«The Seer» – бонус-переиздание альбома Тарьи Турунен «My Winter Storm», доступен только в виде EP для Великобритании.

Собственно, сам «My Winter Storm» получился очень хорошим, несмотря на некоторые недостатки. Целью переиздания является доработка звучания некоторых песен до окончательной формы и предоставление вниманию слушателей первоначальных версий нескольких композиций.

Первой композицией является одноимённая «The Seer», ранее включаемая только в специальное издании альбома для Великобритании в виде бонусной песни, теперь спета Тарьей дуэтом с Доро Пэш. Презентация песни произошла на юбилейном концерте Доро, где прозвучал ещё один дуэт двух исполнительниц «Walking with the Angels». Дуэт вживую получился на порядок качественнее, чем в студии. Здесь Тарья и Доро поют одновременно, их голоса накладываются друг на друга, контрастируют, но, увы, не сочетаются. Нет эффектов дополнения голосов. У Пэш тут неестественно звучит вибрация голоса, а Тарья слабо использует нижний резонатор, выдавая несколько остеклённый звук. Всё это смешиваясь, мешает слушать композицию в целом: она очень хороша в отношении лирики, ничем не выделяясь с музыкальной стороны. Вокальная работа Тарьи любопытна с той точки зрения, что на одном участке песни ноты берутся по восходящей гамме. Оригинальный «The Seer» вполне вписался бы в «My Winter Storm», а вот версия с одноимённого ЕР получилась неудачной и дело всё не в том, что Турунен и Пэш не сочетаются (в обратном можно разубедиться, услышав концертную версию дуэта), а именно в том, что качество записи и подход исполнителей оставляют желать лучшего. Запись оказалась пугающе плохой и это факт.

Далее идёт «Lost Northern Star» в обработке Tagtren-а, второй микс на данную песню. Изменения коснулись музыкальной составляющей композиции: увеличена роль гитар - их звучание стало тяжелее. Добавлены новые элементы: виолончель и клавишные обогатили музыку - композиция стала интереснее. Дополнительные включения очень характерны для Pain, но не для Тарьи. В любом случае, «Lost Northern Star» стала нисколько не хуже: многим этот вариант понравится больше, чем оригинал.

«The Reign (Scoremix)» – это первоначальная версия композиции, когда вокала в ней ещё не подразумевалось. Инструментал даёт возможность насладиться не только чарующей, меланхоличной музыкой, но и добавленной очаровательной партией виолончели, дающей небольшое движение в общее звучание за отсутствием вокала.

«Die Alive» в альтернативной версии, это, скорее, недоработанный вариант оригинала, но отличий очень мало и они несущественны. Фактически, это та же «Die Alive» с оригинального альбома.

Баллада «Boy and the Ghost», исполненная пианисткой Изуми, также является исходником альбомного варианта. Здесь ещё нет ритм-секции вообще, то есть, музыка в полной мере отражает задумку композитора ещё до исправления. Основа всей «Boy and the Ghost (Izumix)» – партия пианино, которая, однако, не представляет собой особой сложности: изощряться Кавакатсу тут не пришлось: оркестр играет не менее важную роль. Спокойствие и медлительность первой половины нарушает подъём звучания оркестра во второй части так, что композицию становится интересно дослушать до конца. В вокальной линии никаких изменений не произошло.

«Calling Grace (full version)» отличается излишней затянутостью даже по сравнению с оригиналом: смысл слова «Full» в том, что в конце произошло растягивание по одному припеву. С первого прослушивания легко не заметить никаких изменений.

«Lost Northern Star (Ambience Sub Low Mix)» – первый ремикс «Lost Northern Star», в основе которого лежит удаление партии электронной гитары. Как результат – более чёткое и чистое звучание и значительное усиление атмосферности композиции.


С восьмой дорожки начинается вторая часть ЕР – запись концертных версий. За основу были взяты выступления в Куусанкоски.

«Damned and Divine (Live in Finland)», на самом деле является бонус-трэком «Damned Vampires and Gothic Divine», ранее доступным только в дополнительных изданиях, и сильно отличается от альбомной версии наличием ритм-секции и важной ролью гитар. Дополнительно на концерте были использованы гитарные приёмы. Каков их смысл – знать может только сам *Алекс, ибо в контекст «Sunset» эти самые приёмы не вписываются и портят атмосферу композиции.
Вокал Тарьи в припевах звучит сильно и объёмно: только на концерте можно полноценно наслаждаться её мастерством. Стоит отметить, что её бэк-вокал грамотно заглушается и усиливается там, где это необходимо. Настоящей жемчужиной стал заключительный проигрыш фортепиано и виолончели в конце песни. Он передаёт действительно готический тип музыки: Мария играет эту небольшую часть, начиная с едва слышимого пиано и развивает его до форте на низких октавах. Макс, начиная стандартно, завершает изломанными звуками, знаменуя конец темы.

Проигрыш Марии плавно переходит в «You would Have Loved This», которая является классическим романсом: из инструментов только фортепиано. Замечательно то, что припевы меняются раз от раза: они не одинаковы. Тарья здесь поёт эту песню с удивительной проникновенностью и душевностью: как никакую другую. В одно мгновение мы слышим даже придыхание от переполняющих чувств и это очень трогательно. Великолепное исполнение, отсутствие ритм-секции, интересная лирика: всё это делает данную композицию шедевром в полном смысле этого слова и напоминает нам о красивейших романсах прошлого, коих в наше время крайне редко удаётся услышать…

«Our Great Divide» также исполняется проникновенно: в голосе звучат нотки ностальгии и приятных воспоминаний. Изменений в композицию внесено не было: она по-прежнему так же мелодична, красива и размерена, как и в студийном варианте. Особенно важно и интересно начало композиции.

«Ciaran's Well» – последняя в данном ЕР. Собственно, именно ей, по идее, и должен был заканчиваться оригинальный «My Winter Storm». Студийная запись получилась несколько своеобразной: тяжелая музыкальная составляющая противостояла вокалу приподнятого настроения. В Куусанкоски дело обстоит иначе: под стать музыке и лирике Тарья особо делит лирику, оставляя места для более высоких и более низких нот. Например:
«The black (обычно) old well (ниже)
Holds an- (обычно) - cient tales (ниже)».
Также общее звучание вокала берётся ниже для создания грозной, подходящей к фильму ужасов (в лирике) атмосфере. Необычность структуры и лирической части выгодно отличают композицию от многих других на альбоме, а развязка добавляет оригинальности. Концертный вариант более сбалансирован, чем студийный, но в музыке изменения отсутствуют. Не стоит также забывать, что именно здесь мы слышим самую низкую ноту у Тарьи: ре малой октавы, хотя Турунен тяжело даются низкие ноты.

В «The Seer» есть такие шедевры, как «The Reign (Scoremix)», «You would Have Loved This» (живьём), отличный ремикс «Lost Northern Star» от Tagtren-а, но есть и провально записанная «The Seer» и такие нули, как «Calling Grace (full version)» и «Die Alive» (не будь этих двух, ЕР ничего бы не потерял). Так или иначе, в целом «The Seer» по некоторым параметрам превосходит любую предыдущую сольную работу Тарьи и прослушать его будет интересно каждому непредвзятому слушателю.

Dendravenn  24 апр 2009

Можно ли виолончели соединить с ритм-секцией и вокалом? Если да, то что из этого получится? "Worlds Collide" попробует дать исчерпывающй ответ.

Апокалиптическое название альбома: "Столкновение Миров" имеет интересный смысл в контекстах данного творения. Здесь сталкиваются миры симфонизма (в образе виолончелей) и металла (соответствующий вокал и ритм-секция). "Worlds Collide" не содержит полностью симфонических композиций, но в нём есть как инструментальные произведения, так и стандартные песни, поэтому есть необходимость разобрать каждую композицию в отдельности.

"Worlds Collide": инструментальная неоднозначная композиция. Виолончели настроены по-разному, но не конфликтуют друг с другом, а являются взаимно дополняемыми. Все элементы хорошо сложены, при том, что партии виолончелей достаточно простые и незамысловатые. Это было бы хорошо для интро, но как самостоятельное творение смотрится бедно. Оригинальна и интересная первая половина. Со второй мы уже оказываемся знакомы. Совершенно ни к чему было три раза повторять один и тот же момент с виолончелями, тем более, если он является не ярким. Эта мысль относится ко всему "Worlds Collide".

"Grace" слушается интересно. Виден основательный подход к написанию. Композиция получилась действительно грациозной, не раздражающей, местами приятной. Партия слегка изменяется в середине и в конце, отчего создаётся впечатление живой работы и не режут слух повторы в противоположность "Worlds Collide".

"I’m Not Jesus" является песней. Тут доля вокала очень велика. Виолончелей практически нет – господствуют вокал и ритм-секция. В середине и ближе к концу они начинают вступать в свои права очень робко. Симфонизма совершенно нет: "I’m Not Jesus" полностью металлическая. Убрав небольшие включения виолончелей в припеве, можно было добиться более чистого звучания. Лирика абсолютно стандартна, но она как раз подходит под жанр. "I’m Not Jesus" – "популярный металл".

"Ion" – дуэт расстроенной и настроенной виолончелей, приправленный басом имеет мрачную атмосферу. Переход в середине интересен, а вот последняя часть совершенно не к месту. В третий раз звучащий кусок надоедает, ощущения законченности нет. Это портит хорошую композицию.

"Helden" являет прекрасную музыкальную составляющую. Тонкую, трепетную в начале и грубеющую по мере развития за счёт третьей расстроенной виолончели. Работа вокалиста недостаточно эмоциональна, но проблема, скорее в том, что вокальная линия принципиально весьма портит звучание. Неудачный пример соединения вокала и виолончелей.

"Stroke" с решительным скоростным вступлением, плавно переходящим в размеренную игру, всё более замедляющуюся к середине, имеет атмосферу противоречивости: задумчивая печаль сопровождается спешкой, необходимым движением. Почти закольцованная структура, отсутствие многочисленных повторов делают эту вещь своеобразной, приятной на слух и, в тоже время, ритмичной композицией.

"Last Hope". Роль ритм-секции в первой половине очень высока. Виолончели всюду иррациональны. Действие трижды повторяется, отчего теряется впечатление скорости и развития. При упущении этого момента "Last Hope" покажется сильно отличающейся от остальных композиций, оригинальной и эффектной.

"I Don’t Care". Фактически, тут всего одна партия виолончели на всё действие. Присутствующий вокал является основной частью "I Don’t Care". С точки зрения лирики и техники вокала, песня наиболее подходит к популярному жанру из всех остальных. Её недостаток – очевидная шаблонность.

"Burn" выдаёт оптимальное сочетание баса и симфонизма. Виолончели исполняют роль средней сложности. Переизбыток партии солирующей виолончели приводит к затянутости, что является единственным недостатком "Burn".

"S.O.S. (Anything But Love)" ещё один пример излишества вокала, по крайней мере, такого типа. Бедность лирики и впечатление замученности музыки вкупе с плохой работой вокалистки заставляют кричать "S.O.S." в буквальном смысле. Кристина явно не в форме: мост в её исполнении ужасен, некоторые буквы проглочены, а концовка очень жалкая. "S.O.S. (Anything But Love)" – один из самых неудачных моментов альбома.

"Peace" представлена как окончание альбома для того, чтобы развеять пыль от "Столкновения Миров". Хорошая мелодия и отсутствие вокала являются важными достоинствами. Переход после 10 других композиций кажется весьма банальным, но сам по себе реализован грамотно: завершающие ноты объединяют всю композицию в единое целое, в то же время, отсылая нас к началу альбома.

Любителям симфонизма есть, что послушать на альбоме – это и "Grace", и "Peace", и "Burn", и "Stroke" в качестве примеров соединения баса с виолончелью , но более всего он понравится любителям популярной музыки за счёт, например, "S.O.S. (Anything But Love)" и "I Don’t Care", являющихся очень хорошими песнями в таком жанре.

"Worlds Collide" оставляет противоречивые впечатления. С одной стороны, качественно записанная и исполненная работа с красивыми и интересными моментами. С другой стороны, непонятная затянутость композиций (-10%) и совершенно не вписывающийся в данную музыку вокал (-10%) (с посредственной лирикой) . Разумеется, "Worlds Collide" подразумевал вокальную работу, но с выбором типа вокала создатели сильно ошиблись. Некоторые моменты режут слух: их тяжело слушать. Ничего нового нет (-10%), и это печально, так как новизна крайне важна.
Альбом нужно было делать либо полностью инструментальным, либо развивать вокальную линию. Кому-то понравятся песни с лирикой, а кому-то инструменталы. Весь альбом объединяет одно: недостаточно богатые партии виолончелей и, указанная выше, шаблонность структур. Нет разнообразия в музыке. И если в песнях можно закрыть на это глаза, то на инструментальных творениях такое неприемлемо.

Dendravenn  10 ноя 2008

Сердце волка.

Часто ли вы чувствуете себя одинокими, брошенными, отрешенными от всего окружающего мира? Часто ли вам приходится сталкиваться с ситуацией, когда вас все вокруг пытаются лишить свободы? Но ведь истинная свобода заключается в духовной сущности: её невозможно отнять. Это история волка – одинокого, мучающегося, любящего, сильного и… свободного.

Великолепное сочетание вокала и музыки передаёт суть всего альбома. То воющая, то романтичная, то рычащая работа вокалиста и гитар разнообразны, но не отходят от одного выбранного образа. Интересно, что конфликта между всеми составляющими нет. Все элементы очень органично сочетаются друг с другом. Используя обилие изобразительно-выразительных средств, автору удаётся очень удачно передать атмосферу выдуманного им мира; использованные художественные образы, при всей их неоригинальности, являются наилучшим средством постановки в данном случае. Некоторую суховатость в лирике компенсирует наличие прямых речей. Оценивать "Wolfheart" как поэтическое произведение невозможно, так как до полноценного стихосложения поэту ещё необходимо развиваться. Достаточно даже одного примера из "An Erotic Alchemy", свидетельствующего о неразвитости стиха:

"Daylight has broken into a strange nostalgia
Night tired candles seem like two lovers
Melt in a embrace of conspiracy
Between us there is this strange chemistry
but would you die for me?"

Однако для данного жанра этого более чем достаточно. Тексты разнообразны, не противоречат друг другу – их приятно слушать. Ярко выделяется "Alma Mater" в плане эпитетов – здесь их действительно хватает:

"In the strongest way I've ever seen
…
Her proudest child, her purest breed"

В них есть необходимая доля смысла, но его сразу невозможно заметить. За эффектными, сильными и яркими художественными образами скрывается ранимость, прячется желание быть таким как все, находиться рядом с обществом, которое, в свою очередь, переполнено стандартами, штампами и стереотипами. Небольшое количество симфонических элементов и вокальная работа приглашенной Бриджит, хоть и имеют небольшие партии, но вносят решающую лепту в создание окончательного, цельного образа "Wolfheart". Ни одна из композиций не повторяет предыдущую, но одна вытекает из другой, не прерывая впечатление целостности.

Качество исполнения и записи на высшем уровне: всё сделано чисто, без ошибок. Ни один из музыкантов не старается выйти из своих рамок, их работа очень слаженная. Вокалист работает отменно, а интонационное преувеличение только подтверждает мысль о тайных желаниях автора, скрытых под различными видами проявления тёмной стороны.

Это как раз тот редкий случай, когда альбом, выполненный в тёмно-металлическом стиле могут слушать люди, далёкие от тяжелой музыки. Альбом уникален тем, что воплотил в себе всё лучшее от элементов тяжелого звучания. Несмотря на бедноватость лирики, "Wolfheart" является настоящим произведением искусства.


Любители хорошей музыки полюбят альбом всем сердцем, возможно, сердцем волка? Ведь любой человек живёт в своём собственном мире, там он свободен, там он может безбоязненно проявлять свою истинную сущность…

Dendravenn   9 ноя 2008

“Следующий альбом будет очень похож на предыдущий – «Once». Я бы даже сказал, что его можно назвать «Once – 2»”.
Tuomas Holopainen, nightwish.com.ru.

«Dark Passion Play» – творение талантливого финского композитора Туомаса Холопайнена. Сравнить его в настоящее время можно разве что с Дагом Виндерличем. Отличие Туомаса от большинства современных композиторов в том, что он не выдаёт в своих композициях всю суть произведения – истинная музыкальная сущность проявляется постепенно и достигает своего апогея под конец.

«Dark Passion Play» не является полностью симфоническим альбомом, так как аранжировки не играют доминирующую роль. Не является он и металическим, так как присутствуют композиции, не приемлемые в метале. Естественно, он не популярен, по причине нестандартной музыкальной постановки большинства композиций. Однако тут присутствуют и полностью металические («Master Passion Greed»), и симфонические («Meadows of Heaven»), и популярные («Amaranth») произведения. Такой разброс по жанрам первоначально вызывает противоречивые впечатления.

Прочесть альбом как единую, целостную историю очень тяжело. Особенностью альбома является его личностный характер. Некоторые композиции раскрывают перед нами чувства и эмоции автора.

«The Poet and the Pendulum» – личный дневник, дневник души поэта. Естественно, мы не можем знать – является ли лирика надуманной или основанной на реальных событиях, но преподносится она именно как откровение. Сказание о поэте – это единственное произведение на альбоме, которое действительно имеет художественную ценность – ведь выразительная сухость оправдывается фатальностью сюжета. Поющий мальчик – воплощение внутреннего мира поэта. Поэт уже взрослый, но в душе всё ещё ребёнок, судящий о людях поверхностно. Гитары и агрессивный мужской вокал используются как олицетворение злобы автора. Женский вокал – это жалеющая и тоскующая сущность. Особенно хорошо вокалистке удалось передать ощущения автора в финальной части. Но главным выражением чувств и эмоций поэта являются партии симфонических инструментов и хора. Стремительные смычковые как быстро распространяющаяся злоба, духовые – гордый и злопамятный характер, звуки пианино – желание стать лучше, вернуться в прошлое. Хор местами поёт несогласованно, вступления размыты, партия нестандартна, что придаёт ощущение хаотичности. Особое место занимает песнь дельфинов. Она олицетворяет неостановимое течение времени: любое желание вернуться в прошлое является бессмысленным. Стая уплывает, тоскуя о потерянном сородиче, но исчезает в дали: «Жизнь не закончена – это только начало…». Доля симфонизма высока.

«Bye Bye Beautiful» является прощанием с бывшей любовью. Расставание болезненно, но оно было неизбежно – так лучше для обеих сторон - именно об этом повествуется в песне. Тут мы впервые видим лирическую героиню альбома, которой посвящена большая часть альбома. Можно предположить, что это муза поэта – выдуманная или реальная. Весь «Dark Passion Play» является историей любви, которую автор безуспешно пытается убить…
Музыка под стать лирике – элементы компьютерного синтеза, высокая активность ритм-секции. Методы синтеза смотрятся примитивно на фоне всего альбома (популярная структура), однако именно они и придают песне запоминающееся звучание. Видны старания вокалиста в исполнении строчки: «Bye Bye Beautiful». В остальном вокал особо не выделяется, симфонизма нет. Хорошо запоминается, яркая и эмоциональная, тем не менее, композиция явно бедна в музыкальном плане. Ясно, что никакими метафорами в лирике и «не пахнет».

«Amaranth» – цветок надежды, свет в будущем, желание быть выше ненависти и злобы, успокоить себя. Слабая надежда на возвращение лирической героини: практически невозможная.
Незамысловатая партия клавишных очаровательна своей простотой и, опять-таки, банальной структурой... Все попытки сделать «Amaranth» грозной с помощью баса легко разрушаются позитивными клавишными, голосом вокалистки, и крайне позитивным исполнением хора – песня всё равно оставляет впечатление наивности. Смычковые эффектно прорываются только в последнем припеве. Вокал хорошо сочетается с музыкой.

«Cadence of Her Last Breath» – название говорит само за себя. Лирическая героиня не даёт покоя автору даже во снах…
Очень интересна музыкальная составляющая «Cadence of Her Last Breath»: тут можно услышать сильную работу гитар – интенсивное использование таких приёмов, как задержки (дилэи). Вырезав незначительные украшения оркестра с хором, можно было добиться более конкретного звучания ритм-секции. Это тот случай, когда симфонизм бесполезен и смотрится как бижутерия на Первой Леди. В песне есть один из лучших моментов исполнения вокалистки – это строки:
«Put to rest all that's not life
Drink for beauty and fill my blank page».
Её голосу очень подходят моменты такого типа.

«Master Passion Greed» – выплёскивание накопившейся, но невысказанной злобы. Это своеобразная попытка очиститься. Месть, соединённая с самыми плохими пожеланиями. Стих наполнен желчью, которая больше не может удержаться в определённых рамках. Похоже на сцену ревности, только крайне истерическую, по отношению к лирической героине.
Так же как и «Bye Bye Beautiful» имеет двоякое впечатление. С одной стороны – это очень плотный бас, жесточайшая экспрессивность, интересное использование хора и оркестра в мрачных тональностях, а с другой - катастрофически примитивная лирика. Чего стоит одна только строчка: «Hello. How are you?», да и что за ней следует… Это слишком, так жить нельзя. Точнее, уважающему себя поэту так писать нельзя. Есть другие, более эффективные и рациональные (в конце концов, цензурные) средства выражения есть. Хотя, певец справился со своей задачей.

«Eva» – трогательная история о маленькой девочке-изгое среди сверстников. Стихотворение интересно своему содержанию, заставляет соболезновать девочке, жалеть её. Закрывающие четверостишья намеренно наводят на мысль: «А может эта девочка уже выросла? Возможно, что её грустные воспоминания необдуманно или со злым умыслом затронуты и от этого ей ещё хуже, чем раньше?». Ясно, что песня посвящена опять лирической героине. Теперь, по крайней мере, мы знаем её имя – Ева. Рассказ о детстве возлюбленной поражает, насколько поэт одушевляет свою любимую. Но зачем он это делает? Возможно, одна из сторон нанесла обиду другой? Очевидно, что поэт взывает к жалости, но чьей? Похоже на неудачную попытку попросить прощения у героини за вновь, возможно, не впервые, пробуждённые негативные воспоминания.
Композиция является балладой с основной долей симфонизма. Это единственный случай на альбоме, когда использование популярной структуры оправдано. Исполнительнице идут такие песни. В них она рассказывает историю и это у неё превосходно получается.

«Sahara» – красивая сказка про пустынное царство. Сюжет развит не полностью автор мог бы внести ясность и усложнить лирику. Однако он решил, что этого достаточно. Похоже на историю к какой-нибудь картине, так как в линию альбома вписать тяжеловато.
Очень красивая партия смычковых в конце произведения. Это настоящий симфонизм. Вот только гитары были излишни – они тут действительно мешали. Постоянные помехи гитар в припеве мешают насладиться работой скрипачей. Кроме того, это первая работа на альбоме, для которой вокалистка не подходит. Очевидно, в припевах её место должен занять хор. Дело в том, что тянуть ноты её голосу не идёт. Да, она это может и это у неё получается, но в данном случае вокала в припевах было слишком много.

«Whoever Brings the Night» – своеобразное эмоциональное продолжение Сахары, однако имеет игривый, лёгкий характер, отличающийся от других композиций, хотя альбому это не вредит.
Одна из лучших композиций в отношении исполнения данной вокалистки. Фильтрованный голос в куплетах и чистый в припевах удачно смотрится в сочетании с музыкальной жесткостью композиции. Эта композиция имеет популярную структуру, лирика непринуждённая. Хоровые раскачки – оригинальный ход в рамках альбома. «Whoever Brings the Night», несмотря на свои достоинства сильнее всех отличается от всего альбома. Скорее всего, из-за фильтра.

«For the Heart I Once Had» – романтичный стих, который развивает тему обожания, тёплых чувств. Они вечны, не разрушаются ненавистью и временем. Меланхолия, навеянная лирической героиней.
Вечный спутник – популярная структура тут даже не сразу бросается «в глаза». Уж больно приятны распевки хора в припеве в сочетании со смычковыми, они напоминают одно давнее произведение другого композитора. Оригинальное начало.


«The Islander» – сказание об островитянине. Он стар. Его жизнь прошла. Он подводит итоги. Что он сделал в жизни? Кто он, незнакомый человек или сам автор…
Единственная из всех – полностью акустическая. Качественная и оригинальная работа вокалиста в рамках данного альбома. Между всеми компонентами господствует "братская", равноправная атмосфера. Нет никаких излишеств.

«Last of the Wilds» – совершенно отдельная история. Инструментал с популярной структурой… Как такое назвать? Страх композитора? Его неуверенность в собственных силах? Опять мы вынуждены сталкиваться с «боязнью быть непонятыми» и ужасом перед малейшими экспериментами. Зачем было уродовать шедевральную композицию, искусственно растягивая её до популярной структуры? Понятно с первого прослушивания, что изначально «Last of the Wilds» задумывалась как песня, то есть с лирической составляющей. На альбоме лирики нет, а структура осталась? Хотя, всё это походит больше на композиторскую лень – бескомпромиссную, ужасную и непоколебимую. Вывод – шедевр изуродован необоснованной затянутостью.


«7 Days to the Wolves» – достаточно интересная теория про волков является более личной для автора, чем это кажется сперва. Произведение для него очень много значит, но с личностной стороной получился перебор с субъективизмом, хотя, может идти как сюжет к фильму. В этом отношении похоже на «Сахару»: так же отречённо от альбомной линии.
Красива и удачна партия скрипок: они постепенно вступают в силу и полностью разгоняются к концу композиции. Дуэт вокалистов также положительный ход. Раскачивание оркестра под конец в полной мере оправдывает длительность. Гитары в конце опять оказались излишними.

«Meadows of Heaven» – великолепное завершение альбома, и, что самое главное, логическое… Куда могут привести оскорбления, жесточайшая агрессия, робкая попытка попросить прощения и самоубийство? Налицо ещё одна попытка поэта уйти от реальности. Отличие в том, что на этот раз ему действительно это удалось…
Жесточайшая нехватка эпитетов портит произведение, а, в принципе, это недостаток всего альбома в целом. Композиция идёт как удивительной красоты симфоническая баллада с оригинальной структурой. Гитары тут вообще не к месту. Они сильно мешают и совершенно не обоснованы. Госпел-хор – очень грамотная находка, ведь исполнение вокалистки хоть и красиво, но неубедительно: видимо, вокал подразумевался под композицию более сильный. Оркестровая партия – настоящий симфонический шедевр. И всё-таки, госпел-хор для неширокого круга слушателей – произведение теряет в концентрации. Грамотное использование смешанного хора вместо госпела могло бы привести к чудеснейшим результатам.

Альбом явно не рекомендуется к прослушиванию людей типа земли – любящих чистые, неразбавленные жанры, а так же фанатично настроенным людям огня, которые утверждены также, как и люди земли, на одном стиле (но некоторые работы они «подпольно» слушать будут – просто не признаются).

Отдельно от всего, альбом – шедевр. Но нельзя себе выколоть глаза, заткнуть уши и не воспринимать «Once», ведь слишком много тематических ссылок ведёт именно туда… Всё-таки, новизна - очень важный фактор. Кроме того, ужасная техническая сторона: оркестр и хор, порой исполняющие великолепные партии, катастрофически заглушаются вокалом и гитарами. Что это – ошибки микширования или боязнь композитора плевков в свою сторону по поводу симфонизма? Всё это снимет 10% баллов в любом случае.

«Dark Passion Play» – это личный дневник, только в особой форме. Дневник тьмы, ненависти, разрушенных мечтаний под маской общедоступности. Любопытный человек сможет снять эту маску и увидеть, что же там, внутри…

Dendravenn   9 ноя 2008

«I Walk Alone» - первый сингл финской певицы Тарьи Турунен. Перед нами “Artist Version” сингла с композициями, которые не попадут на официальный альбом. Имеется два издания: первое содержит в себе сингловую версию «I Walk Alone» и ремикс, сделанный коллективом In Extremo; второй же имеет вместо ремикса «I Walk Alone» версию, скорректированную самой Тарьей. Жанр «I Walk Alone» определяется неоднозначно. Здесь используется классическое произведение Моцарта, зажатое в рамки популярной музыки обыденной структурой стихосложения вкупе с электронными гитарами.

«I Walk Alone» интересна именно своим замыслом реализации Моцарта на рок-сцене. Получилось очень органично, ни один из элементов (гитары, смычковые, ритм-секция) не перекрывает другой. Но явно ощущается доминирование вокала Тарьи. Композиция оказалась позитивной, мягкой по своему характеру. Это достигается отсутствием даже малой толики агрессии в любом инструменте. Оркестр играет очень размеренно, но не «пришибленно» - оставляя за собой момент кульминации, который особенно выразителен и красив в “Artist Version”. Все версии «I Walk Alone» объединяет атмосфера умеренности, спокойствия, воздушно-лёгкого движения. Пресловутая популярная структура портит всё настроение от прослушивания сингла. Можно было и не так кромсать «Реквием» только лишь для того, чтобы избежать боязни «быть непонятыми основной массой слушателей».

«I Walk Alone [In Extremo Remix]» является интерпретацией оригинальной «I Walk Alone» с использованием волынки и других элементов, по которым известны In Extremo. Следует отметить, что микс сильно отличается от оригинала. Добавление волынок повлекло за собой серьёзные изменения в музыкальной составляющей: теперь полностью весь куплет можно слышать оригинальную партию арфы из «Реквиема», по неизвестным причинам в других версиях заглушаемую, но при этом убраны клавишные и смычковые. Так же появились волыночные проигрыши там, где раньше разрывов не было. Как результат - композиция оказывается немного длиннее. Кроме того, в припеве добавлен элемент в виде эхо. Голос тут кажется более мягким. Любителям волынок ремикс очень понравится, так как исполнение очень качественное.

«I Walk Alone [Artist Version]» - версия самой исполнительницы. Отличается прикреплённым вступлением оригинального «Реквиема (Ite, Missa Est)», а так же некоторым заглушением гитар и полным проявлением смычковых в припевах. Вообще, махинация присоединения «Ite, Missa Est» - единственное существенное отличие версии исполнительницы от сингловой версии. Ведь смычковые мы и в оригинале слышим, только в припеве, исполняемом последним.

«I Walk Alone» оказалась высококачественной интересной, очаровательной композицией без излишеств. Её можно рекомендовать кому угодно - умеренный оптимизм обеспечен любому человеку, ведь поётся тут не о том, что «как плохо быть одной», а о том, что «жизненный путь любого человека только начинается с одиночества».
По-поводу оформления: снежинки можно было и реалистичнее сделать, ведь когда в руках сингл, сразу заметно, что они резные. И, либо летят они слишком быстро, либо качество камеры не очень хорошее. А так очень красиво и соответствующе атмосфере сингла.
Universal всегда славилась высочайшим качеством записи, и этот случай не исключение.
Ничего нового в вокале Тарьи тут нет. Однако она поёт очень уверенно, в куплетах используя выразительность своего эстрадного вокала, а в припевах опирается на устойчивость лирического (в данном случае) сопрано, так как октава выбрана наиболее комфортная для её голоса.

Неоправданное разбитие сингла на два издания и искусственное растягивание «Реквиема» до популярной структуры не позволяют поставить максимальной оценки.

Оценка высокая - 8 баллов (в основном, за дробление сингла на 2 части).

Dendravenn   8 ноя 2008

Tarja Turunen – «Die Alive»: хорошо оформленная коробочка с синглом не скрывает в себе особенных тайн и откровений, но вызывает неподдельный интерес.

«Die Alive» сама по себе, как композиция, не несёт особой композиторской и смысловой ценностей. Грубость клавишных можно списать на сюжет песни, но, композиция от этого органичнее не станет. Ничего особенно нового на альтернативной версии «Die Alive» мы не слышим. Отличия имеются, разве что в пропевании текста как нот в одном эпизоде. Так или иначе, не искушенному слушателю будет практически всё равно, что играет – “Album Version” или “Alternative Version”. «Die Alive» - композиция с хорошим элементом нагнетания и интересным моментом исполнения хора. Клавишные в качестве направляющих - решение достаточно банальное и плюсом это вряд ли можно считать.

«Lost Nothern Star» в виде “Ambience Sublow Mix'а” - действительно то, из-за чего сингл стоит покупать. Микс очень атмосферен и сильно отличается в музыкальном плане. Здесь лирика и музыка более сбалансированы, нежели в оригинальной версии. Хотя изменение очень простое - всего-навсего была полностью убрана партия электронной гитары - а как сильно изменилась композиция! Остались только атмосфера, бас и очень хороший вокал Тарьи Турунен. Альбомный вариант ничем не хуже синглового - он просто другой. И многим понравится больше именно “Ambience Sublow Mix”. Микс позволяет нам погрузиться в сюжет композиции. Концовка композиции, которая в альбоме смазана началом «The Reign», великолепно передаёт рассеивание звёздной пыли. Не трудно догадаться, что лирика «Lost Nothern Star» повторяет сюжет многим известной книги.

«Calling Grace» в альбомном варианте по сравнению с другими композициями на «My Winter Storm» смотрится примитивно и бедно. Она кажется многим очень скучной (что, собственно, обосновано). Сингл представляет нам полную версию. Эта полнота заключается в том, что Тарья в конце ещё раз поёт это пресловутое четверостишье, из которого состоит куплет. В результате мы получаем не только скучноватую, но ещё и затянутую композицию.

Видео «Die Alive» оказалось зрелищным и качественным и передаёт в полной степени лирику композиции, что очень важно. В клипе есть некоторые смысловые мелочи. Например: платье, лечащее раны; синий огонь на месте разрушенного дома (символизирующий присутствие ранее здесь нечистой силы); кладбище на месте разрушенного здания так же символично. Освещение выстроено так, чтобы героиня выглядела похожей на ведьму. Немного разочаровывает пассивная роль животных и копирование/вставка кадров. Вроде бы набралось почти 5 баллов из 5 за достоинства? Ан нет! Величайшая и самая ужасная ошибка режиссёра, приводящая в шок - это кромсание элемента нагнетания - единственного существенного достоинства композиции. Этот элемент можно было очень удачно обыграть, но его урезали! Зачем? А затем, что режиссёру было лень придумывать лишние 21 секунды великолепного действия - ему легче было просто урезать композицию. В результате песня кажется не очень интересной. С таким подходом можно было вообще весь мост вырезать, а ещё, вдобавок, убрать все лишний раз пропеваемые куплеты! Это не режиссёрская корректировка, а острый приступ режиссёрской лени. Результат - не более 4-х звёздочек за клип.

Сингл мог бы рекомендоваться всем, если бы не катастрофически ленивый постановщик и скучная «Calling Grace». А так - рекомендация только поклонникам творчества Тарьи из-за клипа на 4 из 5 и великолепной «Lost Nothern Star (Ambience Sublow Mix)».

Dendravenn   6 ноя 2008

Ну что тут можно сказать? Альбом очень оригинальный, удивляет своим единством, несмотря на разнообразие ритмов и инструментов. Все композиции соединены по смыслу и создают таинственную мистическую атмосферу. «My Winter Storm» очень тяжёлый в смысловом плане: он сильно нагружает восприятие, но одновременно зачаровывает и заставляет отвлечься от житейских проблем. Его практически невозможно понять с первого прослушивания, так как в него вложен глубокий смысл. Даже смотря на расположение названий песен, можно прочесть определённую историю. Таким образом, «MWS» не оставляет впечатление коммерческого проекта. Абсолютно все композиции, несмотря на их разнообразие, объединены непревзойдённым актёрским мастерством Тарьи Турунен, которая исполняет каждую песню так, будто сама её пережила. «My Winter Storm» рекомендуется всем, кто любит красивую музыку и чарующий голос, а также тем, кому нравятся такие произведения Nightwish, как «Sleeping Sun», «Nemo». Сам я после первого прослушивания подумал: «Что это такое?!» (видимо, я искал чего-то отдалённо напоминающее «Осеаnborn»). Но после детального внимательного прослушивания я понял смысл и фабулу альбома.
А смысл композиций осень глубок. Взять, например, неприметную, с первого взгляда, «Boy and the Ghost». Есть тут интереснейший момент, когда хор поёт:
«De-spero, solitas, debilis, desolo.
De-spero, solitas, debilis, desolo!».
Восклицательный знак - не опечатка: здесь хор действительно повышает интонацию.
Это слова на латинском языке и на них ложится ключевая смысловая и кульминационная нагрузка всей композиции.
«De-spero» означает: «Потерять надежду».
Дух отчаяния...
«Solitas» - одиночество.
Без надежды, одинокий...
«Debilis» (образовано от «de» и «habilis») - употреблено в качестве синонима вместо «umbra» - «призрачный», но имеет и значение «немощный».
Потерявший надежду одинок и немощен.
«Desolo» значит «покидать». Смысл станет яснее, если продолжить слово: «Exsillio desolatus - desolatus virorum» («обрёкший себя на одиночество – обезлюдевший»).
Одинокий призрак без надежд, он покидает этот мир...
Но...
Он лишен надежды, потому что призрак?
Или он стал призраком, потому что при жизни обрёк себя на одиночество и отчаялся?
На эти вопросы каждый ответит по-своему...
Вот сколько смысла всего в двух строках.
Прогресс по сравнению с «Дыханием с Рая» колоссальный. Надеюсь, развитие продолжится, так как в отношении музыки альбом явно бедноват. Так как у альбома нет аналогов и сравнивать его абсолютно не с чем, вердикт может быть только один.
Примечание: сам по себе факт, что Тарья получила золото в России, очень символичен (оф.сайт).

Dendravenn  28 фев 2008