2011

Через два года после предшественника Combichrist выпустили свой третий студийный альбом, с риторическим вопросом в названии "What the Fuck Is Wrong with You People"?
Сразу скажу, что соглашусь с теми, кто считает музыку Combichrist удачной комбинацией различных стилей электронной музыки, нежели представителями какого-то одного направления. Несмотря на то, что Энди ЛяПлегуа и приложил руку к созданию TBM (techno body music), ему хватило ума не использовать на всю катушку данное направление и не выбрасывать «выхолощенные» голые кости техношумов наподобие Soman или Noisuf-X. Однако нельзя не признать, что ЛяПлегуа преуспел в создании практически мелодий из разных шумовых эффектов. Однако это умение он в полной мере развернёт в следующем альбоме.

Послушав этот альбом, можно убедиться в том, что ЛаПлегуа выкристаллизовал наиболее удачную структуру треков, начало которых практически - это в чистом виде TBM, за которым идёт нахлёстывание dark electro, industrial или даже нечто в стиле битов Prodigy. Такие стилевые комбинации не позволяют альбому надоедать при сквозном прослушивании, что иногда происходит с альбомами таких грандов как Hococo. Вообще, как мне кажется, девизом всего альбома, если говорить о музыкальной составляющей, можно назвать «начали за здравие, а кончили за упокой». Треки очень разнообразны, но начинается альбом с милой хулиганской шутки "5 AM (Afterparty)", и танцевальным треком "Electrohead" а заканчивается убийственно мрачным "Deathbed" в стиле dark electro и суицидальным "Are You Connected?".

Альбом "What the Fuck Is Wrong with You People?" - это не только значительный скачок в музыкальном развитии Combichrist, налицо определенное взросление смысловой составляющей творчества. На мой взгляд, ЛяПлегуа перешёл от глумливого шутовства предыдущего опуса к более серьёзной раздаче пинков под зад окружающему миру. Да, лирика прекрасно воспринимается, и не только за счёт того, что Энди отчётливо читает её, и его голос практически не искажён. В альбоме использован приём так называемого snapshot of time (временного среза), когда в треках используются звуки как будто естественного окружения бытовой жизни, голосов случайных людей. Это позволяет наилучшим образом проникнуться настроениями альбома. К примеру, начальный трек "5 AM (Afterparty)" - это не что иное как прокрученная запись автоответчика хулиганского звонка. "Brain Bypass" - минималистичный TBM-трек с акцентом на запись голоса женщины, которая в консультационной манере сотрудника наркологической клиники рассказывает во всех научных подробностях физиологический механизм воздействия кокаина на мозг. Беспросветно депрессивный трек "Deathbed" о душевной пустоте и одиночестве, приводящих к мысли о суициде. "Red" - сгусток ненависти к городу, в котором проходит жизнь героя, и который он представляет себе залитым галлонами крови. Короткий трек "Are You Connected?" не просто о суициде, а о том, какие конкретно вопросы в голове могут стать последний каплей в решении покончить с собой:

In your life are you connected to yourself?
When you die will you be conneceted to yourself?

(При жизни являешься ли ты самим собой?
Когда ты умрёшь, станешь ли ты самим собой?)

Однако в конце альбома всё же звучит достаточно позитивный танцевальный "All Your Bass Belongs to Us", инструментальный трек, который вкупе с простенькой "Electrohead" и дискотечным хитом "Get Your Body Beat" позволяет несколько расслабиться, отвлечься от грустных мыслей, в русле "позволь себе стать немного электроголовым, а ритму пронизать твоё тело и тогда все басы и биты будут твоими!". Ну, что же, временами перезагрузка из metalhead в electrohead бывает полезна. Проверено.

А этому альбому (у меня только обычное издание с одним диском, а не диждипак) ставлю 7, потому что впереди более яркий и ещё более интересный альбом "Today We Are All Demons".

Demon Hunter  30 мар 2011

В 2009 году, спустя 6 лет после предыдущего "Vicious Cycle" (2003) Lynyrd Skynyrd выпустили свой одиннадцатый студийный альбом “God and Guns”. Если говорить кратко, то материал альбома представляет собой в основном блюз-рок и характерные для southern rock баллады.

Здесь, вероятно, стоит упомянуть, что группа рождалась дважды и поэтому её творчество можно разделить на два периода. Первый – до трагического 1977 года , когда произошла авиакатастрофа, в которой погибли основатель группы, вокалист Ронни Ван Зант, один из гитаристов и бэк-вокалистка, а остальные получили серьёзные увечья, и когда группа прекратила существование на 10 лет. Второй – когда в 1987 году состоялось повторное рождение группы, место у микрофона занял младший брат Ронни – Джонни Ван Зант, и к группе присоединились выжившие в катастрофе участники. Группа снова стала выпускать студийные альбомы.

Так вот, если сравнивать этот альбом с относительно недавним творчеством, то можно отметить, что в “God and Guns” вы не найдёте в чистом виде рок-н-рольных вещей, которые часто можно встретить в нескольких предыдущих опусах, и которые, на мой взгляд, не являлись сильной стороной группы. Зато в избытке можно наслушаться уже упомянутых southern rock-баллад типа знаменитой "Tuesday's Gone" с дебютника 1974 года. Такие баллады есть в каждом альбоме Lynyrd Skynyrd. Лично мне из них больше всего понравились "Unwrite That Song", "That Ain't My America" и "Gifted Hands" с красивым акустическим вступлением. К слову сказать, подобные баллады в 90-х годах здорово прославили более удачливых ровесников Lynyrd Skynyrd из Aerosmith.

В альбоме очень большой акцент сделан на вокальные партии. Хорошо слышен бас и партии акустики, а вот остальные гитарные партии гораздо тише, чем обычно (с моей техникой вроде всё в порядке), поэтому создаётся впечатление, что сольных партий практически нет. Хотя их достаточно и они весьма продолжительны и красивы, как, например, в конце баллады "Gifted Hands". Почему такое решение звукорежиссера? Ведь как раз сейчас состав гитаристов группы как никогда силён, и могу уверить, что они на концертах устраивают настоящий гитарный праздник. Сейчас в группе 3 гитариста помимо баса (старшее поколение - Garry Rossington, Rickey Medlocke, молодой -Mark "Sparky" Matejka). Кроме того, в записи альбома принимал участие гитарист Rob Zombie John 5. Да, несомненно, звучание альбома в целом получилось очень плотное, мощное, но вот отдельные партии электрогитар еле слышны.

Лично мне среди всех песен больше всего нравятся наиболее “блюзовые” – "Still Unbroken", "Little Thing Called You", и особенно, загадочная "Floyd" с очаровательным налётом кантри. Впрочем, нет ничего удивительного в том, что нравятся мне именно они, ведь это так похоже на последователей Lynyrd Skynyrd, группу Metallica. Гораздо меньше понравились хард-роковые как "Simple Life" или "Storm".

В группе нет одного автора текстов песен, однако лирика альбома весьма целостна и проста, как будто написана одним человеком. Наиболее знаковые по смыслу – это открывашка "Still Unbrocken", повествующая о свободе выбора человеком жизненного пути, и "Skynyrd Nation" о музыкальной преемственности. В "Skynyrd Nation" “старики” Гэри Россингтон и Рики Медлоук запели вместе с “молодым” Джонни, изображая диалог между двумя поколениями музыкантов группы. Ну и, конечно, собственно вынесенная в название альбома "God and Guns" о недоверии к власти. Собственно, "Southern Ways" и "That Ain’t My America" также об этом – об особом пути людей, не признающих ценности современной Америки.

В итоге можно сказать, что альбом получился мощным и очень позитивным. В конце концов, какая другая группа с полным правом может спеть:

I'M STILL ALONE!
STILL ALIVE!
STILL UNBROKEN!
I'M STILL UNBROKEN!

I ain't never going down!
I'M STILL UNBROKEN!

Demon Hunter  21 фев 2011