К выпуску первого в своей карьере официального аудиосборника (от бонусных DVD с клипами из делюксового издания, равно как и от ремиксов, пусть в какой-то мере и дополняющих однодисковую версию, я решил в данной рецензии по возможности абстрагироваться) восточногерманские гиганты «новой немецкой тяжести» Rammstein подошли с весьма солидным багажом: шесть студийных и два концертных альбома плюс аж двадцать три макси-сингла. И перед составителями компиляции, «базовая» версия которой насчитывает аккурат шестнадцать композиций (надо полагать, по числу лет, охватываемых периодом времени, указанным в названии), стояла, что и говорить, исключительно непростая задача – отобрать из всего этого многообразного мелодико-эмоционального роскошества именно такой материал, который в ограничивающих временных рамках компакт-диска отражал бы путь, пройденный прославленным секстетом за более чем полтора десятка лет, максимально выигрышно. Задача, повторюсь, крайне трудновыполнимая, если учесть, СКОЛЬКО у этой группы стопроцентных хитов, но решена она была, мне кажется, весьма достойно – если и не на «отлично», то уж точно на твердую четверку; тем более что, как известно, на всех не угодишь.

Стартует пластинка – и, надо сказать, довольно предсказуемо – не с одного из тех железобетонно-бронебойных боевиков, коими Rammstein славятся больше всего, а со слегка меланхоличной, но при этом беспроигрышно зажигательной композиции “Engel”, повествующей о чуждости натуры обычных земных людей безгрешности устремлений небесных ангелов и идеально подходящей на роль открывающего номера именно в силу относительной «умеренности» и легкой меланхоличной отрешенности. Следующая же “Links 2 3 4” никакой меланхолией не пахнет по определению: яростная отповедь тем, кто в свое время безосновательно обвинял группу в нацизме, буквально вколачивает в землю сначала мерным топотом солдатских сапог, а затем – неумолимым маршевым ритмом и слегка примитивной, но при этом просто сокрушительной эмоциональностью посыла. Далее – опять же ожидаемо – следует пусть и незначительное, но всё же охлаждение накала эмоций в виде “Keine Lust”, где Тилль Линдеманн с ядовитым сарказмом на грани глумления бичует тупые обывательские представления о жизни рок-звезд. Последующую кульминацию релиза, воплощенную шестью «стержневыми» номерами из репертуара коллектива (“Mein Teil”, “Du hast”, “Du riechst so gut”, “Ich will”, “Mein Herz brennt” и “Mutter”), вряд ли имеет смысл описывать в рамках данной рецензии – настолько те общеизвестны и неоспоримо хитовы. О том же, что слушателя ожидает потом, разговор отдельный и местами не слишком лицеприятный.

В том, что далее слух ласкает скандально известная на весь мир песня откровенно порнографического содержания “Pussy”, лично я большой беды не вижу: в конце концов, с музыкальной точки зрения сработана она достаточно добротно: моментально узнаваема, бесшабашно-отвязна, танцевальна и вполне заслуживает включения в сборник. Покоробило другое: а) с лучшего на сегодняшний день, как мне представляется, альбома “Rosenrot”, буквально нашпигованного абсолютными хит-бомбами типа “Benzin”, “Spring” или “Feuer und Wasser”, в трек-лист попал лишь уныло-пресноватый заглавный номер, интерес к которому способны поддержать лишь философичный текст о гибельности безоглядной страсти и нешаблонный видеоряд; б) скажите вот, читающие эти строки, хоть кому-нибудь из вас нравится неприкрыто «жвачная» “Amerika” до такой степени, чтобы ради ее наличия пожертвовать, скажем, суперхитом “Seemann” или “Rammstein” с дебютного альбома? Да и так ли уж хороша “Haifisch”, при всей своей неординарности нагоняющая уныние с первых же секунд ходульностью ритма и общей снулой предсказуемостью из разряда «ать-два»? Ведь зловещая и при этом мгновенно вовлекающая в поистине адскую круговерть “Ich tu dir weh” с того же последнего полноформатника «убирает» ее по всем статьям, как ни крути. Не говоря уж о том, что в трек-лист, согласитесь, так и просится отсутствующая “Stripped”, ярчайшую «хуковость» и индивидуальность которой не способен заслонить даже факт авторства Мартина Гора из Depeche Mode.

В завершающей части сборника ситуация, однако, полностью выправляется: вряд ли хоть кто-то станет отрицать безоговорочную значимость словно обжигающей нестерпимым и вместе с тем живительным жаром солнечных лучей гимноподобной “Sonne”, трагично-балладной “Ohne dich”, рассказывающей о навеки утраченной любви, или уготованной в качестве сюрприза, абсолютно новой и динамично-освежающей “Mein Land” – гимна вечных странников, не мыслящих, однако, самих себя без родной земли. Короче говоря, картина в целом вполне утешительная и полностью оправдывающая как прослушивание, так и приобретение данного релиза как давними поклонниками Rammstein, так и теми, кто знаком с творчеством этой замечательной группы лишь поверхностно. Подводя итог, не могу не сказать о великолепном, чрезвычайно продуманном и стильном оформлении релиза: выдержанный в белых тонах диджипак содержит буклет с текстами представленных композиций и подробнейшей сопутствующей информацией и несет на себе рельефные изображения голов участников коллектива, выполненные в стилистике античной скульптуры, а заглавные надписи сделаны золотистой краской, придающей артворку ощутимый налет аристократизма. Кроме того, все вошедшие в подборку треки прошли «взаимовыравнивающий» ремастеринг, особенно ощутимый в материале с альбома “Reise, Reise”, изначально смикшированном несколько «размазанно» и глуховато.

Damien   4 май 2014

«Иногда в мире так много красоты, что мне кажется, мое сердце не выдержит. Иногда мне кажется, что я вижу ее всю, и это становится невыносимым. Мое сердце наполняется ею, как воздушный шар, который вот-вот лопнет». – Рикки Фиттс, персонаж фильма «Красота по-американски»

Что ж, если учесть, что никогда не расстававшийся с портативной видеокамерой вышеупомянутый герой голливудского мегаселлера нередко видел и запечатлевал красоту мира в вещах, для среднестатистического обывателя совершенно неинтересных (а порой и вовсе шокирующе-отвратительных), то с Билли Корганом – лидером гремевшей на весь мир в последней декаде прошлого столетия чикагской «альтернативной» рок-группы The Smashing Pumpkins, тогдашние альбомы которой однажды были охарактеризованы как «страдальческие, изобилующие кровоподтеками послания из страны кошмаров Билли Коргана», – его психологически роднит очень и очень многое. О своеобразии и уникальности «Сокрушительных тыкв» в музыкальной среде того времени можно рассуждать долго и обстоятельно; я же по мере возможности постараюсь выразить ее одной фразой: ни один другой коллектив, в той или иной мере осваивавший в ту пору территории гранджа вперемешку с психоделическим роком и шугейзом со всеми их специфическими атрибутами, по большей части довольно далекими от рок-мейнстрима, не звучал настолько доходчиво и подкупающе для обычного неискушенного слушателя, не занимавшегося пытливым разграничением стилистических дефиниций и вдумчивым музыкальным анализом. Сплошь и рядом используя традиционные для своей жанровой направленности средства самовыражения – типичный грязновато-перегруженный звук гитар, местами ломано-рваные ритмы и преимущественно негативистские тексты с изрядным уклоном в самокопание на грани морального мазохизма, группа, тем не менее, практически всегда воспринималась наиболее мыслящей частью аудитории как своего рода свет в конце тоннеля, как обещание выстраданной радости бытия взамен бесцельного существования в атмосфере всеобщей апатии, равнодушия и цинизма – и происходило это потому, что музыка TSP неизменно несла в себе некую первозданную красоту порой трудноуловимой природы. «Тыквы», в отличие от подавляющего большинства смежных коллег по творчеству, никогда открыто не открещивались от «основного потока», а наоборот, стремились уместно использовать его себе на пользу там, где это возможно (особенно характерны в этом отношении альбомы ’95-го и ’98-го годов, где наряду с потихоньку доживавшим свой век гранджем представлены куда более традиционные и массовые жанры в диапазоне от дрим-попа до электроники и даже симфонической музыки).

Примечательным и одновременно немного курьезным считаю то, что многие музыкальные критики, сравнивая вышедшие в одном и том же году суперуспешный альбом “Nevermind” от Nirvana и пусть и не снискавший особого коммерческого успеха «тыквенный» дебютник “Gish” (с него на рецензируемый сборник попали песни “Siva” и “Rhinoceros”; последняя неизменно исполняется на концертах до сих пор), называли TSP «вторыми Nirvana» – данное утверждение при всей стилистической схожести указанных коллективов, общем продюсере в лице Бутча Вига и крайне депрессивном складе характеров Кобейна и Коргана корректным можно назвать лишь с большими оговорками. Превалирующую у сиэтлцев напористо-атакующую манеру, лишь изредка уступающую место лиричности, трудно сравнивать с прослеживающейся в большинстве композиций куда более «просветленных» чикагцев тягой вот именно что к самой настоящей духовной нирване и безмятежности – со стремлением, заслонить которое не в состоянии даже временами предельная жесткость подачи материала. Ярчайший пример противоречивости такого рода – тяжеленная “Cherub Rock” со ставшего для TSP настоящим прорывом лонгплея “Siamese Dream”: при полном отсутствии характерных для Nirvana отголосков панк-рока мощнейший гитарно-барабанный шквал в духе Soundgarden, словно припечатывающий к стене многих не в меру рафинированных и заносчивых «звезд» второго эшелона тогдашней инди-сцены (заклейменных как в издевательском названии «Рок от херувимчиков», так и в тексте песни), органично уживается с в целом довольно расслабленной вокальной манерой, будто демонстрирующей уже тогда накопившуюся в душе Коргана смертельную усталость от извечной околомузыкальной грызни и навязываемых группе стереотипов «правильности». И уж тем более никакого сходства с творчеством Кобейна, Новоселика и Грола не имеет еще один, максимально примечательный номер с того же альбома – “Disarm”, лично для меня являющийся безусловной вершиной творчества TSP, да и вообще чем-то таким, что, явно выходя за традиционные рок-рамки, напрямую апеллирует к любому человеку с еще не омертвелой душой и, согласно названию, попросту обезоруживает. Проникновенные пассажи акустической гитары, мастерски внедренный в ткань композиции эпизодический перезвон колоколов, скорбно-величественные партии скрипки и виолончели, горестный, но чуждый обреченности текст о быстротечности всего земного и ошибках прошлого, которых уже не исправить, и, конечно же, просто потрясающая мелодия буквально выворачивают душу наизнанку.

Проданный в одних только США в количестве более 10 миллионов копий и уверенно занявший первую строчку рейтинга журнала Billboard двойной альбом 1995 года с донельзя «говорящим» названием “Mellon Collie and the Infinite Sadness” (≈ «Меланхолия и бесконечная печаль») представлен сообразно ограниченному формату однодисковой компиляции всего четырьмя композициями (выпущенными, как и бóльшая часть остальных треков со сборника, и на одноименных синглах) – зато какими! Каждая обладает уникальным настроением и собственной аурой, не говоря уже о предельной стилистической индивидуальности. “Bullet with Butterfly Wings” – пожалуй, самая «нирванистая» песня TSP: мощная, по большей части среднетемповая, со сравнительно «мягкими» куплетами и жестчайшим припевом. “1979” – расслабляюще-мечтательный дрим-поп, ода праздности и неспешному блаженному саморазрушению. “Zero” – самый настоящий грандж-шедевр, полный едкой злости и самобичевания. “Tonight, Tonight”, «лунный» клип на которую в свое время не видел, наверно, только слепой, стала для «Тыкв» своего рода пропуском в мейнстрим (весьма, впрочем, условным), на редкость удачно сочетая в себе рок-мелодизм и масштабную оркестровку. Вышеуказанный релиз стал кульминацией в истории группы, буквально раздираемой к тому времени внутренними проблемами, и 1998 год ознаменовался выходом альбома “Adore” со значительным креном в сторону электронной музыки и сокращением состава до формата трио. И хотя пластинка, содержавшая ряд крепких треков (из которых наиболее известны включенные в данный сборник “Ava Adore” и “Perfect”), имела успех, стилистически она оказалась разовым экспериментом. Вышедший же два года спустя альбом “Machina: The Machines of God” пусть и являл собой ощутимый возврат к корням (и не сказать чтобы неубедительный; чего стоят хотя бы такие композиции, как “The Everlasting Gaze” и “Try, Try, Try”), но так и не смог вернуть коллективу былую славу, следствием чего явился закономерный распад последнего. Семью годами позже состоялся «половинчатый» реюнион в лице Коргана и Чемберлина, за которым последовало продолжение карьеры группы в обновленном составе, длящееся и поныне, но к данной рецензии это уже отношения не имеет.

Damien  17 мар 2014

Со времени блистательного возвращения «Алисы в кандалах» с гневным, громогласным, буквально бьющим наотмашь альбомом с донельзя «говорящим» названием «Скорбь уступает место грусти» (где первая, сказать по правде, даже тогда – после без малого десяти лет со дня общеизвестной тяжелейшей утраты – не слишком-то уступила место второй: рана всё еще болела, саднила, кровоточила, никак не желала затягиваться) прошло ни много ни мало четыре года, по прошествии которых ветераны гранджа из Сиэтла наконец разродились новым лонгплеем, названным еще менее оптимистично: «Сюда дьявол поместил динозавров». Что ж, образ нашей многострадальной и притом далеко не безгрешной планеты как обиталища разнокалиберных прожорливых доисторических тварей, руководимых лишь инстинктами и не ведающих пощады, представляется более чем уместным и в наши дни, хотя, конечно, ярости, боли и безысходности на грани безумия в новой работе Джерри Кантрелла, Уильяма Дюволла, Майка Инеса и Шона Кинни заметно поубавилось (особенно это заметно во второй половине пластинки, словно милосердно сбивающей градус накала темных разрушительных эмоций до чего-то более переносимого чисто психологически). И это неудивительно: времена меняются, и мы неизбежно, неотвратимо меняемся вместе с ними – так уж устроен человек, и люди рано или поздно всё же хоронят своих мертвых не только на кладбище, но и внутри себя.

Гнетущая замогильная прямолинейность, на которой преимущественно базировался взрывной хитовый материал “Black Gives Way to Blue”, в большинстве песен сменилась несколько более сложными и разноплановыми композиционными формами и конструкциями, не требующими, однако, от слушателя чрезмерной вдумчивости и позволяющими просто получать удовольствие от прослушивания (и всё же наличие высококлассной звуковоспроизводящей аппаратуры, без труда выявляющей мельчайшие нюансы оригинальной записи и звукоизвлечения и корректно выстраивающей звуковую сцену по ширине, глубине и позиционированию вокально-инструментальных партий, в случае данного конкретного альбома определенно будет нелишним): содержимое релиза, в котором по сравнению с предшественником стало больше традиционно-рóковых составляющих, доставит немало приятных минут даже тем, кто обычно не стремится вникать в детали и слушает музыку в основном для того, чтобы расслабиться и приятно провести время. И даже не сильно продвинутые меломаны, сдается мне, ни за что не пройдут мимо открывающей альбом мощнейшей “Hollow” с постепенно разворачивающейся мелодической интригой на основе мгновенно узнаваемых «фирменных» мрачно-тягучих гитарных секвенций AIC (в воображении невольно возникает ночная парковая аллея в неверном свете старых покосившихся фонарей, одним своим видом вызывающая растущее чувство тревоги и обреченности), нипочем не упустят из виду следующую, выдержанную в примерно той же минорной эстетике, но чуть более прямолинейную и «качающую» “Pretty Done” и уж тем паче обратят внимание на красивейшую полуакустическую “Voices”, словно связавшую незримой нитью день сегодняшний и давно ушедшую эпоху «детей цветов» с их пусть и наивной, но по-своему притягательной верой в чистоту и безгрешность человеческой природы.

Центральная же, «стержневая» композиция альбома – заглавная “The Devil Put Dinosaurs Here” (одна из лучших, на мой взгляд за все время существования группы), где изобретательный и замысловато структурированный в выраженно пространственном ключе музыкальный ряд, отличающийся характерными для ранних AIC гитарными приемами и сдвоенными вокальными партиями, гармонично накладывается на довольно мрачную, замешанную на религиозно-философских аллегориях лирику, суть которой, насколько я понял, вкратце сводится к тому, что реальная жизнь – не сборник заповедей и во многих ситуациях не дает простых ответов на сложные вопросы (если вообще на них отвечает), и то, что хорошо для одних, не обязательно является благом для других. Идущая следом “Lab Monkey” если и уступает “The Devil…” в философичности, то по части музыкального совершенства, напора и эмоциональности подачи отвоевывает позиции с лихвой (тем более что «обезьяна для лабораторных опытов» как метафора населения современного мира, включая «цивилизованные», «демократические» и «законопослушные» страны, убийственно точна). Из дальнейших номеров выделю бодрейшую и оптимистичнейшую – в кои-то веки настоящий радиохит! – “Breath on a Window” (к тому же совершающую ближе к середине безупречное перевоплощение, достойное хамелеона), да еще лишь, пожалуй, не менее бодрый акустический номер с несколько зловещим названием “Scalpel”. Заявленная же на стикере коробки CD как один из хит-синглов “Stone” мне как-то не особо приглянулась ввиду явного переизбытка стилистических заимствований из ранних Black Sabbath. Не обошлось, к сожалению, и без откровенной «ложки дегтя»: две предпоследние композиции, по-моему, вообще «никакие»; от их отсутствия альбом бы лично для меня только выиграл и не грешил очевидной затянутостью.

В завершение не могу не отметить примечательнейшую особенность оформления обложки: то, что вы видите на картинке, размещенной в данном разделе сайта, -– не более чем своего рода тройная голограмма (по-видимому, глумливо символизирующая триединство божественности в христианстве), которая после помещения буклета в коробку диска из красного пластика визуально превращается в альтернативный (он же, по сути, основной) вариант артворка, образно объединяющий в себе, соответственно названию альбома, череп динозавра и обличье Люцифера в представлении средневековых богословов.

Damien  28 дек 2013

Сознавая необходимость в хотя бы частичном регулярном обновлении собственного творческого фарватера, дабы не выпускать из года в год мало отличающиеся друг от друга альбомы, далеко не каждая группа находит в себе силы и умение обновляться действительно ощутимо и в то же время талантливо. Ветеранам же индастриал/ЭБМ-сцены FLA это на сей раз удалось настолько безукоризненно (если не сказать «бесшовно»), что я поначалу даже не поверил своим ушам: кочующей из релиза в релиз выраженной танцевальности стало заметно меньше, музыка местами значительно «похолодела» и как-то по-машинному «обезлюдела», а ритмическая основа стала во многом дабстеповой, при этом если отчасти и утратив мелодическую «хуковость» в ЭБМ-ключе, то очень ненамного и определенно ради чего-то большего и доселе неведомого, чем уже несколько опостылевшие типовые структуры electronic body music родом из Ванкувера. «Взглянуть на машинный интеллект (или, если в более общем смысле, на процессы, происходящие в той или иной среде без участия человека) человеческими глазами и оценить увиденное со всей возможной для человеческого сознания беспристрастностью и эмоциональной отстраненностью» – так бы я, пожалуй, сформулировал основную исходную посылку, от которой, как мне кажется, применительно к музыкальному наполнению альбома без обязательной привязки к названиям и текстам композиций отталкивались его создатели (жутковатое оформление обложки и буклета, пестрящих живыми и мертвыми зубастыми созданиями наподобие роботов-охотников из фильма «Матрица», такому восприятию только способствует). Сохранить полнейшую эмоциональную нейтральность удалось, впрочем, не полностью и не везде (взять хотя бы “Blood”, “Exhale” или “Exo”), но это и хорошо, ибо наглядно подтверждает именно человеческую природу музыкального материала, механистичность и обесчеловеченность которого при всей их кажущейся натуральности порождены пусть и изрядно поднаторевшими в синтезаторно-секвенсорном звукоизвлечении, но всё же людьми.

С перманентной поправкой на вышесказанное описать содержимое альбома можно следующим образом. Открывающее инструментальное интро “Resonance” не несет в себе никаких особенных открытий: достаточно характерная для группы величественно-эпичная тема, плавно вовлекающая слушателя в основное действо (заканчивается интродукция, впрочем, неожиданно дисгармонично и пугающе – примерно в духе ранних работ культовых британцев Godflesh). Второй же номер, “Leveled”, для поздних FLA уже совершенно нетипичен – жесточайшее, во многом диссонантное, насквозь бездушное и «кибернетизированное» перемалывание барабанных перепонок, обладающее при всем том своего рода извращенно-садистским шармом. Стопроцентно танцевальная “Killing Grounds” с ее сокрушительным напором и зажигательностью станет украшением любой дискотеки «не для всех» (тут FLA выдали привычный для себя «условно массовый» железобетонный ЭБМ-хит); а вот о двух следующих композициях разговор особый. Слушая и переслушивая безупречно выстроенную в плане мелодических ходов и аранжировочных решений медленнотемповую, одновременно сладостную и горестную “Blood”, я долго не мог отделаться от ощущения дежа-вю и то и дело спрашивал себя, кого же, чёрт возьми, мне напоминает эта поистине шикарная, предельно эмоциональная и берущая за живое песня о любви и смерти. И, наконец, понял – небезызвестных, чрезвычайно популярных в окологотической среде шведов Deathstars периода двух первых, самых лучших своих альбомов. Уж не знаю, случайное это сходство или преднамеренное (больше склоняюсь к первой версии, тем более что сами Deathstars у кого только ни «драли»), но маститые канадцы, использовав, быть может, какие-то наработки заокеанских электроловеласов, выдали по-своему самобытный шедевр чувственности и проникновенности в музыкальном воплощении. Являющаяся же моим личным безусловным фаворитом “Deadened” демонстрирует именно те черты, за которые я люблю FLA больше многих других коллективов схожей жанровой направленности: пульсирующе-«качающую», едва ли не маршевую ритмику в сочетании с, казалось бы, малоуместной утонченностью, выводящей грозный и брутальный электронный «кач» на уровень Искусства с большой буквы, являющийся для нынешней музыкальной индустрии скорее исключением, чем правилом.

Остальные композиции (особенно выделю мрачнейшую заглавную “Echogenetic”, которая, буквально наэлектризовывая, закручивает мозговые извилины и лабиринты сознания в труднораспутываемый узел, а также устрашающую и одновременно прекрасную в своей машинно-бесчеловечной страхолюдности инструментальную “Prototype”) не уступают вышеописанным практически ни в чем: ни в качестве музыкальной составляющей, ни в разнообразии, ни в убедительности. Альбом, длящийся традиционно для поздних FLA около часа, не утомит вас, я ручаюсь, ни в малейшей степени; более того – и в этом я также совершенно уверен – многим из вас захочется переслушивать его снова и снова, и всякий раз вы будете обнаруживать для себя нечто, не вполне замеченное и не до конца оцененное ранее. Таков удел по-настоящему великих произведений, притягательность которых не только не ослабевает, но и порой лишь усиливается с течением времени.

Damien  28 дек 2013

Время неумолимо летит вперед, стрелки часов с годами всё быстрее отсчитывают свой ход, и не приходится удивляться, что некоторые музыкальные коллективы, не так давно бывшие предметом обожания сотен тысяч и миллионов поклонников во всем мире (включая автора этих строк) и, увы, распавшиеся каких-то полтора десятка лет тому назад, сегодня, даже после сравнительно недавнего воссоединения, не могут похвастаться и десятой долей той популярности, что сопутствовала им в сравнительно недалеком прошлом. И прославленный квинтет Faith No More из Сан-Франциско — нагляднейший тому пример: по-прежнему собирая аншлаги в ходе мировых турне, группа, тем не менее, давно уже не «на слуху» и просто, так сказать, стрижет купоны в основном со своих былых фэнов, бóльшая часть которых давно разменяла четвертый, а то и пятый десяток. Никогда не забуду, как пару лет назад, заслышав перед концертом в одном из московских клубов включенную «фоном» для скрашивания ожидания действа “Last Cup of Sorrow” — одну из лучших композиций поздних FNM, шикарный «апокалипсический» клип на которую в свое время интенсивно транслировался на MTV, — и обратившись за эмоциональной поддержкой к одному из тогдашних спутников, который моложе меня примерно вполовину («Бог ты мой, да это же Faith No More!»), я не увидел в выражении его лица, на котором, что называется, не дрогнул ни один мускул, ни малейшего отклика, АБСОЛЮТНО НИЧЕГО: было совершенно очевидно, что для него это пустой звук (при том, однако, что группа, на концерт которой мы пришли, еще старше, тоже воссоединилась (хотя и гораздо раньше) и сознательно не выпускает новых альбомов, но аккурат в русле его музыкальных пристрастий).

В связи с вышесказанным весьма отрадно, что лейбл Warner Music время от времени выбрасывает на рынок всевозможные компиляции, в той или иной мере подогревающие интерес нового поколения меломанов к творческому наследию былых мегатитанов альтернативной сцены, одна из которых и предлагается вашему вниманию. Главной мишенью для критики любого сборника музыкальных хитов (особенно однодискового) обычно является подборка треков; не станет исключением и данный релиз. И в самом деле, ну на кой рожон понадобилось включать сюда аж 5 композиций с пусть и мультиплатинового и ставшего для группы прорывом “The Real Thing” [’89] (особенно возмущает присутствие довольно пресных и унылых, как диетический сухарь, “Underwater Love” и “Edge of the World” и отсутствие на их фоне абсолютно шедеврального, многопланового и завораживающего инструментала “Woodpecker from Mars” или просто убийственного, практически трэшевого боевика “Surprise! You’re Dead” с того же альбома) и при этом лишь мельком затронуть крепчайший, как по мне, “King for a Day…” [’95], с которого в сборник попали только несколько однообразная и предсказуемая “Ricochet” и намеренно мэйнстримовая, предельно благозвучная и «аристократичная» “Evidence” с мощным фанковым «стержнем» и густым пряным привкусом ретро (а где же агрессивно-припанкованная и при этом красивейшая “Digging the Grave” или, скажем, прямо-таки источающая маскулинность и одновременно какую-то убаюкивающую пасторальность — чрезвычайно, кстати, характерное сочетание для FNM — “Take This Bottle”)?! И зачем, спрашивается, сюда, как и на гораздо более раннюю видеоподборку “Video Croissant” [’93], опять впихнули отдающую каким-то восторженным слабоумием “Anne’s Song”, когда на ее место так и просится пусть и не затронутая клипмейкерами, но действительно интересная и нешаблонная “Introduce Yourself” (да и не она одна) с одноименного альбома [’87]?.. (Список претензий к составителю можно продолжить, и уж коль скоро на вкус на цвет товарища нет, то м-р Бен Листер по отношению ко мне точно таковым не является.)

Теперь о приятном (во всяком случае, лично для меня) — о предельно возможном охвате в пределах однодисковой компиляции того абсолютно эпохального и поначалу недальновидно охарактеризованного боссами рекорд-лейбла как «коммерческое самоубийство» альбома, который в итоге буквально взорвал тогдашнюю рок-индустрию (и продолжает будоражить музыкальный мир по сей день), со всей очевидностью доказав, что пускай и нечасто, но всё же бывают ситуации, когда для тех сравнительно немногочисленных исполнителей, которые не боятся по-настоящему экспериментировать в рамках жанра и при этом обладают подлинным художественным талантом, нет ничего принципиально непреодолимого. Речь, конечно же, об “Angel Dust” [’92]. Эта в высшей степени незаурядная запись не просто подтвердила общеизвестную еще со времен “The Real Thing” способность «отныне отринувших всякую веру» искусно вплетать в преимущественно фанковую структуру композиций потрясающе красивые мелодические ходы самой разной стилистической природы и степени «тяжести» (причем во многом посредством клавишных, что для тогдашнего альтернативного рока было довольно необычно), но и вывела ее на принципиально новый уровень: послушайте хотя бы бесподобную “Midlife Crisis” (и заодно посмотрите не менее шикарный клип, где проблема пресловутого кризиса среднего возраста воплощена чрезвычайно образно и доходчиво — в виде одной из средневековых форм четвертования, хе-хе…), в которой чего только не намешано (включая хоровые вставки в духе африканских туземцев) и при этом слушается всё предельно монолитно и органично, сравните ее со всем тем, что вы слышали на альбоме трехлетней давности, и почувствуйте колоссальную разницу в подходе и подаче! Музыка не стала менее эклектичной (куда там!..) — она неким труднопостижимым образом стала, хм… гораздо «универсальнее» и определенно намного «взрослее». Даже вокал стал другим — более глубоким и мужественным (и слава Богу): куда-то почти повсеместно улетучились клоунские стёбово-блеющие интонации, которые меня, признаться, при всей их уместности в контексте песен с альбома ’89 года и, соответственно, концертника ’91-го изрядно раздражали на подсознательном уровне, и Майк Паттон во многих пассажах процентов этак на девяносто (пока что) раскрылся как вокалист высочайшего класса по любым мыслимым меркам. Никак не могу пройти мимо еще одной вошедшей в сборник песни с того же альбома — “A Small Victory”. Обыгрываемая в тексте и вокально-мелодических линиях с легким бравурным сарказмом извечно американская тема «Жизнь как бесконечное соревнование с окружающими» ближе к середине вдруг начинает приобретать отчетливо трагичные, предостерегающие нотки; и когда вдруг раздается мастерски внедренный в гитарно-клавишные пассажи вой сирены воздушной тревоги (им же композиция и завершается), лично я всякий раз поневоле холодею и покрываюсь мурашками — настолько это убийственно и «в тему» (здесь просмотр видеоклипа тоже не помешает, хотя и снят оный уже в откровенно аллегоричном «милитаристском» ключе).

Вообще говоря, тема трагизма человеческого существования и, безусловно, наиболее зловещего и неумолимого из врагов рода человеческого — смерти — так или иначе присутствует во всем творчестве FNM, в связи с чем, дабы закончить рецензию, позволю себе примерно процитировать по памяти прелюбопытнейший фрагмент (точнее, концовку) интервью более чем 20-летней давности, состоявшегося на одной из московских радиостанций за несколько часов до первого российского концерта группы на Малой спортивной арене «Лужников», который я имел счастье посетить (не помню точно, кто задавал вопросы (в голове, однако, почему-то так и вертятся Тутта Ларсен и Александр Ф. Скляр) и кто именно из участников коллектива на них отвечал (кажись, басист Билли Гулд и клавишник Родди Боттум), но это, полагаю, не так уж важно):
В.: — В ваших видео встречаются странные, порой малопонятные образы и аллегории. Вы сознательно мистифицируете аудиторию, или, быть может, мы просто чего-то не понимаем из-за разницы в менталитете и культурных различий?
О.: — Для нас странен и малопонятен как раз ваш вопрос [общий дружный смех]. Что конкретно вы имеете в виду?
В.: — Ну, взять хотя бы выброшенную на берег, бьющуюся и задыхающуюся от нехватки кислорода рыбу почти в самом конце клипа “Epic”. Как это связано с содержанием песни, что это означает?
О.: — Хм, действительно странно, что вы об этом спрашиваете. Аллегорический смысл этого образа очень простой: смерть человека.
В.: — Но ведь люди умирают совсем не так…
О.: — Да что вы, ребята, именно так и умирают люди — словно выброшенная на берег рыба, которой больше нечем дышать.

Damien  15 дек 2013

Задумываясь о причинах относительно скромного успеха той или иной именитой группы на заре ее карьеры, всегда рискуешь, как, например, в случае с Iron Maiden и Полом Ди’Анно, впасть в упрощенческую констатацию типа «они сменили вокалиста, и перед ними наконец открылись все двери». И, тем не менее, в ситуации с молодым калифорнийским коллективом, только начинавшим приобретать популярность в андеграундной среде середины и второй половины 80-х годов благодаря поддержке даже не столько сравнительно скромного местного рекорд-лейбла Slash Records, сколько охочей до всего нового и неизведанного аудитории студенческих радиостанций тамошних университетских кампусов, положение дел, по большому счету, обстояло именно так: развитие группы, обладавшей колоссальным творческим потенциалом и нешуточными исполнительскими возможностями, наглухо тормозилось наличием в ее составе перманентно ужратого и/или обдолбанного маргинала в роли фронтмена (к тому же выглядевшего, да простят меня поборники расовой политкорректности, как самая настоящая тупоголовая обезьяна, одна лишь физиономия которой (не говоря уже о «вокальных данных») – весомейший аргумент в пользу апартеида). Примечательно, однако, и то, что если вышеупомянутый горе-«конь» и «испортил борозду» на втором альбоме FNM с красноречивым названием «Представься», то всё же не слишком сильно – коллеги не дали, да и сопродюсер в лице небезызвестного Мэтта Уоллеса, работавшего с группой до 1992 года включительно, постарался по мере возможностей «залатать дыры».

С учетом всего вышесказанного удовлетворенно замечу, что рецензируемая пластинка представляет собой в целом довольно мощное и забористое музыкальное «варево», в котором самым причудливым образом и в самых разных пропорциях перемешались и сплавились воедино фанк, пост-панк и традиционный «металл». Музыку ранних FNM чрезвычайно непросто стилистически классифицировать и разложить по полочкам хотя бы потому, что ничего подобного до них просто никто не играл. Cразу же отмечу, что к ультрамодному в те времена гранджу FNM никогда не относились никаким боком, подчеркнуто дистанцировавшись от тогдашнего массового помешательства на данном направлении альтернативного рока. Можно даже сказать, что и фанк – стержневой элемент музыки «фэйтноуморовцев» – никогда не являлся для них самоцелью: это очевидно хотя бы на примере заглавной “Introduce Yourself”, представляющей собой по большей части панк-рок чистой воды. FNM, по сути, никогда и не играли фанк-рок в чистом виде, в отличие, к примеру, от своих соотечественников Primus, а лишь, что называется, «давали фанка» только там, где это было оправданно с точки зрения построения композиции (ярчайшие тому примеры – открывающая альбом мощнейшая, величественная, как въезд древнего полководца в завоеванный город, “Faster Disco” и не менее великолепная, буквально завораживающая и временами заставляющая затаить дыхание “Chinese Arithmetic”). И даже переигранная в обновленной аранжировке “We Care a Lot” с одноименного дебютного альбома, являющая собой, конечно же, самый настоящий утяжеленный синкопированный фанк высшей пробы, одновременно «грешит» вполне традиционным рóковым припевом.

Подытоживая, не могу, разумеется, не отметить главное, на мой взгляд, достоинство альбома – стопроцентную свежесть и инновационность творческого подхода, заставляющую порой с легким сердцем закрывать глаза на некоторые «шероховатости». Как не могу, естественно, пройти мимо и того факта, что данную работу ни в коей мере не следует считать черновиком грядущих шедевров FNM: гораздо уместнее в данном контексте термин «ступень» – причем единственная в своем роде и абсолютно самодостаточная. После выхода альбома Чак Мосли, возомнив себя, должно быть, новоявленной суперзвездой, «слетел с катушек» окончательно и бесповоротно; пьянки, трипы и сопутствующие безумства стали учащаться и приобретать всё более патологический характер, и драка с гитаристом Джимом Мартином, в результате которой у последнего оказалась сломанной рука, стала закономерным финалом музыкальной карьеры безудержного буяна на тот момент. Ну а дальше, с судьбоносным приходом Майка Паттона, началась, как известно, совсем другая история Faith No More, освещение которой в рамках данной рецензии логически нецелесообразно.

Damien  15 дек 2013

Факторы, определившие яростно отторгаемый наиболее консервативной частью фэн-сообщества Morbid Angel непривычно «околоиндустриальный», а порой и отчетливо ню-металлический облик новейшего релиза титанов олдскульного «чернушного» техно-дэта, мне, как ни странно может показаться, представляются вполне очевидными, ожидаемыми и закономерными. Дойдя без всякой посторонней помощи десятилетие назад до прогнозируемого и совершенно логичного на тот момент творческого тупика, показательнейшим итогом которого стал пусть и супертехничный, но по большей части откровенно скучный и проходной альбом “Heretic”, группа сама поставила себя в такое положение, единственным продуктивным выходом из которого виделась хоть и не слишком кардинальная (пусть даже и временная), но всё же ощутимая смена творческих ориентиров, только и способная в контексте текущих реалий вывести коллектив из застоя и стагнации и хотя бы частично вернуть ему былую славу. И слишком уж мудрствовать и изобретать тут ничего особо не пришлось, да и обстоятельства сложились в целом благоприятно: группа перешла с лейбла Earache на Season of Mist, где обрела куда бóльшую творческую свободу, а вернувшийся взамен закоренелых дэтстеров Стива Такера и Джареда Андерсона (R.I.P.) прежний фронтмен Дэвид Винсент, давно тяготевший к индастриалу и в течение «такеровского» периода MA самореализовывавшийся в составе собственной группы той же стилистики с фривольно-«говорящим» названием Genitorturers, уверенно взял бразды правления в свои руки и на пару с Треем Азагтотом при поддержке двух новых музыкантов — гитариста Тура Андерса Мюрена (ex-Zyklon) и барабанщика Тима Юнга (Hate Eternal) — явил миру во многом доселе неслыханное, но столь же богохульное и асоциальное, как и прежде, творение под латинским названием “Illud Divinum Insanus” («Это божественный безумец»). В музыке, где чистого дэта стало сравнительно мало (а там, где он есть, скорее подпадает под определение «экстремальный металл»), отчетливо зазвучали отголоски «тоталитарных» словенских электронщиков Laibach — старых знакомцев и коллег по миньону “Laibach Remixes” (’94) — вкупе с характерными модными «фишками» в духе икон «альтернативного» металла Мэрилина Мэнсона и Роба Зомби. Альбом «выстрелил» не хуже некоторых других релизов культовых составов, выпущенных после многолетнего затишья, но я отнюдь не уверен, что благоприятный итог сего начинания был бы гарантирован изначально, не вложи в него каждый из участников проекта частицу собственной души: пластинка буквально источает вдохновение и искренний порыв.

Я не музыкант и музыкальной теории не обучен, но чисто интуитивно могу, как мне кажется, уверенно вычленить и вкратце сформулировать ту исходную посылку и основообразующую «синергетическую» компоненту, которая была принята на вооружение создателями альбома: намеренно придерживаясь как можно более простой структуры композиций, смешивая заранее выбранные стилистические ингредиенты (см. выше) в любых желаемых, но всегда целесообразных пропорциях и усложняя композиционные решения только там, где это звучит действительно выигрышно и усиливает эмоциональный эффект, добиваться максимально возможной «ударности» воздействия на слушателя в рамках концепции того заявленного в названии альбома безумия, которое если и можно назвать божественным, то лишь применительно к Люциферу — с приставкой «анти». Градус дьявольщины здесь откровенно нешуточен, и именно поэтому те юродствующие во Христе, которые зачем-то слушают тяжелую музыку, шарахаются от альбома, как чёрт от ладана (проверено на практике) — не в последнюю очередь благодаря могучему, по-настоящему величественному, преимущественно инструментальному интро с инфернальными хоралами “Omni Potens” («Всемогущий»), стилизованному под классические увертюры со струнными, духовыми и ударными и словно провозвещающему долгожданное восшествие полноправного хозяина мира на престол оного. Следующий, буквально брызжущий ненавистью к «нормальным» обывателям и исполненный, что примечательно, на двух языках — английском и испанском, номер “Too Extreme” («Слишком экстремальны») в общих чертах информирует ошарашенного слушателя о том, чего примерно ожидать от альбома в дальнейшем: жесткого (хотя и по большей части несколько примитивного) индастриала, в той или иной мере местами «скрещенного» с трэш-, дэт- и ню-металлом. Среди чисто «металлических» композиций наиболее олдскульна ультраскоростная “Blades for Baal” («Клинки для Ваала») с изумительно красивыми гитарными соло ближе к концу, а самая яркая и запоминающаяся — своего рода гимн Morbid Angel в их нынешнем виде под красноречиво-непритязательным названием “I Am Morbid” («Я мерзок»); последняя безупречна, гимноподобна и цепляюща настолько, что ради нее я готов безоглядно простить альбому все его огрехи. Еще одна песня высочайшего уровня — стопроцентно мэйнстримовая, практически танцевальная и опять же дающая «воцерковленным» крепчайшего пинка “Radikult” («Радикальный культ»), где потрясающе выразительный вокал Винсента и взрывная «качающая» ритмика с ходу отметают все мыслимые претензии к группе в ее теперешней ипостаси: ЧЕРТОВСКИ красноречивый и убедительный финал*, дамы и господа.

* Это предпоследний трек на альбоме перед суматошным калейдоскопом под названием “Profundis – Mea Culpa” («Глубины – Моя вина»), но, как справедливо замечено в одной из более ранних рецензий, лучше бы он и впрямь был последним.

Damien  15 ноя 2013

Восемь номерных и один концертный альбом, три мировых турне и внушительная (пусть и сугубо андеграундная) фэн-база по всему миру за 20 лет творческой деятельности – более чем весомый повод для выпуска сборника, насчитывающего опять же ровно два десятка композиций (думаю, именно таков был замысел составителей). Что ж, перед нами действительно отборный, высочайшего качества материал категории the best of, единственным, условно говоря, недостатком которого (увы, неизбежным в силу изрядной разносторонности творческих устремлений и метаний TYG) является крайняя стилевая эклектичность, несколько затрудняющая целостное восприятие представленной подборки. Но чем больше проникаешься услышанным (даже если треки с какого-то ранее не слышанного альбома слышишь впервые), тем глубже и отчетливее понимаешь стержневой вектор творчества коллектива, изначально исключающий простые, стандартно-традиционные пути самовыражения и неизменно несущий в себе подлинную страсть и тягу к неизведанному наряду с переосмыслением былых достижений – как чужих, так и собственных. «Не так уж важно, какие именно “ингредиенты” используются для приготовления того или иного музыкального “блюда”; главное, чтобы само “блюдо” было безукоризненным, даруя слушателю наряду с “голым”, бездумным наслаждением драгоценную возможность по-настоящему над чем-то задуматься и тем самым расширить горизонты собственного сознания» – примерно так я бы определил творческое кредо швейцарских «Молодых богов» на всем протяжении их карьеры.

Первой в треклисте числится абсолютно новая композиция “Secret”, два года спустя включенная в новый альбом: жесткий индастриал в припевах здесь органично уживается с в целом тоже не слишком ласкающими слух трип-хоповыми куплетными построениями в фарватере Бьёрк и Aphex Twin. Далее более-менее равномерно представлены все «номерные» релизы группы на тот момент, треки с которых жанрово варьируются от причудливого «коктейля» из панка, индастриала, готик-рока, дарк-кабаре и неоклассики (‘87–’89 гг.) до психоделик-индастриала с изрядным коммерческим «запалом» (’92 г.) и сравнительно мягкого индастриал-эмбиента с местами выраженно «космическим» акцентом (’95 и ’00 гг.; применительно к альбому “Only Heaven” мягкость, впрочем, эпизодическая и по большей части оставленная «за бортом» данного сборника). Мне не хотелось бы подробно останавливаться в этой рецензии на перепевках пары зонгов за авторством Вайля, Брехта и Андерсона с кавер-альбома ’91 г.; скажу лишь, что они весьма достойны и самобытны. Если же говорить о личных предпочтениях, то на момент написания рецензии я бы к таковым отнес ранее описанные мною в обзорах на соответствующие лонгплеи “Gasoline Man”, “L’Amourir”, “Charlotte” плюс ввергающую в блаженный транс почище любых «веществ» “Toi du Monde” и – что стало для меня настоящим сюрпризом, т.к. на “Only Heaven” эта песня звучит откровенно чужеродно, несколько теряясь на общем спейс-эмбиентном фоне, – трагично-проникновенную “Child in the Tree”, основанную на реальной истории смерти от передозировки героина молодого человека, спрятавшегося на дереве от цюрихской полиции.

Damien  29 окт 2013

Второй альбом швейцарских индастриал-авангардистов The Young Gods – продукт определенно не для массового потребления. Сочетая в себе характерные элементы французского шансона, «канонической» классической музыки, неоклассики с выраженно «готическим» уклоном, дарк-кабаре и типично западноевропейского припанкованного жесткого индастриала времен его становления, он и по сей день остается настоящим лакомым куском для сравнительно немногочисленных музыкальных гурманов, ценящих в музыке прежде всего нешаблонность подхода и практически единодушно присвоивших данной работе TYG статусы “masterpiece” («шедевр») и “milestone” («веха»). И уникальность данного релиза тем ценнее, что это не усредненно-европейский, а именно эксклюзивно-швейцарский продукт, словно говорящий слушателю: «Да, мы поем по-французски, но мы не французы с их исторически сложившимся ментальным комплексом европейской сверхдержавы и ныне смехотворным высокомерием по отношению к «чужакам» той же расы и вероисповедания. Да, у кого-то из нас немецкие корни, но мы не немцы – не расчетливо-скрупулезные педанты, а скорее рассеянно-беспечные, безоглядно влюбчивые романтики, взращенные в собственной, абсолютно уникальной культурной среде и атмосфере, уже много столетий не знавшей диктаторов, войн и имперской «промывки мозгов». С живущими же преимущественно на юге и юго-востоке страны итало-швейцарцами нас роднит, пожалуй, лишь темперамент, сдерживаемый, однако, типично нашей, более «северной» рассудительностью, в целом не свойственной потомкам Данте и Петрарки». (Последняя фраза несет в себе, увы, изрядную толику горькой иронии, неразрывно связанную с реальностью: клавишник Чезаре Пицци – единственный в группе этнический итальянец – покинул ее вскоре после записи альбома вслед за ушедшим ранее барабанщиком Франком Банý и навсегда перестал заниматься музыкой.)

Общая атмосфера альбома буквально пропитана чем-то таким, что лично я бы охарактеризовал как «слегка осовремененное средневековье с изрядной примесью буржуазного декаданса эпохи Бодлера и Рембó». При этом мастерски выстроенное и оформленное, буквально витающее в воздухе единство эстетически-эмоционального посыла незримо сплачивает между собой казалось бы совершенно разнородные по духу и подаче композиции – такие как, например, слезливо-жалостливая кабаре-ода “Charlotte” («Шарлотта») и следующая за ней чрезвычайно агрессивная, «индустриально» холодная и безжалостная “Longue Route” («Долгая дорога»). Проходных песен нет, уместность каждой очевидна на 100%; но если всё же затронуть практически неизбежный для музыкальной рецензии аспект личных предпочтений, то к таковым я, пожалуй, отнес бы «открывающий» номер “La Fille de la Mort” («Дочь смерти») – верх вышеуказанных медиевальности и эмоциональности, “Crier les Chiens” («Войте, псы») – мощный «качающий» индастриал, своего рода эксклюзивное воплощение агрессивного изящества, сработанное по беспроигрышному в исполнении TYG рецепту «зловещий «шаманский» вокал + ритмическая интрига + удивительное разнообразие мелодических ходов», и аналогичную по набору выразительных средств, но более традиционную в ритмическом плане “L’Amourir” («Ритм любви»). Дополнительную притягательность релизу придает то немаловажное обстоятельство, что сплошь франкоязычные названия и тексты композиций переведены на английский и размещены в буклете на обоих языках, дабы донести содержание и общую концепцию лирики до максимального числа купивших альбом (такого рода совестливая забота о фэнах присуща, насколько я помню, только еще одному музыкальному коллективу – готик-рокерам Lacrimosa, соотечественникам TYG). Не проходите мимо этого альбома: он, может статься, затронет в вашей душе такие сокровенные уголки и потаенные струны, о наличии которых вы и не подозревали.

Damien  21 окт 2013

Если вы по каким-то немыслимым причинам до сих пор визуально не приобщились к настоящему, неподвластному никаким сиюминутным трендам и веяниям трэш-металу в его предельно аутентичном и агрессивном проявлении в лице группы, название которой прекрасно известно даже тем, кто трэш не переносит на дух, то эта видеозапись определенно для вас. Запечатлевшая Slayer на пике творческой и исполнительской формы без малого два десятилетия назад, содержащая помимо концерта закулисные съемки разных лет (включая те былинные времена, когда за барабанами восседал Дейв Ломбардо, а у тогда еще худощавого Керри Кинга была густая шевелюра), максимально продуманно скомпилированная на этапе пост-продакшена, изначально изданная в формате VHS и три года назад переизданная на DVD, она является подлинно историческим документом во многом уже ушедшей эпохи в истории тяжелой музыки. Спешу, однако, сразу предупредить, что непременным условием для ее просмотра является недюжинная крепость нервной системы и стойкость к таким зрительным раздражителям, как, например, фэн-шрамирование логотипа скальпелем на предплечьях с последующим смыванием потоков крови спиртом и его поджиганием или зрелище толпы полубезумных фэнов (в том числе опять же окровавленных в результате давки и/или стычки с полицией), чуть ли не перегрызающих проволочно-сеточное ограждение территории концертной площадки. Общеизвестные богоизбранность и исключительность великого американского народа, как бы автоматически позволяющие ему бомбить и учить демократии, этикету, да и просто правилам поведения в цивилизованном обществе другие, менее полноценные и просвещенные нации, означают, по-видимому, также и то, что многие его представители («америконы», если по Керри Кингу) сами вовсе не обязаны (да и кто их обяжет?) хотя бы минимально держать себя в рамках приличия и цивилизованности – подобного вы здесь насмотритесь вдосталь. Среди бережно задокументированных непотребств – ставшее, похоже, привычным еще тогда массовое глумление над засыпающим где попало с перепоя Джеффом Ханнеманом, радостное поджигание барабанщиком Machine Head, летящих со Slayer в одном самолете, собственных кишечных газов, незатейливые игры вроде расшибалочки в редкие часы досуга (проблеваться почему-то особенно охота именно от этого зрелища)… Здесь позволю себе остановиться (должны же, в конце концов, остаться какие-то сюрпризы) и с облегчением перейти к «стержневому» компоненту релиза – концерту в г. Меса, штат Аризона.

Концерты таких редких по уровню эмоционального воздействия на ЛЮБОГО слушателя коллективов, как Slayer, обычно крайне сложно описывать в стандартном пресно-суховатом повествовательном ключе типа «сыграли это», «не сыграли то», «особенно впечатлила самоотдача и профессионализм (имярек) в композиции №…» и т. п. – эта группа, независимо от размеров и престижности площадки, всегда просто выходит и рвет аудиторию в клочья. Рецензируемое выступление, однако, является исключением в том плане, что содержит аж пять песен со ставшего в определенном смысле переломным для группы альбома “Divine Intervention”, продвигаемого тогдашним турне и довольно сильно выделяющегося на фоне прежних как наличием множества смен темпа и ритма и в результате заметно усложнившейся структурой ряда композиций, так и поначалу немного непривычной манерой игры нового ударника Пола Бостафа (ex-Forbidden). И новый «конь», надо сказать, «борозды не испортил» ни на йоту: пусть и отличаясь от Ломбардо некоторой «механистичностью» исполнения барабанных партий (а не отличаться от Дейва невозможно в принципе – это уникальный барабанщик), он, тем не менее, блистательно «вытягивает» технически-композиционные элементы любой сложности, оставляя ощущение крепчайшей и надежнейшей «рабочей лошадки» (а лучший комплимент в адрес замены Ломбардо вряд ли возможен). Настроением же аудитории мастерски дирижирует Том Арайя: публика воспринимает его как своего рода гуру, беспрекословно следуя его указаниям. И, разумеется, нельзя не отметить недавно ставшую, увы, ушедшей в прошлое частью истории прославленную гитарную «связку» Slayer: физическая и исполнительская форма Керри Кинга и Джеффа Ханнемана просто отменна, ни на одном другом видеорелизе группы (а это первый официальный) они не выглядят настолько хорошо, свежо и, я бы даже сказал, молодцевато. Невзирая на оговорку в начале абзаца, отмечу и максимальную выверенность сет-листа, составленного пусть и с явным упором на последний альбом (а иначе, если по логике, и быть не могло), но в остальном в примерно равной степени охватившего все периоды творчества коллектива (разве что из “Seasons in the Abyss” уж могли бы, наверное, сыграть что-нибудь еще, кроме “War Ensemble”; но данный лонгплей со всей возможной полнотой был охвачен в предыдущем турне, так что и тут все логично).

С первых же секунд шоу, открываемого без всяких вступительных интро апокалиптически-сметающей “Raining Blood”, в зале начинается форменное безумие: в первых рядах спонтанно формируется кружок слэммеров; многие пытаются прорвать практически непроницаемый кордон секьюрити и забраться на сцену – их стражи порядка довольно внушительного вида и телосложения бесцеремонно, но без членовредительства выкидывают обратно в толпу. В связи с этим выделю один эпизод, логически откровенно выпадающий из контекста в целом корректного отношения к публике и являющийся, я уверен, не более чем топорно смонтированной фальсификацией, от которой становится даже несколько не по себе. Какой-то не в меру упитанный детина-мекс простодушно, с широченной ухмылкой и, очевидно, безо всякого злого умысла показывает видеооператору средний палец, после чего Арайя, подойдя к краю сцены, наносит залихватский удар ногой, но по чему именно, не видно (думаю, по брошенному кем-то пластиковому стакану из-под пива или какой-нибудь аналогичной фигне); далее следуют кадры, где чья-то плохо различимая увесистая тушка бодро летит от сцены в сторону зрителей (по-видимому, отброшенная всё теми же секьюрити); а затем вновь показывают Арайю с каким-то чуть ли не по-садистски злорадным выражением лица типа «знай, блядь, наших!». То, что это фейк, ясно хотя бы из того, что паренек спокойно стоял в первых рядах, явно не собираясь лезть на сцену, вследствие чего у Арайи достать до него ногой не было никакой возможности (да и не того склада он человек, чтобы со смаком бить собственного фэна по голове). Другой же фрагмент концерта, имевший место, в отличие от вышеописанного, на самом деле, вызывает куда более позитивные и одновременно зловещие эмоции – речь, конечно же, о кавере на бессмертную, патологически агрессивную и как нельзя лучше вписывающуюся в кроваво-оккультную ауру калифорнийского «Убийцы» композицию “Witching Hour” с дебютного альбома “Welcome to Hell” британских адептов протоблэка Venom, исполненную совместно с Роббом Флинном (гитара, лид-вокал) и Крисом Контосом (ударные) из «разогревающих» Machine Head (последний лупит так, что чуть ли не разносит ударную установку Бостафа). На этом, думаю, имеет смысл поставить точку, ибо вряд ли какие-то дальнейшие описания помогут вам составить для себя более цельную картину того, что хотя бы раз в жизни нужно увидеть и услышать самому – КОНЦЕРТА SLAYER.

Damien  14 окт 2013

«Ты хорош настолько, насколько у тебя хватает сил держаться на плаву». – Фредди Меркьюри

Великий Лицедей знал, чтó говорил. Есть тут, правда, одна неизбежная недосказанность: держаться на плаву можно по-разному. У таких, как автор цитаты, вселенски редких личностей, наделенных безграничным талантом и безошибочным эстетическим чутьем, это всегда получается блистательно и неподражаемо; неизмеримо большее число подвизающихся на музыкальном поприще откровенно и привычно из года в год эксплуатируют одни и те же успешные наработки прошлого, время от времени привнося в них лишь толику новизны; но наиболее неоднозначная и нередко прискорбная ситуация имеет место тогда, когда нешаблонный и действительно одаренный коллектив типа TYG вдруг решает сделать альбом по стандартно-усредненным жанровым лекалам, вкладывая в это изначально сомнительное предприятие кучу времени, сил и свободно конвертируемых дензнаков. Именно это, как мне представляется, и произошло с месье Трайхлером сотоварищи, когда те, вдоволь обласканные любовью преданных фэнов, неизменной успешностью предыдущих релизов и высокими позициями в музыкальных чартах, впервые получили по-настоящему большие деньги на запись нового лонгплея (ни на одном другом альбоме «Молодые боги» не звучат настолько здóрово – практически эталонно; качество продюсирования, сведения и мастеринга слышно с первых же секунд воспроизведения). Нет, гора родила не мышь (утверждать обратное было бы явным преувеличением), однако конечный результат указанных вложений едва ли, положа руку на сердце, полностью удовлетворил хоть кого-то, кроме авторов и создателей музыкального материала (да и то не факт).

Стилистический вектор “Only Heaven” можно определить как преимущественно довольно мягкий (если не сказать «беззубый») индастриал, густо замешанный на спейс-эмбиенте. Весьма специфическое и далеко не всем подвластное, данное жанровое ответвление откровенно плохо укладывается в те нонконформистские стилистические рамки, с которыми группа прежде неизменно ассоциировалась: нестандартность, авангардность и временами агрессивность творческого подхода по большей части уступили место чему-то такому, что лично я бы охарактеризовал как «пропитанная флёром псевдоинтеллектуальности щадящая электронная музычка для релаксирующих состоятельных господ». На общем безлико-убаюкивающем фоне сколько-нибудь ощутимое стабильное внимание привлекают максимум три-четыре композиции из одиннадцати (альбом, замечу, безбожно затянут и в один присест слушается с трудом): “Strangel” (реально жесткий и убедительный номер, логически продолжающий собой материал предыдущей пластинки и немного напоминающий «хуковые» хиты Nine Inch Nails), следующая за ней “Speed of Night”, отдаленно ассоциирующаяся с психопатически-эскапистской “Run Like Hell” от Pink Floyd и наглядно иллюстрирующая общим настроем быстротечность и бренность людских устремлений, и, конечно же, “Kissing the Sun” – бесспорный хит, элегантно построенный на контрасте нот агрессии и обреченности (своего рода крайне противоречивый микрокосм человеческой личности), и его талантливая инструментальная вариация в конце альбома. Остальные же позиции не то чтобы провальны – они по большей части, кроме пары коротеньких «цепляющих» интродукций, просто-напросто откровенно скучны и предсказуемы.

Мне бы, однако, не хотелось заканчивать обзор на столь пессимистичной ноте (в особенности потому, что я вовсе не уверен в неоспоримости приведенных доводов), в связи с чем, вспомнив мудрый постулат древнеримского права “Audi alteram partem” («Выслушайте и другую сторону»), я хотел бы дать слово Францу Трайхлеру, сказавшему в одном из тогдашних интервью следующее: «”Only Heaven” – во многом продолжение “T.V. Sky”, но одновременно это возвращение к экспериментаторству нашего первого лонгплея. На него определенно оказала влияние эмбиентная сцена, что выразилось в многослойности звучания, и всё же основная идея продолжает линию, начатую на “T.V. Sky”». Что ж, мое мнение вам известно (повторяю: я не отрицаю ни широту замысла, ни грандиозность задействованных для его воплощения средств звукоизвлечения и звукообработки), и, вместо того чтобы затевать запоздавшую на 18 лет и вряд ли кому-то интересную воображаемую дискуссию с лидером TYG, я искренне прошу тех прочитавших эту рецензию, кто «в теме», высказать свою точку зрения об альбоме либо в разделе комментариев, либо – что было бы вообще идеально – в виде собственной рецензии.

Damien   7 окт 2013

Из кинофильма «Терминатор-2. Судный день»:
– Мы обречены? Люди, я имею в виду.
– Взаимное уничтожение заложено в самóй вашей природе.

Могу с большой долей уверенности предположить, что, подходя к сочинению композиций для очередного альбома, Билл Либ, Рис Фульбер, Крис Питерсон и абсолютно новый участник FLA Джереми Инкел прекрасно сознавали, что попытка на данном временнóм отрезке сколько-нибудь эффектно и нешаблонно развить в целом не слишком тяжелую, во многом лирично-философскую направленность предыдущего, чрезвычайно удачного лонгплея “Civilization” вряд ли окажется максимально продуктивной, вследствие чего группа уже не впервые ступила на путь утяжеления, брутализации саунда и общей подачи материала, тем самым подведя в своей новой работе ожидаемый итог хваленым «цивилизации» и «цивилизованности». Результат получился пусть где-то и небезупречным, но в общем весьма и весьма достойным: так или иначе отраженная в музыке и лирике апокалиптически-убийственная аура образов «искусственного солдата» обоего пола, блистательно воплощенных Дейвом Маккином на обложке и в других фрагментах артворка (каждый раз, когда это вижу, невольно содрогаюсь), накрывает при прослушивании, что называется, с головой. Другое дело, что указанные тяжесть и брутальность также оказались реализованными максимально полно и плотно, и три года спустя вектор творческих устремлений именитых ванкуверцев неизбежно при таком раскладе повернулся немного в другую сторону; однако это, как выяснилось впоследствии, было только к лучшему – коллективу уже в который раз удалось уйти от самим же им созданного стереотипа.

Вернувшись к собственным предельно агрессивным «качевым» наработкам примерно десятилетней давности, Либ и Фульбер, надо отдать им должное, не стали бездумно репродуцировать оные в новом тысячелетии, а немного изменили подход к аранжировкам и еще больше уплотнили звучание, для чего в полной мере задействовали более широкие возможности современных синтезаторов, сэмплеров и секвенсоров, не забывая, однако, об уместности применения тех или иных эффектов. Саунд в результате стал заметно акцентированнее и «ударнее», практически не утратив свойственных FLA кристальной чистоты и прозрачности (звукоинженер Грег Рили, как всегда, знает свое дело досконально). Никуда не делся и композиторский талант: тому порукой такие композиции, как, например, “Low Life”, где мастерски развертываемое в давяще-минорном ключе многоступенчатое музыкально-вокальное повествование не отпускает ни на секунду, “Beneath the Rubble”, безудержная агрессия которой филигранно уживается с чуть ли не светлой меланхолией (тема, отлично вписавшаяся бы в какой-нибудь киноблокбастер о глобальной угрозе человечеству), или “Dopamine” – моя любимая песня на альбоме, для описания которой лучше всего подходят известное изречение «Сон разума рождает чудовищ» и картина Франсиско Гойи с тем же названием. Когда же над нашей скорбной планетой, неизбежно и закономерно испепеленной ядерным огнем от самого совершенного биологического вида, имя которому «человек разумный», стихают последние отголоски грозной и безысходной “Humanity (World War 3)”, а воспроизведение всё никак не заканчивается, поневоле ожидаешь чего-то такого, что вобьет действительно последний гвоздь в крышку нашего коллективного гроба. И ожидания оправдываются: раздающиеся после примерно полутораминутной паузы звуки безжизненного ветра и убийственного, как Божья кара, адского грохота достоверно завершают общую картину гибели некогда цветущего мироздания, самим своим существованием будто бы утверждавшего верховенство мудрости и прогресса над доминирующей в мире бесчеловечностью и неизбывной варварской тягой к истреблению себе подобных.

Damien  30 сен 2013

Выпустив в феврале 1992 года первый в своей карьере полностью англоязычный альбом “T.V. Sky”, уже влиятельные и авторитетные к тому времени «постиндустриалисты» из Швейцарии The Young Gods в том же году отыграли в его поддержку масштабное турне на трех континентах, в ходе австралийской части которого была записана рецензируемая пластинка. Шоу, состоявшееся 30 мая в концертном зале старинной мельбурнской гостиницы «Сара Сэндз Хоутел» (в числе прочих коллективов на этой площадке ранее выступали Cathedral, Old, Tool и Treponem Pal; два альбома последних продюсировал не кто иной, как лидер TYG Франц Трайхлер), производит довольно сильное впечатление, несмотря на откровенно среднее даже по тем временам качество записи и столь же скромную продолжительность (материал, вошедший в альбом, длится всего 58 минут, и лично я не уверен, что это полный сет-лист). «Молодые боги» – определенно «концертная» группа, от которой исходит просто бешеная энергетика (мне довелось побывать на их московском выступлении в ДК им. Горбунова 11 октября 1996 года, и я знаю, о чем говорю), нисколько не снижаемая даже тем обстоятельством, что передвигаться по сцене в силу специфики инструментальной составляющей способен только вокалист. И австралийская публика не осталась в долгу: в целом несколько статичная и инертная по сравнению, например, с американской, она в особенно ярких и эмоциональных моментах всё же оказалась не в силах удержаться от шквала аплодисментов и восторженных возгласов.

Включенные в сет-лист композиции с первых четырех альбомов группы стилистически весьма разнородны и, на первый взгляд, иногда не слишком хорошо сочетаются между собой, однако не в последнюю очередь благодаря именно этой разнородности представленный материал, высочайшее качество которого говорит само за себя в каждом конкретном случае, звучит предельно свежо, разнообразно и увлекательно. Концерт начинается с исключительно удачной творческой находки – примерно трехминутного интро, представляющего собой органично «спаянный» набор коротеньких сэмплов, по которым безошибочно угадывается фрагмент той или иной композиции. Далее следует короткое приветствие “Bon soir!” от Франца, так ни разу и не снизошедшего до общения с англоязычной аудиторией на ее родном языке, и логичное продолжение – ударно-сметающая “TV Sky” с одноименного промотируемого релиза, всем характером звучания словно кричащая благодушно-полусонным австралийцам: просыпайтесь-ка, guys, давайте как следует зададим жару! Последующее можно определить как причудливую смесь жесткого хулиганистого околопанковского угара (“Jimmy” [ритмически немного напоминает металликовскую “The Shortest Straw”], “Envoye”, “Pas Mal” и “Longue Route”), шансонного кабаре-декаданса и готик-дарквейва с примесями романтизма и местами жутковатой неоклассики (“Chanson Rouge”, “L’Eau Rouge” и “September Song”), «индустриализированного» американского психоделического рока по типу The Doors (“Skinflowers”, “She Rains” и “Summer Eyes”) и чего-то уже совершенно архаично-кафешантанного на десерт (“Seerauber Jenny”). И хотя на альбом так и просятся еще как минимум “Gasoline Man” и “Charlotte”, их отсутствие не воспринимается как слишком уж серьезный недостаток – на алтарях таких неумолимых божеств, как Формат Выступления и Формат Издания, чем-то порой приходится жертвовать.

Damien  30 сен 2013

В жизни человека, в той или иной мере поневоле заключенного в наши дни в «кокон» урбанизированной технократической цивилизации, не так-то легко найти бреши и лазейки, позволяющие сквозь броню защитной погруженности в практически непроницаемый для непрошеных внешних воздействий внутренний мир собственного эго достучаться до истинных помыслов, затаенных страстей и ответных эмоций отдельно взятого индивидуума. В подобной среде духовное раскрепощение – всегда результат некоего труднопостижимого таинства, своего рода магии посредством Спонтанного и Малоизученного, дарованной лишь тем, кто наделен искрой по-настоящему творческого самовыражения (неважно в какой области) – тем ключом к человеческой душе, который порой взрывает ее похлеще динамита. И тем более приятно, когда «запалом» для такого взрыва является нечто действительно нешаблонное, пусть и созданное с использованием в целом знакомых и привычных выразительных средств. Девятый по счету номерной альбом многоопытных ветеранов пост-индастриала The Young Gods, никогда не чуравшихся экспериментаторства и освоения неизведанных музыкальных территорий, – ярчайший тому пример. Выпущенный в апреле 2007 года известным в среде электронного андеграунда бельгийским лейблом Play It Again Sam Records в Европе и принадлежащей Майку Паттону из Faith No More небольшой рекорд-компанией Ipecac Recordings в США, он ознаменовал собой возвращение нестареющих душой Молодых Богов к жесткой, гитарно-сэмплированной форме «индустриального» рока, в которой вместе с тем гармонично присутствуют эмбиент-составляющая, былая психоделическая отрешенность, подкупающая лиричность и разномастные стилистические вкрапления. TYG не из тех industrial-составов, которые, подобно Ministry или KMFDM, неизменно идут однажды проторенной дорогой: швейцарское трио, постоянно ища новые пути креативной самореализации, успешно таковые находит – и именно эта его черта лично мне импонирует больше всего.

Первое, что обращает на себя внимание при ознакомлении с альбомом, – это, конечно же, обложка. Револьвер, чужеродно выглядящий на фоне бескрайнего звездного неба и одновременно каким-то непостижимым образом являющийся его частью, словно вырастающий из него, символизирует, насколько можно судить по содержимому пластинки, ту поистине безграничную многогранность и разноплановость музыки, которой, невзирая на отчетливо заявленную жесткость подачи, можно достичь даже в не слишком широких жанровых рамках. И в самом деле, у какой еще современной группы, так или иначе позиционирующей себя в рамках индастриала, встретишь на одном лонгплее слегка пригранджованный рок-боевик, единственными industrial-атрибутами которого являются электронно-синтезированная природа гитарно-басовых сэмплов, трудноотличимых от «живых» инструментов, и характерные шумовые скрэтч-эффекты (“I’m The Drug”), стопроцентный EBM в футуристическом духе с отчетливой примесью эротизма (“C’est Quoi C’est Ça”), нечто сродни ранним Chemical Brothers (“El Magnifico”), эпичный psychedelic industrial в вокальной манере, напоминающей Джима Моррисона из The Doors (“Super Ready / Fragmenté”), малость шизофреничный жестчайший трип-хоп в русле бьёрковской “Human Behaviour” (“Secret”) и что-то по типу вдруг запевшего по-французски Питера Гэбриела с тяжеленным сэмплерно-гитарным фрагментом, относимым разве что к самому что ни на есть экстремальному «металлу» (“Un Point C’est Tout”)? И вокалист какой другой группы столь же гармонично, как Франц Трайхлер, объединяет двуязычную лирику в рамках даже не альбома, а отдельных песен? Отдельно отмечу накрепко западающую в душу “Stay With Us”: отдаленное сходство с блэксаббатовской “Planet Caravan” нисколько не мешает ей создавать собственное уникальное настроение – благостно-обволакивающее, уводящее под звуки ситара в некую блаженно-галлюциногенную нирвану, где забываешь о горестях рутинного бытия. Итог: великолепный альбом, сдержанно-стильное великолепие которого более всего очевидно благодаря отсутствию даже малейших признаков примитивного агрессивного нахрапа, лично у меня вызывающего в последние годы легкое, но ощутимое подсознательное отторжение.

Damien  23 сен 2013

В 1985 году Франц Трайхлер, лидер безвестной, стандартно-безликой в музыкальном отношении и к тому времени уже дышавшей на ладан нью-вейв-группы из Женевы, решил создать новый коллектив, заручившись поддержкой друга детства Чезаре Пицци, переехавшего в центр деловой и культурной жизни франкоязычной части Швейцарии из родного для обоих городка Фрибур (позднее к ним присоединился Франк Бану). Состав, которому вскоре было суждено в определенной степени раздвинуть границы индастриал-рока, получил претенциозное англоязычное название The Young Gods, произошедшее от песни “Young God” с мини-альбома “Raping a Slave” тогдашних корифеев нью-вейва/нойза The Swans, чей барабанщик Роли Мозиманн, с которым Трайхлер познакомился на одном из концертов, стал с той поры постоянным продюсером и соавтором материала «Молодых богов». Трайхлер, будучи довольно неплохим гитаристом, решил, однако, полностью сфокусироваться на пении, в результате чего новоявленное трио приобрело вид, крайне необычный для рок-состава даже по нынешним временам: вокал, сэмплеры и «живые» ударные. При этом сэмплы, помимо обычной электронно-клавишной «подложки» включающие в себя «зашитые» партии гитары и баса, придали группе абсолютно уникальное звучание, которым она славится по сей день. Преимущественно франкоязычная лирика плюс ощутимое влияние дарк-кабаре и классического французского шансона в сочетании с ярко выраженным незаурядным мелодизмом, колючими «индустриальными» ритмами и своеобразным, мгновенно узнаваемым саундом быстро сделали TYG культовой величиной европейского музыкального андеграунда, а “The Young Gods” – первый релиз группы, выпущенный в мае 1987-го, – был даже признан авторитетным британским изданием “Melody Maker” альбомом года.

Но жизнь, как известно, не стоит на месте, и накапливающееся с годами желание сменить обстановку, привычный уклад и окружение порой берет верх над опостылевшей обыденностью, сколь бы комфортной и беспроблемной та ни была. В 1990-м Трайхлер переехал в Нью-Йорк, где по прошествии какого-то времени решил если и не навсегда, то хотя бы на какой-то период кардинально поменять творческий вектор ведомого им коллектива, дабы обеспечить оному сколько-нибудь заметную позицию на огромном и консервативном американском музыкальном рынке. Результат не заставил себя долго ждать: вышедший в феврале 1992 года лонгплей “T.V. Sky” уже мало напоминал прежние работы группы – впервые полностью англоязычный вокал приобрел отчетливо психоделические «джимморрисоновские» интонации, да и музыка, утратив значительную долю типично европейского «интеллектуального» колорита, стала по большей части напоминать гипотетических The Doors, перенесшихся на машине времени лет на двадцать вперед и вознамерившихся во что бы то ни стало накрепко самоутвердиться на «околоиндустриальной» почве начала 90-х (особенно хорошо это заметно в заключительном 20-минутном эпике “Summer Days” с клавишными партиями в характерной манере Рэя Манзарека). Однако честолюбивая цель, поставленная Трайхлером, была достигнута: группа, потеряв часть старых фэнов, но приобретя несравненно больше новых, сразу после выхода альбома, получившего высокие оценки в мировой музыкальной прессе, отправилась в грандиозный “Live Sky Tour”, в ходе которого посетила США, Европу и Австралию (запись концерта в Мельбурне была выпущена в июле 1993-го в виде альбома с тем же названием).

Тот факт, что эта пусть во многом спорная и неоднозначная работа стала для TYG, к тому времени обновившихся на две трети в лице Алена Моно и Урса Хиштанда, своего рода трамплином к новым творческим высотам, объясняется, конечно же, не только ее «американизированностью» – это было бы слишком примитивно (тем более для группы, отторгающей примитивизм подхода самой своей сутью). Материал пластинки предельно выверен, безупречно подан и содержит как минимум две эффектнейшие композиции, достойные отдельного разговора. “Gasoline Man” («Бензиновый человек», емкая метафора вечно скитающейся и одновременно взрывоопасной натуры) – главное, на мой взгляд, украшение альбома, безукоризненное настолько, насколько это вообще возможно в рамках отдельно взятой музыкальной композиции. Выдержанная в эстетике рок-мюзикла с легчайшей примесью декадентской развязности, но без малейших признаков кликушества и балагана, она невольно вызывает в воображении пусть слегка небрежно, но с иголочки одетого джентльмена, знающего цену себе и своему окружению и нигде не задерживающегося надолго в силу внутренних устремлений. Насквозь же психоделическая, хипстерская и символистская “Skinflowers” («Цветы на коже»), на которую был снят черно-белый видеоклип, мгновенно подкупает «индустриальной» мощью и забористостью в чем-то сродни ранним Nine Inch Nails и Revolting Cocks. Остальные песни хоть и несколько уступают вышеописанным по яркости и эмоциональности, но стабильно «держат марку», обладая собственной индивидуальностью и нигде не портя общей картины. В общем, достойнейший (хотя и предельно нишевый) материал, адресуемый прежде всего любителям по-настоящему качественной и «умной» электронной музыки с налетом психоделии и авангарда.

Damien  16 сен 2013

«И стал я на песке морском и увидел выходящего из моря зверя с семью головами и десятью рогами; на рогах его было десять диадим, а на головах его имена богохульные…
И дивилась вся земля, следя за зверем; и поклонились дракону, который дал власть зверю.
И поклонились зверю, говоря: кто подобен зверю сему и кто может сразиться с ним?
И даны были ему уста, говорящие гордо и богохульно, и дана ему власть…
И отверз он уста свои для хулы на Бога, чтобы хулить имя Его и жилище его и живущих на небе.
И дано было ему вести войну со святыми и победить их; и дана была ему власть над всяким коленом и народом, и языком и племенем.
И поклонятся ему все живущие на земле, которых имена не написаны в книге жизни у Агнца, закланного от создания мира». – Откровение Иоанна Богослова, гл. 13, ст. 1, 3–8.

Группы, перед которыми благоговеешь и чьи студийные записи слушаешь с замиранием сердца, легкой дрожью в коленях и неожиданной сухостью в горле, неизбежно вызывают интерес и концертными альбомами (если таковые имеются). Причина проста и очевидна: хочется удостовериться, что коллектив такого уровня способен как минимум не хуже играть вживую, а заодно проникнуться ощущением новизны восприятия от «живого» выступления со всеми его специфическими особенностями. Когда же концертный альбом – не просто очередной релиз, а своего рода веха, подводящая итог определенного временнóго отрезка в истории коллектива, указанный интерес оправдан вдвойне. И «Десятилетие агрессии», подведшее первую юбилейную черту в карьере одного из самых неоднозначных, вызывающих и будоражащих общественное сознание трэш-составов планеты, не способно, я убежден, хоть кого-то оставить равнодушным: живая квинтэссенция ярости, мощи и бескомпромиссности калифорнийского «Убийцы» не оставляет ни единого шанса такого рода даже самым ярым скептикам.

В свое время одна моя знакомая, прослушав этот альбом, дала ему, несмотря на свою практически нулевую на тот момент вовлеченность в тяжелую музыку, поразительно точное определение – «едва контролируемое гениальное безумие на грани патологии». И безумие это тем притягательнее, что максимально органично объединяет в себе всё самое лучшее с крайне непохожих друг на друга первых пяти альбомов Slayer, на материале которых, собственно, в основном и зиждется популярность группы по сей день. “Decade…” безупречно выстроен в композиционном плане и практически идеально смикширован: звукоинженеры, честь им и хвала, под чутким руководством Рика Рубина и сопродюсеров в лице самой группы не стали из коммерческих соображений досконально «вылизывать» звук, а просто вывели группу на передний план, сохранив при этом неизбежные мелкие огрехи исполнения вживую.

Думаю те, кто хоть раз побывал на концерте Slayer (а таких из читающих рецензию, надеюсь, большинство), испытали при этом примерно то же, что и я – не столько даже восхищение профессионализмом музыкантов (а он на высшем уровне, достаточно обратить внимание хотя бы на игру Дейва Ломбардо), сколько своего рода изумленное облегчение оттого, что, пройдя сквозь пекло ТАКОГО беспредела, угара и «расколбаса», ты вообще остался жив. Понятно, что на трэш-концерты ходят не в последнюю очередь ради того, чтобы побеситься и, что называется, выпустить пар, но такого адского накала эмоций и выплескиваемой агрессивности не бывает на выступлениях ни одной другой трэш-металлической команды, ибо такова никого не оставляющая безучастным аура музыки и лирики Slayer – предельно «наэлектризованная» (я бы даже сказал «предгрозовая»), мрачная, болезненная, жестокая, кровавая и беспощадная, а местами, чего греха таить, и неприкрыто сатанинская. Всё это вы прочувствуете и при прослушивании альбома: атмосфера на площадках, где проходила запись (в числе которых знаменитый лондонский стадион «Уэмбли»), ощутимо напоминает бурлящий, готовый вот-вот взорваться гигантский человеческий котел. Заглянув же в буклет, вы получите тому наглядное визуальное подтверждение: на некоторых фото хорошо видно, что многие из полуобезумевшей толпы зрителей уже даже не до конца понимают происходящее вокруг и просто не в состоянии вести себя обычным адекватным образом.

Допускаю, что многие при прослушивании «Декады…» взглянут или уже взглянули на какие-то аспекты творчества Slayer и какие-то из их песен под немного другим углом, нежели ранее – я же всякий раз, слушая эту поистине эпохальную работу, впервые запечатлевшую классический состав группы в «живом» формате, лишь снова и снова убеждаюсь в том, что этим четырем всадникам Апокалипсиса для того, чтобы произвести на концертную аудиторию максимально выигрышное впечатление, достаточно просто с самоотдачей делать свое дело; большего от них лично мне не требуется. И как я любил у них больше всего среднетемповые вещи, содержащие, скажем так, постепенно разворачивающуюся мелодическую интригу и мощное композиционное построение (такие, как “South of Heaven”, “Seasons in the Abyss” или “Dead Skin Mask” (сей леденящий душу опус о переживаниях реального маньяка-некрофетишиста середины прошлого века Эда Гейна мне отчего-то особенно мил)), так я их до сих пор больше всего и люблю. При этом, естественно, нисколько не умаляя ценность и значимость более скоростных композиций, среди коих наипервейшие, на мой взгляд, жутковато-инфернальная “Hell Awaits”, «пулеметная» “War Ensemble” (перед которой, кстати, Том Арайя, обращаясь к публике в первых рядах, предусмотрительно просит ее поднимать на ноги падающих в толкотне и давке, чтобы никого не затоптать), “Raining Blood” (ммм… неизменно мурашки по коже), “Angel of Death” (моя, пожалуй, любимая песня Slayer; обреченность ведомых в Освенциме на убой передана предельно аутентично, и гитарная «связка» Кинг/Ханнеман нагнетает жутчайшую атмосферу владычества «ангела смерти» Йозефа Менгеле с первых же секунд), “Black Magic” и “Chemical Warfare”. Классика на то и классика, что, пусть и допуская талантливые кардинальные переосмысления, не испытывает в них безоговорочной необходимости, ибо совершенна и законченна изначально.

Damien   9 сен 2013

«Выстрелив» в первой половине ’80-х тремя альбомами отменнейшего качества, нью-йоркский окологлэмовый квинтет Twisted Sister (Извращенная Сестренка), в музыке которого, несмотря на характерный «прикид» и макияж участников, всегда было куда больше элементов чистого хэви, в 1984 году отыграл первое в своей карьере заокеанское турне, кульминацией которого стал концерт в легендарном лондонском зале «Хаммерсмит Одеон», легший в основу данного релиза. (Тут сразу сделаю небольшое отступление, дабы более к этому не возвращаться: фронтмен группы Ди Снайдер, у которого, похоже, от такой везухи слегка сорвало «крышу», явно переборщил с продолжительностью монологов, адресованных публике. Тематически по большей части вполне уместные и актуальные, его вдохновенные тирады, тем не менее, в общей сложности тянут где-то минут на 20 (если не больше), что для примерно 75-минутного шоу, мягко говоря, многовато — это все-таки концерт, а не митинг в Гайд-парке.) Эмоционально-драйвовая компонента выступления, что и говорить, на высоте; предельно разнообразные и мелодически безупречные композиции сыграны чуть быстрее, чем на альбомах, что только добавляет им энергетики и напора. Выделять какие-то конкретные треки было бы бессмысленно, да и просто некорректно: исполненный материал наиболее выигрышно воспринимается именно в совокупности. И неудивительно, что именно эти песни в большинстве своем составляют и нынешний сет-лист TS — настолько они хороши, разноплановы и неподвластны веяниям времени. Объединяет их одна главная черта (чрезвычайно редкая, надо сказать, для современной рок-сцены) — та исключительная мелодическая простота на грани бесхитростности, которая обычно ассоциируется с гениальностью, намертво «цепляя» уже при первом прослушивании. Музыка группы, в которой типично американская хард-глэмовая отвязность и безбашенность уникальным образом сочетается с европейскими наработками в основном по типу NWOBHM, оказалась востребованной несколькими поколениями металлеров по обе стороны Атлантики.

Две композиции, представленные в конце релиза в качестве дополнения к основному материалу, примечательны тем, что отсылают слушателя к тому временнóму отрезку, когда Twisted Sister была, по сути, одной из многих мало кому известных групп с Восточного побережья США, еще не имевшей контракта с лейблом и пробавлявшейся исполнением преимущественно кавер-версий в местных маленьких клубах и дансингах. Один из известнейших хитов Элвиса Пресли, сыгранный в «тяжелом» гитарном оформлении, несет в себе заметное ощущение новизны интерпретации, равно как и растянутый аж на 10 минут номер из классического наследия Aerosmith, представляющий собой в основном нешуточный тяжеленный гитарный джем-сейшн с изрядной долей экспериментаторства. И в изобилии наличествующие в полиграфической части релиза превосходные концертные фотографии, на которых музыканты без остатка отдаются своему делу, а безмятежно-счастливые зрители искренне наслаждаются происходящим, не оставляют ни малейших сомнений в том, что, как гласит название одной из лучших песен и одноименного альбома TS, рок-н-ролл не остановить.

Damien   2 сен 2013

Хорошо помню, как в свое время один отечественный рок-обозреватель, рецензируя эту работу признанных корифеев шведского викинг-дэта, не на шутку сокрушался на предмет того, что, дескать, и творческая самобытность двух первых альбомов во многом утрачена, и от прежней брутальности остался лишь бледный намек, и вообще уже налицо чуть ли не явная коммерциализация. Какая-то доля правды (надо сказать, крайне незначительная) во всем этом есть: песни стали несколько проще по структуре и ритмике, брутальности и впрямь немного поубавилось, и можно говорить если и не о коммерциализации (Один упаси), то уж точно о местами очевидном стремлении сделать музыку чуть доступнее и доходчивее для восприятия. Начиная с “Across…”, Unleashed стали позиционировать себя как группа, сознательно избегающая чрезмерно усложненных композиционных решений и делающая ставку прежде всего на эпичность и наступательность. Я, со своей стороны, не вижу в этом большой проблемы и уж тем более никакой трагедии, ибо любой творческой единице, в конце концов, лучше самореализовываться в том, что ей наиболее близко и интересно на текущий момент. Тем более что дух группы и ее своеобразный уникальный шарм никуда не делись: Unleashed на своем третьем альбоме всё так же узнаваемы и зажигательны, боевые топоры их креативного потенциала нисколько не затупились, и грозный драккар творческой состоятельности, удерживающий коллектив на плаву и несущий его навстречу новым победам и завоеваниям, пока нигде не дает течь и не кренится на борт. Альбом, отмечающий в этом году 20-летие, не просто выдержал проверку временем, но и удостоился включения в «золотую» серию переизданий от Century Media Records под общим названием “Death Certificate”, для которой были отобраны лишь самые «знаковые» релизы лейбла 90-х годов.

«Сорвавшиеся с цепи» и другие формации, стоявшие около четверти века назад у истоков Swedish death metal (Entombed, Dismember, Grave, Edge of Sanity, Unanimated и др.), имеют, как известно, ряд общих особенностей, уникальных для данного жанрового направления, основными из которых являются характерный монолитно-«жужжащий» строй гитар и какая-то совершенно неповторимая, присущая только шведским дэтовым коллективам давяще-могильная атмосфера, нагнетаемая инфернально-нечеловеческим рычащим вокалом и саундом в целом. На рецензируемом альбоме данные особенности наличествуют практически повсеместно, пусть местами и в слегка смягченной форме, более свойственной «традиционному» хэви-металу (так, например, ритмическая основа открывающей боевитой “To Asgaard We Fly” лично у меня больше всего ассоциируется с Motörhead). Важнее, однако, то, что пластинка при своей сравнительно скромной продолжительности в тридцать семь с половиной минут не оставляет ни малейшего ощущения незавершенности и недосказанности. Одиннадцать плотных лаконичных композиций, среди которых — блестящий кавер на известнейшую пристовскую “Breaking the Law”, исключительно разнообразны, мелодически совершенны и самодостаточны (разве что “Open Wide” — едва ли не клон саббатовской “Electric Funeral”; уж не знаю, сознательный или это плагиат или просто какое-то невероятное совпадение на подсознательном уровне сочинительства). Мои личные фавориты: “Open Wide” (да-да, уж больно хороша и атмосферна при всей сомнительности мелодического первоисточника); ураганная, сыгранная в типично шведодэтовом ключе “I Am God” с превосходными среднетемповыми фрагментами, слегка напоминающими Slayer; немного однообразная, но предельно «цепляющая» “The One Insane” (на имеющейся у меня версии альбома присутствует и в виде клипа); проникновенный акустически-клавишный инструментал “Across the Open Sea”, слушая который действительно представляешь себя плывущим на средневековом деревянном корабле по открытому морю сквозь холод, мрак и туман северных широт; и по-древнему кровожадная, заставляющая сообразно названию цепенеть “Execute Them All” с великолепной гитарной работой и максимально выверенной поддержкой ритм-секции.

Damien   2 сен 2013

Morbid Angel — группа настолько известная, авторитетная, ценимая и «изученная» благодаря изначально абсолютно уникальному подходу к своему жанру (который, как известно, представляет собой структурно весьма непростой дэт-метал в русле откровенно сатанинской идеологии, исполняемый с исключительным, практически филигранным профессионализмом), что по-настоящему удивить тех, кто знаком в основном с ее студийными работами, способен, пожалуй, лишь вышедший в 1996 году концертный альбом, получивший согласно установившейся «алфавитной» традиции название “Entangled in Chaos” («Ввергнутые в хаос»). (Выпущенные в разные годы альбомы ремиксов — тема отдельных рецензий, относящаяся к самим «морбидам» лишь отчасти, и затрагивать ее здесь я не стану.) Один из наиболее интересных аспектов данного релиза, значительно освежающий восприятие давно знакомых композиций, — намеренно реализованная музыкантами «вживую» легкая несхожесть большинства исполняемых песен с альбомными версиями. Применительно к «знаковому» для коллектива дебюту 1989 года “Altars of Madness”, с которого на пластинке представлена бóльшая часть номеров (5 из 11), вышеуказанная девиация объяснятся, по-видимому, тем очевидным обстоятельством, что участники группы (и особенно ее тогдашний фронтмен Дэвид Винсент) на момент записи live-лонгплея уже просто не видели смысла копировать наработки многолетней давности, отдав предпочтение более поздней манере исполнения, характерной преимущественно для “Covenant” (1993) и “Domination” (1995). Особенно это касается вокала (на “Entangled…” вы уже нигде не услышите былого винсентовского вурдалачьего харш-верещания с «Алтарей безумия» — везде только мощный, сочный и предельно разборчивый гроул), гитарного строя, ставшего заметно ниже и «грузнее» в типично дэтовом ключе, и вариативности скоростей музицирования (так, например, начальная ударнейшая “Immortal Rites” поначалу звучит слегка медленнее оригинала, но потом вдруг ускоряется до привычно-знакомого ураганного темпа). А вот, к примеру, общепризнанно наиболее мелодически хуковый, «квазимейнстримовый» номер с “Altars…” — мощнейшая легендарная “Maze of Torment” — инструментальных изменений в «живом» исполнении практически не претерпела, ибо ни в каких (даже малейших) вариациях такого рода совершенно не нуждается.

Единственный на текущий момент официально выпущенный на CD концерт «Мерзостного ангела» ценен не только и не столько в силу уникальности своей классификационной принадлежности. Став, во-первых, своего рода уникальным сборником лучших вещей из «классического» наследия группы, он, во-вторых, со всей очевидностью продемонстрировал, что последовавший немногим позже из-за пресловутых творческих разногласий уход Дэвида Винсента, замененного Стивом Такером, явился для коллектива обстоятельством скорее неблагоприятным: со временем безвозвратно исчезла та харизма, та творческая искра, которая прежде позволяла МА записывать поистине уникальные альбомы, слушающиеся на одном дыхании. При всем моем уважении к «такеровскому» периоду, ни “Formulas Fatal to the Flesh” (1998), ни “Gateways to Annihilation” (2000), ни уж тем более во многом вымученный “Heretic” (2003) так и не смогли в полной мере возродить прежний дух и авторитет Morbid Angel: альбомы становились всё техничнее, всё навороченнее… и всё скучнее и безжизненнее — практика показала, что филигранность исполнения и нестандартность творческого подхода сами по себе еще ничего не гарантируют, если не подкрепляются отчетливо выраженным мелодизмом композиций и харизматичностью фронтмена. (Возвращение Винсента и последующий выпуск пусть и во многом спорного “Illud Divinum Insanus” (2011) подтвердили это со всей возможной очевидностью: альбом «выстрелил», и о некогда легендарном составе вновь вспомнили в Америке и Европе.) И уж тем более не будем забывать о ныне проходящем длительную реабилитацию после операции на позвоночнике супербарабанщике «классического» состава МА Педро «Пите» Сандовале (желаю ему скорейшего выздоровления и возвращения «в строй»): та бронебойная отточенность ритмики, которая присуща “Entangled…”, — заслуга прежде всего «восьмирукого Пита». Оценочный итог: один из лучших концертных альбомов в истории экстремальной музыки и лично для меня всё же вторая по значимости из концертных дэт-записей позапрошлого десятилетия (пальму первенства я без тени сомнения отдаю “The Eindhoven Insanity” голландцев Gorefest). Хотя, конечно, бессмертной “God of Emptiness” в качестве завершающей оды дьяволу здесь явно недостает — тем более что альбом, судя по наличию пауз между большинством композиций и явно урезанной для концертного релиза продолжительности, придирчиво компилировался из отдельных фрагментов выступлений в ходе мирового тура ’95–96, среди которых, готов поклясться Люцифером, «Бога пустоты» не могло не быть по определению.

Damien   2 сен 2013

После того как приверженцы первородно-агрессивного дэта Bolt Thrower, выпустив на Earache Records два макси-сингла и четыре полноформатных альбома, решили по ряду причин не продлевать контракт с лейблом, последний, сохранив за собой права на старый материал группы и нисколько не заморачиваясь морально-этической стороной дела, в ноябре 1998 года исключительно по собственной инициативе выбросил на рынок «прощальную» компиляцию “Who Dares Wins” («Побеждает отважный»), куда вошли миньоны “Cenotaph” (1991) и “Spearhead” (1992) плюс две ранее не изданные композиции из разряда раритетов. Желание боссов Earache напоследок по-легкому срубить деньжат на популярности коллектива выглядит тем более очевидным, что для оформления обложки был, не мудрствуя лукаво, выбран старый, давно знакомый фэнам артворк, ранее использованный в оформлении EP “Spearhead”. (Буклет, правда, снабдили довольно обстоятельным и небезынтересным исторически-обзорным комментарием менеджера Earache Дэна Тобина, который не сильно портят даже такие авторские терминологические вольности, как «символизм Делакруа» (чья картина, помещенная на обложку альбома 1992 года, изображает, напомню, вполне конкретное историческое событие) и «грайнд-фольклор».) Участники группы, возмущенные столь откровенно коммерческой эксплуатацией своего творческого наследия, выступили со специальным обращением, в котором попросили фэнов не покупать сборник. Уж не знаю, многие ли из оных исполнили просьбу своих кумиров, но определенной ценностью данный релиз всё же обладает: избавляя от необходимости приобретать по отдельности вышеозначенные EP-шки (коих, подозреваю, сегодня уже не найти днем с огнем — разве что на ebay по заоблачным ценам, и то не факт), он одновременно содержит пару редких треков, да и просто позволяет в какой-то степени проследить ту заметную творческую эволюцию, которую BT претерпели между “War Master” и “The IVth Crusade”.

Открывающая “Cenotaph” — одна из тех песен, которую среди поклонников дэта не слышали, наверное, только самые ленивые и нелюбопытные. Во многом обязанная своей популярностью известнейшему видеоклипу, максимально демонстрирующая брутально-сырую наступательность и темповую «многоступенчатость» ранних BT (особенно впечатляет тот своего рода грайнд-галоп, в который группа лихо срывается ближе к середине 3-й минуты музицирования), она известна еще и тем, что ее ритмическая основа, чем-то напоминающая звуки безудержно несущегося по рельсам локомотива, впоследствии была использована группой в начале и конце одной из композиций всех альбомов, начиная с «4-го крестового похода». Давшая же название второму из вошедших в сборник макси-синглов “Spearhead”, представленная в виде «расширенного» ремикса длительностью без малого 9 минут, особо позитивных эмоций, увы, не вызывает: изрядно утомляющая монотонностью и однообразием на полноформатнике, на миньоне она и вовсе вгоняет в кататонический ступор. А вот такие не вошедшие в альбомы композиции, как, например, изрядно «придумованная» “Destructive Infinity” с эффектнейшей концовкой или мелодически и ритмически предельно разноплановая “Crown of Life”, откровенно радуют свежестью и неизбитостью мелодико-ритмических решений. Отстоящая немного особняком от остального материала концертная версия “Realm of Chaos” с одноименного легендарного альбома 1989 года, записанная во время тогдашних европейских гастролей в компании Carcass, Napalm Death и Morbid Angel, ничем, кроме раритетности, впечатлить не способна: откровенно бутлегерское «качество» записи делает ее попросту трудноразличимой на слух. Перезаписанная же в 1994 году “World Eater” с того же альбома впечатляет неизмеримо больше — мастерски нагнетаемые «стержневой» мелодией тревога и обреченность весомо подкреплены новыми студийно-исполнительскими возможностями и слегка осовремененной аранжировкой.

Damien   2 сен 2013

«В день взятия города хищники расположились на ночлег повсюду и грабили всё, что было внутри домов, не стесняясь с хозяевами, наделяя иных ударами… пощады у них не было никакой, и ничего они не отдавали собственникам обратно… Потому их начальники сочли за лучшее разрешить желающим уйти из города. Собираясь партиями, жители уходили, одетые в рубище, изнуренные бессонницей и осунувшиеся, видом мертвецы, с налитыми кровью глазами, будто плачущие кровью, а не слезами. Одни горевали о потере имущества, другие уже не удручались этим, но оплакивали похищенную и поруганную девицу-невесту или супругу, каждый шел со своим горем». — Никита Хониат, византийский сановник и историк, свидетель захвата и разграбления крестоносцами Константинополя 12–15 апреля 1204 г.

«И с тех пор как стоит свет, никогда не было взято столько добычи ни в одном завоеванном городе». — Жоффруа де Виллардуэн, маршал Шампани, участник 4-го крестового похода и один из предводителей французских крестоносцев, летописец

Как это ни прискорбно, но историческая память человечества, бóльшая часть которого давно погрязла в гедонизме и безразличии к чужим проблемам, чрезвычайно эгоистична, фрагментарна и избирательна: то, что судьбоносно для одних, нередко не имеет в глазах других никакого значения, и даже от малейшего упоминания о чужих горестях и невзгодах те, кого это не коснулось напрямую или косвенно, чаще всего раздражительно отмахиваются, как от назойливой мухи. С одной стороны, это вполне объяснимо: люди (в данном случае главным образом западноевропейские католики), сызмальства привыкшие считать свою цивилизационную модель и религиозно-конфессиональную принадлежность воплощением цивилизованности, в основной своей массе категорически не желают даже слышать о том, что явно противоречит их убеждениям, а с другой, учитывая порой масштаб ничем не прикрытого злодейства «цивилизаторов», поневоле воспринимаешь подобное верхоглядство как явный признак незаслуженности применения термина-приставки «sapiens» к биологическому определению «homo». И тем отраднее сознавать, что остались еще на свете люди, которые, будучи плотью от плоти западного общества, всё же не утратили критический, пытливый склад ума и, даже не являясь историками, способны давать неоднозначным и «неудобным» событиям мировой истории собственную независимую оценку, описывая их в своем творчестве. Да, англичане Bolt Thrower, известные своим неизменным интересом к военной тематике, назвавшие свой четвертый альбом «IV крестовый поход» и использовавшие для оформления обложки всемирно известную картину французского живописца Эжена Делакруа «Взятие крестоносцами Константинополя», не сделали свою новую работу в полном смысле концептуальной (тема Четвертого крестового похода — откровенно бандитской вылазки, инспирированной сговором беглого византийского царевича Алексея, сына низвергнутого с престола и варварски ослепленного своим братом императора Исаака Ангела, с финансируемым венецианцами и изначально имевшим своей целью Египет преимущественно французским крестоносным воинством под предводительством итальянского князя Бонифация Монферратского и венецианского дожа Энрико Дандоло, в итоге приведшей к захвату и по-варварски беспощадному разграблению столицы греко-православной Византийской империи, от которого та, сменив на 57 лет хозяев и название на Латинскую, впоследствии так до конца и не оправилась, — напрямую затронута лишь в заглавной композиции в виде скорбных переживаний побежденных и униженных латинянами греков†), однако и в таком виде она, не утрачивая сильнейшей трагично-эмоциональной окраски, производит при прослушивании неизгладимое впечатление.

“The IVth Crusade” вообще во многом построен на апеллировании к чистым эмоциям и музыкально оформлен пусть где-то и в чем-то скуповато и однообразно, но вместе с тем чрезвычайно убедительно. Взять хотя бы вышеупомянутый заглавный номер: раз за разом повторяющаяся, как тревожный набат, музыкальная тема, вариативность которой сводится лишь к эпизодическим ускорениям темпа и на первый взгляд незначительным аранжировочным «вкусностям» типа отдельных вкраплений гитарных соло, «работает» при всем том абсолютно безотказно — песню (на которую, кстати, был снят клип) никак не упрекнешь в скудости мелодических решений, да и просто хоть в какой-то недосказанности: она буквально гипнотизирует неспешно-думовой эпичностью и той мелодической лаконичностью, которая сродни гениальности. Полная скорби и нескрываемой ярости “Icon” («Икона»), “Embers” («Тлеющая зола»), полностью выдержанная в ритмике и общей стилистике “Cenotaph” с предыдущего альбома, и безжалостная “Where Next to Conquer” («Следующий объект завоевания»), напротив, отчетливо напоминают, что там, где действительно нужны скорость, хлесткость и зубодробительная жесткость, в них недостатка не будет. Следующая же “As the World Burns” («Когда мир охвачен огнем») с ее просто пробирающими до костей гитарными проигрышами или, к примеру, сходная по тональности, но чуть более монотонная и монолитная “Spearhead” («Наконечник копья») возвращает музыкальное повествование в русло сравнительной неспешности и монументальности. “Dying Creed” («Умирающая вера») — своего рода ускоренная вариация заглавной «крестоносной» темы — и величественное мрачнейшее дум-аутро “Through the Ages” («Сквозь века») более чем достойно завершают альбом. Однако пластинка при всей своей цельности и эпичности получилась для Bolt Thrower несколько затянутой и в один присест слушающейся с трудом: пятьдесят три с половиной минуты для этих энергичных бирмингемцев, пусть и окончательно отошедших на тот момент от прежних ощутимых трэш- и грайндкор-влияний и обильно прошедшихся по минорно-думовым территориям, всё же непривычно многовато — и это, пожалуй, единственный очевидный недостаток релиза, который группа с тех пор не повторяла ни разу, вернувшись к былой временнóй лаконичности своих работ. Если же попытаться вкратце сформулировать ощущения от альбома, то вердикт, пожалуй, прозвучит так: местами просто бешеный восторг в сочетании с трезвым пониманием того, что группе определенно еще было куда расти и развиваться.

† Умерщвленное недостатком совести,
То, что для нас свято, не несет в себе значимости.
Ничтожность — удел нашего существования,
Услышьте литанию неизбежного хода жизни.
Наши мольбы о пощаде не доходят до тех,
кто не хочет слышать.
Возьмите мою жизнь, мою душу, вытрите
эти слезы горечи.
Повергнутые во имя вашего бога,
Того же, коему молимся все мы…
Повергнутые во имя вашего бога,
Того же, коему мы молились когда-то…
Попробуйте оградить мое сознание
от воплей, что я слышу;
Покаяние отвергнуто,
как форма моего страха.

Damien   2 сен 2013

Нельзя сказать, что цивилизация не прогрессирует, ибо в каждой новой войне людей убивают по-новому.
Уилл Роджерс

Третий альбом британских дэт-милитаристов Bolt Thrower (второй по счету на легендарном андеграундном лейбле Earache, где группа стала одной из наиболее значимых наряду с Carcass, Napalm Death и Morbid Angel) явился для его создателей переходным в творческом плане: еще не окончательно избавившись от влияний трэша и грайндкора (это произойдет годом позже), легендарный бирмингемский коллектив, тем не менее, уже практически обрел индивидуальный почерк, воплощение которого можно охарактеризовать как местами довольно «вязкий» эпичный дэт с минорно-трагическими гитарными обертонами, эпизодической отчетливой примесью дума, вдохновенным разборчивым гроулингом и временами немного «грузноватой», но при этом неумолимо несущейся вперед, как разъяренный носорог, ритм-секцией. И даже несмотря на то, что 1991 год оказался для дэт-метала чрезвычайно продуктивным (убойные релизы в данном жанре выпустили тогда многие группы по обе стороны Атлантики), “War Master” на общем фоне определенно не потерялся, лишний раз подтвердив высочайший класс и абсолютную уникальность одного из наиболее самобытных британских составов не с позиции запредельной техничности исполнения, но в плане эмоционально-эстетической притягательности музыкального материала.

Эмоциональная проникновенность — вообще своего рода «конёк» и наипервейший ключ к пониманию нешуточной популярности данного конкретного коллектива, находящегося при всем том в глубоком музыкальном «подполье». Неотвратимость столкновения лицом к лицу с врагом, чья свирепость как минимум не уступает твоей, постоянное ощущение пребывания на краю могилы, трезвое понимание того, что посмертные почести — слабое утешение за утрату жизни в расцвете сил, и вместе с тем помогающие побеждать во имя более высоких материй, чем личное выживание, ярость и отвага — всё это присутствует в музыке и текстах BT в полной мере. Эта пластинка от грозной «Баллисты» с Туманного Альбиона подарила метал-фэнам всего мира такие бесспорные хиты, навсегда вошедшие в концертную программу группы, как “Unleashed upon Mankind” («Сорвались с цепи на человечество»), “Cenotaph” («Кенотаф», обелиск в Лондоне в память погибших в двух мировых войнах [одна из лучших песен ВТ, на которую был снят видеоклип, вошедший с тех пор в большинство экстремально-металлических видеосборников]) и “War Master” («Бог войны»). И хотя образ несокрушимого мускулистого воителя, неумолимо сеющего смерть в стане врагов на обложке и в буклете альбома, представляет собой типично фэнтезийно-комиксового персонажа типа Конана-варвара, ощущения от прослушивания остаются самые что ни на есть реалистичные и леденящие — чего, собственно, и добивались создатели альбома, навсегда вошедшего в «золотой фонд» экстремальной музыки.

Damien  12 авг 2013

Третий альбом нью-джерсийских адептов стоунера Monster Magnet на мейджоре A&M пусть и не вывел группу в высшую лигу суперзвезд, но ощутимо прибавил ей популярности при минимальной на тот момент коммерциализации творчества: получившись одним из самых разнообразных и «взрывных» в музыкальном отношении за вот уже более чем двадцатилетнюю карьеру ММ, он по праву занимает одно из наиболее почетных мест в дискографии коллектива. Собственно стоунер-рока, к которому принято относить детище Дейва Уиндорфа и под которым обычно подразумеваются вязкие гитарные риффы в духе ранних Black Sabbath на толстой наркопсиходелической подложке более позднего происхождения, здесь несколько меньше, чем на предыдущих релизах (фактически типичных стоунер-номеров на альбоме менее половины: “Space Lord”, “Bummer” (слышны тут, впрочем, и отголоски почивших годом ранее гранджеров Soundgarden), “Atomic Clock” (аналогично предыдущему), “Goliath…” и завершающий инструментал “Your Lies…”), а превалирует слегка «прихиппованный», типично американский грязноватый хард-рок, утяжеляемый в нужные моменты до «металлических» кондиций (боевитая “Temple…” — один из нагляднейших тому примеров). В целом создается ощущение, что состав, во многом избавившийся к тому времени от некоторой былой стилистической «пригранджованности», просто выдает тот материал, который получается у него наиболее естественно и органично.

Альбом уже традиционно для Уиндорфа сотоварищи начинается с безупречного, крепко скроенного мрачноватого хита, каковым тут является “Crop Circle” — песня, которая, сразу же подхватывая и унося за собой воображение слушателя мощнейшей риффовкой, представляет собой, на мой взгляд, наряду со следующей, похожей по настроению и подаче заглавной “Powertrip” один из «бриллиантов» творческого наследия ММ. К числу других бесспорных хитов с пластинки я бы отнес уже упомянутую “Bummer” (ярчайший пример идеального сочетания тяжести и психоделичности, где заметное эксплуатирование типично «саббатовских» гитарно-композиционных ходов совершенно не воспринимается как плагиат), задорную и разбитную “19 Witches” (коей, я уверен, не постыдились бы и Aerosmith) и следующую, опять же очень американскую по духу и стилистике “3rd Eye…”. Проходного материала практически нет; все композиции слушаются с интересом и органично дополняют друг друга. Отмечу безупречное, не вызывающее ни малейших нареканий качество звучания, достигнутое во многом благодаря усилиям таких признанных и не нуждающихся в представлении профессионалов в своей области, как Мэтт Хайд и Рэнди Стоб (или, если произносить фамилию по-немецки, Штауб).

Отдельная тема — оформление буклета и прозрачного трея (обложка же, как нетрудно убедиться, довольно безобидна). Словно призванное в максимально допустимых для релиза от лейбла-мейджора пределах шокировать среднестатистического обывателя (тут вам и преследование на автомобиле в компании ликующих аппетитных девиц панически спасающихся бегством Папы Римского, епископа и монашки; и сами девицы откровенно блядоватой наружности, одетые то как типичные американские домохозяйки из рекламы середины прошлого века, то в подобие полицейской формы с мини-юбками и поясами для чулок, то в мало что прикрывающее латексное нижнее белье; и м-р Уиндорф, восседающий на троне в образе Люцифера в окружении все тех же полуголых красоток и радостно скалящихся бесов; и груда черепов; и горящий звездно-полосатый флаг; и сыплющиеся откуда-то сверху на все это безобразие многодолларовые банкноты), оно поначалу несколько режет глаз, но потом — по мере восприятия материала альбома (название которого, кстати, можно перевести как «Нехилый приход» или «Мощно вштыривает» и на котором то и дело слышны сладострастные стоны дев, шумно оргазмирующих в ходе жаркой «адской» групповухи) — постепенно начинает восприниматься как нечто вполне обыденное и привычное, примерно как новости про очередного вооруженного до зубов маньяка-убийцу или многолетний инцест во внешне благопристойном семействе; специфика жанра, куда же без нее…

Damien   5 авг 2013

Постоянство, с которым признанные интеллектуалы от ЭБМ/индастриала FLA предваряют выпуском промо-макси-сингла выход каждого своего полноформатного альбома, абсолютно оправданно: заглавная композиция (представленная, как правило, в виде одного или двух ремиксов альбомной версии) максимально емко отражает основной структурно-музыкальный «посыл» наполнения грядущего полноформатника, еще один трек с альбома (иногда наличествующий на миньоне лишь в том случае, если заглавный трек представлен единожды) демонстрирует какую-то дополнительную грань материала последнего, а напоследок выдается абсолютный эксклюзив, жанрово-стилистические рамки которого стеснены лишь воображением его создателей и который именно в силу изрядной непохожести на предыдущие композиции обычно являет собой нечто совершенно непредсказуемое. И именно таков рецензируемый релиз, в котором, при всей его неизбежной сжатости во временных рамках, зримо проявились новые грани творчества канадского коллектива, не в последнюю очередь привнесенные, как мне кажется, двумя его новыми, сравнительно молодыми участниками — Джереми Инкелом и Джаредом Слинджерлендом. Вобрав в себя пусть не слишком оригинальные и несколько сомнительные с точки зрения сохранения собственной индивидуальности, но выглядящие при всем том довольно уместными жанрово близкие веяния извне (первыми в данном контексте приходят в голову, конечно же, Marilyn Manson, The Prodigy и Rammstein), музыка «сборщиков-фронтовиков» стала более стилистически насыщенной и разнообразной, одновременно в большей степени апеллируя к вкусам нынешнего молодого поколения.

Расширенная версия “Shifting…”, отличающаяся от вошедшей в первое издание альбома чуть меньшим креном в сторону припопсованной (точнее, условно-припопсованной) танцевальности и явно усиленной жесткостью подачи, — своего рода напоминание о более ранних, предельно бескомпромиссных FLA образца 2006–2007 гг., реминисценция на стыке прошлого и настоящего. “Angriff”, где танцевальности уже абсолютный минимум (если она там вообще есть), демонстрирует мощнейший раммштайноподобный «кач»; с мегапопулярными немцами здесь, помимо агрессивного немецкоязычного названия, ассоциируется многое, включая характерные «чеканные» гитарные партии и гимноподобный припев. Но подлинным украшением релиза является третья, заключительная композиция с «говорящим» названием “Endless Void”: написанная участниками FLA в соавторстве с Крейгом Джозефом Хакстейблом, она, поначалу даже не напоминая музыкальное произведение, постепенно перерастает в нечто настолько величественное, гармоничное и отвечающее своему названию, что от разворачивающейся звуковой панорамы просто захватывает дух. При прослушивании в воображении возникает орел-одиночка, который, поначалу паря на огромной высоте в восходящих потоках воздуха, потом медленно спускается к земле и по мере снижения начинает различать постепенно вырисовывающиеся сквозь облака детали ландшафта — пустынного, необитаемого и внешне не сулящего появления признаков жизни. И даже после того, как затихли последние звуки и диск давно перестал воспроизводиться, в голове по-прежнему звучат отголоски услышанного, рождающие стойкое ощущение соприкосновения с вечностью.

Damien  29 июл 2013