К 2020 году из спячки решили выползти титаны брутального дэта из Нидерландов Disavowed - новый альбом группа записала, сохранив прежний крепкий костяк, правда, после смены множества барабанщиокв-наёмников, за установку в итоге был приглашён относительно известный в драммерских кругах румын Септемиу Хэршан. Несмотря на солидный возраст группы, "Revocation of the Fallen" - всего лишь третий по счёту альбом от столичных брутальщиков.

С самого начала почему-то возникает ощущение, что вокал Роббе Кока сдал - он уже не чувствуется настолько яростным, как на предыдущих пластинках. При этом группа не сделала отхода в сторону. Структура риффов, которые являются техничными, не удараясь в бесконечную смену размерностей давящей на восприятие, плюс философские и многозначительные тексты, игнорирующие шаблоны - ну вот, казалось бы, все элементы на месте. Что же на "Revocation of the Fallen" не так? Думается мне, что проблема кроется в продакшне - звучание стало ближе к современным тенденциям, но в нём в сравнении с коллегами и старыми работами Disavowed не хватает энергии. Наиболее сильно это ощущается в гитарной игре Даниэла ван дер Брука и Гербена ван дер Бея. Что-то в этом звуке гитар отсутствует... Ко второй половине альбома кажется, что запас наиболее крутых риффов стремительно истощается. Хотя песни тут примерно такие же короткие, как принято в жанре, и по-настоящему наскучить в течение своей продолжительности диск не может, большого интереса риффы и песни не создают. Тем не менее, есть и явные положительные моменты - к примеру, хорошая работа Нильса Берндсена на басу. Хэршан также порадовал игрой на ударных, я бы даже сказал, что ему удалось переиграть самого Ромена Гулона, засветившегося на "Stagnated Existence" - предыдущем альбоме. Если же указывать пальцем на песни, то в целом, кроме первых трёх, достаточно интересно получилось разве что на "Egocentric Entity".

Крайний полноформатник Disavowed неожиданно не достигает того уровня, который группа показывала в своей музыке в давние времена. Работа выполнена профессионально, и пороха в её пороховницах достаточно на один залп, но, обладая таким опытом, думаю, грех не сделать альбом на пристойном уровне.

IJzerklompje  18 июл 2024

Жаль, но откровения не случилось. Очередная заглушка в дискографии. Даже имя дедушки Дезмонда в кредитах не помогло. Рассуждать подробно насколько альбом лучше 2012 / 2017 дело не благодарное. Ну на 15% он получше двух предыдущих, и всё. Лидер ВИА сказал, что будет продолжение "Dark Matters". Cобственно говоря, так и есть: скучно, плоско, почти без эмоций. Но и халтуры откровенной тоже нет, даже хиты завезли.

С другой стороны, если речь шла о роспуске предприятия после объявления Паули Рантасалми об уходе из группы, то мол, хорошо, что собрались, не упали духом, и хоть что-то записали. Я полагаю, что идеология альбома заключается в этом. Хотя, как по мне, Лаури просто переволновался. Всё-таки уход основателя и идейного гитариста событие не простое в делах музыкального коллектива. Наняли новенькую, скатались на Евровидение, записались. Пульс прощупывается.

Кратко о музыкальном материале. Песен в соавторстве с Чайлдом: 1, 2, 6. От души написана только Jezebel, и это реально резкий рывок на уровень 2003-2008. Лучшая связка на альбоме "Odyssey" - "Jezebel". Атмосферное интро с раскатистыми жирными барабанами, и следом хит, который мустангом скачет по альбому, настолько он крепкий, энергичный, красивый и с ходу цепляющий. Рука Дезмонда Чайлда образца "Black Roses" 2008-го - очевидна. Песня идейный наследник "Livin' In A World Without You", и лучшая на альбоме.

Что до остального материала... "Live and Never Die" и "Rise" - созданы по методичке "Как написать поп-хит". Технически исполнено безупречно, но души нет, и Расмуса в этих песнях тоже не чувствуется. Насколько был вымучен "Dark Matters", но тамошние танцевальные номера в лице "Empire" - "Crystalline" цепляют, и к ним хочется возвращаться. Здесь такого эффекта не наблюдаю. Весь остальной материал ровный, сдержанный, без откровений. Если слушали "The Rasmus" 2012-го и "Dark Matters" 2017-го, то добавить особо нечего.

Да, музыка стала более вдумчивой, чуть более разнообразной. Есть и откровенные поп-хиты, и атмосферные треки. Правда это не идёт на пользу атмосфере и целостности альбома. Материал воспринимается как фрагментарный набор разноплановых песен. Заметна повышенная техничность и менеджмент музыкального полотна: много подложек, электронных фишек, шугейзов и подобных украшательств. Жаль, это никак не помогает концептуально сдвинуть качество песен.

Влияние гитариста Паули Рантасалми почти стопроцентное. Большинство песен написано еще до его ухода. Так что перезагрузка "The Rasmus" с новой гитаристкой Эмилией Сухонен нас еще ждёт впереди.

Нужен ли вам такой "The Rasmus"?! Решать вам. Как по мне, музыкальные реформы в группе напрашиваются уже очень давно. Ощущение застоя и стагнации идут шлейфом за группой с начала 10-х годов. Лично для меня последний эмоциональный укольчик был в 2012-ом, после прослушивания "I’m a mess" - "It’s your night". Как это было давно... Неплохие песни, не более того. Но на фоне нового материала, они стали еще более выгодно смотреться, и я периодически к ним возвращаюсь, чтобы прикоснуться к маленькому осколку, того самого, фирменного мрачного "The Rasmus".

Verom  17 июл 2024

Странно, что на данный альбом ни один писака так и не обратил внимание. Тем не менее, он этого достоин не меньше, чем другие трэш-коллективы нашей большой страны. Московская формация "Тризна" появилась еще в 80-х и к 92-му году имела уже несколько демок, включая раннюю версию этого альбома, записанную при поддержке Кирилла Немоляева. Отсюда идёт длинная, славная и очень продуктивная история сотрудничества музыкантов "Тризны" и Кирилла, о которой, я думаю, все уже знают. Вообще сайд-проекты музыкантов Тризны - кладезь интересного рок-материала. Первый же альбом этих талантливых деятелей - "Out of Step". Безумный карнавал из необычных и приятных слуху ходов и неожиданных вкраплений чужеродных звучаний, который составляет дебютник, продолжает спустя 30 лет стоять на равных с современными трэшерами, которые предпочитают сочинять, опираясь на необычные идеи.

Смотря на дату и место, уже по привычке опускаешь претензии к характеру звука - да, здесь он не самый идеальный, но достаточно целостный, чтобы музыка не превращалась в кашу. Сама музыка же тут отличается крайней разнообразностью приёмов - одного сильного и многоликого вокала Ильи Александрова достаточно, чтобы заткнуть за пояс большинство соотечественников в аспекте уникальности. Клавишные от Геннадия Миронова встревают в песни, каждый раз с новым панчем - "I'll Never Be Your Slave" они приносят салунной игривости, в эпичной "Fear of Life" довершают создание арт-роковой атмосферы вступления, для "Merry X-Mas" они добавляют колядочной подвижности в начале, скорее всего, нарочно повторяя мотив одного хита в исполнении Колы Бельды. Каждая композиция разительно отличается от своего соседа, разве что трэшевая основа в какой-нибудь части трека и резвые соло Селезнева напоминают, что мы слушаем цельный альбом. Очень хорошо звучит бас Гукленгоффа, постоянно старающийся пробить себе место спереди звукоряда, и стабильные, но не слишком сумасшедшие барабаны от Станислава Вознесенского. Благодаря тому, как расставленные по всем композициям ловушки не позволяют утерять интерес, альбом легко слушается целиком и ощущается как запись без слабых мест.

Определенно, "Out of Step" - один из лучших альбомов русского трэш-метала, который вполне имел бы шансы ворваться и в мировые рейтинги, так как на Западе жанр стал несколько стагнировать, а арсенал москвичей имел сильный боевой потенциал на музыкальной арене той эпохи. Безусловно, рекомендуется к прослушиванию.

IJzerklompje  16 июл 2024

Поскольку знакомство моего поколения с тяжёлыми командами происходило во времена, когда такого широкого доступа в сеть ещё не было, мы часто изучали новое по мп3 дискам, купленным на горбушке / копируя альбомы из локалки. Из-за этого порой происходили казусы понимания дискографии, если какого-то альбома в локальной сети / на диске не было. Так произошло с моим знакомством творчества Orphaned Land - были концертники (бутлеги), были El Norra Alila и Mabool, а Sahara не было. Из-за этого я решил, что именно El Norra Alila дебютный альбом. И дебютник какой-то неровный - местами какой-то олдскульный death/doom, местами - задатки того, что выкристаллизовалось в окончательную фирменную черту группы на Mabool. Поэтому ни разу, практически, не слушал его целиком, только выборочные треки. Ну теперь понятно: El Norra Alila был переходным звеном между death/doom юностью и prog/oriental зрелостью Orphaned Land. А что же настоящий первенец группы? Как у любых талантливых музыкантов, дебютная работа уже продемонстрировала огромный потенциал, и является интересным музыкальным альбомом сама по себе. Вообще, особый строй ритм-секции в death/doom, как мне кажется, имеет глубокую связь именно с ближневосточной музыкой - даже у корифеев жанра, аля ранние Therion, Amorphis, Tiamat, Paradise Lost и т.д., нет да нет, да и услышишь в грязноватом жужжании гитар мелодику дворцов и пустынь древних Хорезма и Египетского царства. Что уж говорить про Orphaned Land, которые щедро одобрили свою Sahara сазом, кануном, удом, бузуки и различными местными перкуссиями. И это не считая отличную мелодику базовых инструментов, красивые соло Yossi Sassi, фирменные распевы, речитатив и гроул Kobi Farhi. На Sahara группа ещё не делает акцент политических и социальных вопросах, нарратив повествовательный, эдакие меддахи от мира тяжёлой музыки.
В 2018 я приобрел переиздание Sahara на виниле, и с тех пор люблю организовать прекрасный вечер - запустить пластинку, и пусть ближневосточные берберы несут в сказочные пески древнего Востока.

Zmej Gorynych  16 июл 2024

Затравка в виде описания "кавказский метал" не могла не заинтересовать, и это тот случай, когда альбом даже превзошёл ожидания.

Итак, Raida Rada начинается с какого-то действительно кавказского запева, но уже через 9 секунд на нас обрушивается мощнейшая стена thrash/death. Жирнющий, плотный звук, отличный рык вокалиста, всё по канонам жанра. В конце второй минуты небольшой хорал разбавляет эту реку энергии, а на 2:30 в дело вступает... Лезгинка! Да, подобно двум горным речкам, образующим слияние одной мощной реки, Concrete Age направили два музыкальных потока в один и мы получили очень необычный релиз. Мне понадобилось три раза полностью прослушать альбом (а он притягивает делать это раз за разом!), чтобы усвоить это весьма сложноприготовленное, но очень вкусное блюдо. Без "горской" эклектики это был бы просто интересный thrash/death релиз, который приятно послушать несколько раз, который имеет хорошую энергетику и запоминающиеся гитарные соло, но таких по всему миру выходят десятки каждый год. Но вот интегрировав народные мотивы, команда из Минеральных Вод (пускай музыканты сейчас живут в Лондоне, очевидно, что их музыкальные вкусы и идеи сформировались на юге нашей страны) смогли создать уникальный в своём роде альбом. Folk metal команды с самого начала формирования в отдельный стиль стали популярны в нашей стране. Eluveitie, Ensiferum, Korpiklaani, Alestorm, Equilibrium, In Extremo, список очень большой. И, разумеется, он породил множество подражателей в России. Часть из них оказались достаточно интересными, но базисом и наши группы использовали те же кельтские/норманские мотивы. А по-настоящему самобытный альбом получилось создать в 2024 четырём музыкантам Concrete Age. Использовав thrash/death каркас, участники группы украсили свой дом "горскими" мотивами, которые пусть и схожи с упомянутыми выше, имеют свою индивидуальность. Послушайте хоровые запевы в припевах Mestizo/Kara Köl: вроде и похожи на жанровые хоралы условных Ensiferum, но, в тоже время, аутентичны своему региону и имеют своё лицо. Красота кавказской музыки переплетаются с мощью и напором тяжёлого метала, и на выходе получается такое необычное творение. Две речки переплетаются на протяжении альбома всё сильнее, и сильнее, и в завершающем треке Adeghaga слушатель достигает катарсис.

Очередное доказательство - бери готовые музыкальные решения, приправь их своей душой и памятью родных мест, и на выходе обязательно получится музыкальная услада для слушателей.

Zmej Gorynych  15 июл 2024

Словно темным, мрачным, удушающим, дробящим пологом накрывает ORTHA с самого начала. Поджигая черной зажигалкой клочок манускрипта, на котором написано Атмосферик Блэк Метал. Оказалось, зря поджигали, но начало хорошее - истинно черно-металлическое, не успокаивающее, а бодро закапывающее. С некоторыми последовавшими включениями именно что воздушными и даже темно-облачными.
Среди пластов бешено несущегося звука появился слой с вокалом — какой-то волчий отрывистый и более продолжительный вой - ор. Все признаки Форест Блэка налицо. Ну и вокалист не побоялся спеть чуть более чистым вокалом, который в туго сплетенном канате музыкального послания оказался не лишним. Чистые линии будут использованы и далее по альбому - дозировано, с тактом.
Автор, кажется, начинал с сочинения не драйвового блэк-металлического шторма (который с течением диска становится более внятным и разборчивым), а с мелодичных, воздушных мостов, для создания которых долго и основательно тренировался.
Невозможно сказать, что он изобрел вдруг нечто новое, но здесь этого и не надо. Есть методики, которые в Хэви Метал давным-давно обозначил Тони Айомми из Black Sabbath: «Eсли сделать здесь поспокойней и мелодичней, то после этого моста, жесткие партии будут выглядеть более свирепо» (не дословная цитата). Неудивительно, что блэк-металисты увлекаются такими штуками — в их музыкальных конструкциях совет олдового ветерана гитары становится просто нормой антижизни.
Вот к тому я и подмечаю, что автор ORTHA просиживал долгими зимними вечерами с гитарой и, может быть, клавишными, записывая свои мелодические идеи сразу на жесткий диск. Кое-что удалось воплотить на альбом «Возвращение» - где-то на 40 минут Atmospheric Black Metal.
Музыкант смог в некоторых композициях сделать с самого начала определенный акцент на драйв - точно построенный и неплохо аранжированный — «Волчий перевал». Так что с блэк-металическими риффовыми и ритмическими структурами все в порядке. Там же на «Перевале» сделан нормальный натиск на мелодический и даже несколько эпический аспект.
Эпическая линия продолжена в «Долине потерь», здесь она приобретает довлеющее и, в некотором смысле, контрольное значение.
В лирическом плане диск объединен сверхидеей - не навязчивой, но вполне оформленной музыкально. В этом же смысле финальный трэк «Возвращение» обретает торжествующий акцент, впрочем перемешанный с нотками сожаления и грусти, а также осмысления всего музыкального путешествия по угрюмым пространствам альбома.
Отмечу толковое сведение материала, которое обеспечивает адекватное восприятие на аппаратуре хотя бы среднего уровня.
P.S. Как оказалось, автор совершил перед написанием альбома поход в горы, где по возможности напитался эманациями хребтов и каменного хаоса. Что ж, можно признать, что НЕЧТО из этого проступает на диске...

resurgamresponses  12 июл 2024

Вывести на арену австрийский дэт у Disharmonic Orchestra получилось на 4 дня раньше коллег из Pungent Stench, с которыми те шли рука об руку и с которыми вместе подписались на развивающийся в те времена лейбл Nuclear Blast. После достаточно тепло принятых сплита и миньона, 5 апреля 1990 года на арену выходит чудище c достойным содержания названием - "Expositionsprophylaxe". Написанное на немецкий манер слово означает комплекс превентивных мер по недопущению контакта с патогеном. Стоит отметить, что англоговорящие почти не используют слово "профилактика" вне научного контекста - везде встречается "prevention", что добавляет альбому в глазах публики заковыристости. На данной пластинке ещё оставались явными наиболее первобытные черты устройства шайтан-машины австрийцев, которая предчувствует свою неизбежную утилизацию в пользу ещё более навороченного механизма и стремится задавить и изничтожить как можно больше на своём пути за ограниченное время. Обложка альбома, представляющая собой некое заброшенное и опустошенное индустриальное здание, вполне соответствует настроению альбома, навеянному апокалиптическими настроениями и Холодной войной - центральной темой текстов первой половины альбома.

Музыкальные формы, используемые оркестрантами, уже начинают жаловаться на дискомфорт внутри дэтграйндовых рамок, удерживаемых на демках. На песнях свежее, отход от нормы превратился в обыденность, а смены ритмов участились, при этом являют собой что-то умнее и содержательнее, чем простая смена одного бездумного тарабана на другой. Патрик Клопф умело комбинирует примитивные и усложнённые риффы, щедро приправляя их устрашающей силы флажолетами, а лихие ударные Мартина Месснера полностью устраняют ощущение простоты материала благодаря безбашенной отдаче и качеству ритмического полотна. Бас-гитара Хервига Замерника бледнеет на фоне бушующих соседей. Наперёд зная, что звёздный час этого инструмента впереди, ожидалось больше смелости в создании басовых партий, но более скромный бас даже превращается в плюс - он вносит ключевой вклад в сохранении целостности материала, который иначе рисковал испортиться и утерять всякую целостную структуру. Вокал Клопфа крайне груб, социопатичен и укрепляет жуткую атмосферу даже там, где тексты всасываются в трясину сюрреалистичного лепета, который засквоттит последующее творчество Disharmonic Orchestra. Удивительно, но в таком разношёрстном альбоме нет слабых звеньев, хотя первые 6 треков особенно круты и нешаблонны.

Стоит признать, что данная работа стала одной из первых в дэте, чей высокий статус в первую очередь заслужен не влиянием на сцену или техничностью исполнения, а именно гениальностью. Релиз вышел не просто смелым - он, словно камикадзе рассекает над полем настолько низко, насколько это возможно, чтобы с ювелирной точностью в нужный момент подцепить каждого винтами и разорвать на куски. Он так же страшен, как ядерный взрыв, и так же ошеломителен, как лавина пепла, посыпающего голову. В альбоме сильны гены грайндкора, но по методам и смысловому наполнению "Expositionsprophylaxe" настолько же отличается от "бестолкового шума" остального дэт-грайнда, насколько отличается "Герника" Пикассо от остальной непостижимой обывателю "всякой бестолковой мазни".

IJzerklompje   4 июл 2024

В одном интервью, лидер сегодняшних героев Трэвис Джирон, упоминал, что кроме них в Юте никто дэт практически не играл, и судя по Метал-Архивам, это так и было - банд в Солт-Лейк-Сити, исполняющих экстремальный метал, можно было тогда пересчитать по пальцам. Тем более становится удивительно, насколько смелый и необычный дэт продвигала банда уже с дебютника, выпущенного, хоть на коленке и малым тиражом, но на настоящем CD. Те детали, которые получили развитие и достигли пика безумия на "Omnipotence", активно использовались группой и тут.

Музыка своим по неземному тяжелым саундом и гуттуралом Лорина Кука напоминает ужасный Demilich, и эту группу очень часто используют для общего описания стиля группы. Как и финны, группа любит периодически накрутить нестандартные нотные комбинации, при этом американцы предпочитают расставлять их по 4/4 и 5/4, заставляя их звучать на порядок хитрее, чем есть на самом деле. Звук, конечно, вышел не самый чистый - группе на иной, скорее всего, просто не хватило технических возможностей. Тем не менее, по манере исполнения альбом очень близок к последующему, выше упоминаемому второму альбому. Джирон постоянно радует свежими сбивками и ударные в целом приковывают внимание, несмотря на то, что и у баса хватает минут славы. Джейсон Мартц сочинил соло, звучащие разительно мягче и милее остального наполнения полноформатника, что сближает "Anthropological Infestation" и авангардные шедевры "Pan.Thy.Monium". Риффы здесь могут от морбид-эйнджеловских и нью-йоркских мотивов уходить в слэмовые территории, при этом практически на всех треках есть несколько таких переключений. Интерес вызывает и регулярное переключение внимания с одного инструмента на другой. Однако главный парадокс пластинки в том, что она создаёт ригидную, серьёзную атмосферу, к которой необходима адаптация. Игривости в материале намного меньше, чем у сородичей, и более мелодичные по своей натуре соляки могут только нагнать эти специфические ассоциации. Важно отметить "Inner Cerebral Exploration", "An Opinionated State of Mind", "From Birth to Decay" - по моим ощущениям, данные треки наиболее ярко демонстрируют полет мысли подальше от предосудительных взоров мормонов.

Данный альбом, хоть и страдает он не самого лучшего продакшена, не является плохим, и вполне сойдёт за удачную и оригинальную пробу пера. После "Omnipotence" все заковыристые места "Anthropological Infestation" уже не воспринимаются как что-то непостижимое, но удовольствие от прослушивания не пропадает.

IJzerklompje   1 июл 2024

Как-то так повелось на Руси, что наиболее забойными альбомами Dark Lunacy считаются три первых альбома, это даже отмечалось в комментах к первым двум обзорам. Ну, более всего из-за того, что эта итальянская команда массивно обращалась к русским темам. И здесь, на третьем альбоме «The Diarist», это кажется произошло по максимуму. Даже судя только по названиям трэков.

Группа начинает очень предсказуемо с песни «Дубинушка, ухнем», и очень скоро «дубинушка» превращается в толковый MDM, который 17 лет назад надоел гораздо меньше. Но это просто шутка, MDM с самого начала и по нынешние времена имеет достойную когорту поклонников.
Команда довольно интересно миксуeт MDM с русским фолком... Имея в виду металлические приоритеты, тема решается интенсивно, мощно, с хорошим рафинированным звуком, и на какое-то время вы даже забудете про «дубинушку»... но не тут-то было, хор всплывает вновь где-то посередине трэка. Кстати, песня называется «Аврора».
Во втором трэке включена уже речь Молотова по поводу начала войны, которую он по просьбе Сталина читает по радио. И если в первом трэке MDM был резвый, скоростной, то здесь он более близок к мид-темпо, хотя такой же напряженный. И похоже музыканты пытаются передать и эмоциональное напряжение. Вокалист здесь отработал на высокие баллы, очень динамично и даже яростно.
Вы что-то спрашивали про неоклассические вставки? Есть такое в начале «Пулковского меридиана». Но впрочем немного, как и полагается в металлическом произведении, тут вам не опера. Музыканты продолжают верстать интенсивный Melodic Death Metal, насыщенный, резкий, буйный, с мелодикой, которая прорывается виде небольших гейзеров в теле этой песни, переходящие в думовые куски — мрачные, безысходные. Тут нашлось место и трагическому оргАну в своем естественном месте обитания, а не в виде приправы к зубокрошительному метал-блюду.
Трэк «The Diarist» начинается спокойно с пианино на фоне ритм-секции и атмосферными лэйерами в виде той же речи Молотова (онa и далее будет цитироваться по альбому), взрывов бомб и детского плача. В принципе, это вставка - интермедия между треками.

В альбоме присутствует и трепетный женский вокал, которому просто монструозно оппонирует харш вокалиста Mike Lunacy. И там, где они звучат рядом, экстремальный просто забивает своей мощью.
Диск продолжается забойными MDM-трэками в которых симфонических фишек стало гораздо меньше, чем в первых двух альбомах. Но они есть — точечно, с умом и по поводу. В рецензии на первый альбом DL я процитировал Enomys'a, гитариста и пианиста группы раннего периода, который описал стиль Dark Lunacy как "Dramatic Death Metal". И там это казалось более эмоциональным (с его стороны, как исполнителя, мало что ли симфоник-метала мы слушали) описанием их музыки. Сейчас бы я добавил одно слово в это описание - Dramatic MELODIC Death Metal, и это было бы более точно в отношении именно внешней стороны альбома.
В трэке «On Memory's White Sleigh» Майк поет на русском. Это трудно разобрать, но мне почудилось, я проверил, так оно и есть.
Кстати, на обложке компакт-диска есть заметка в рамочке, где написано «Никаких политических отсылок».

resurgamresponses   1 июл 2024

В сентябре 2019, двадцать лет спустя, Металлика вновь выступила с симфоническим оркестром Сан-Франциско. Как обычно, были сыграны как проверенные временем классические боевики группы, так и свежий материал. Это шоу было задокументировано и выпущено 28 августа 2020 года в виде нового концертного альбома группы.

Потрясающее выступление, группа вновь подошла к своему творчеству с новой стороны и снова доказала, что симбиоз симфонии и металла возможен. Дирижер симфонического оркестра Сан-Франциско Эдвин Аутвотер сделал интересные аранжировки к песням Металлики. На этом шоу группа и оркестр выложились по полной. Двадцать лет спустя Металлика повторила успех своего первого опыта игры с симфоническим оркестром.

Группа сыграла вещи со всех альбомов. Очень понравилась интерпретация The Unforgiven III, Джеймс Хэтфилд пел только в сопровождении оркестра. Сама по себе это очень сильная баллада, но здесь она заиграла новыми красками. The Day That Never Comes - мощный боевик, проверенный временем, достойно занимает место на этом уникальном альбоме. Moth Into Flame - превосходный самый сильный хит с Hardwired'a, заслуженно занявший место среди бессмертной классики группы. Halo on Fire - ещё одна жемчужина альбома Hardwired зазвучала с новой силой в оркестровой аранжировке. Из приятнейших редкостей - акустическая версия All Within My Hands с Эйви Винокуром в качестве бэк-вокалиста, которая великолепно смотрится с оркестром. Стоит отметить исполнение (Anesthesia) - Pulling Teeth, как дань уважения Клиффу Бертону. Бессметное соло сыграл контрабасист Скотт Пинджел.

Отдельно порадовали отсылки к русской и советской музыки Сергея Прокофьева и Александра Мосолова - "Завод. Музыка машин” и “Скифская сюита”.

Сама идея объединения симфонии и металла уже не нова, но не стоит забывать, что именно Металлика положила начало моде на совместные выступления с оркестром металлических групп, да-да, скептики тотчас же укажут на Deep Purple, но когда это было? В 1969. Но то выступление не дало массового импульса подобных выступлений. Металлика сыграла свое первое шоу с оркестром в 1999 году, а затем такие выступления "симфония/металл" посыпались как из рога изобилия. Так что, пусть сама идея не нова, но это всегда интересно, некое обновление привычного материала.

Однажды в интервью «MTV», ещё посвященному их первому выступлению с оркестром, Ларс сказал: «Знаете, по поводу этой штуки с оркестром… так круто вышло отчасти потому, что этого не было слишком много. Нет смысла делать сто таких концертов. Это здорово, что можно к этому опыту вернуться и время от времени выступать с оркестром по особым случаям, ну вы понимаете: «Сейчас две тысячи второй год, и мы приехали на две недели в Австралию, давай-ка сыграем с симфоническим оркестром Сиднея», ну что-то вроде того. Но специально делать тур? Нет, я думаю, это нарушило бы саму атмосферу события». Все верно, именно так они и сделали.

А вот что сказал Ларс в 2019 году уже о новых шоу: «Басовое соло в “Anesthesia” было просто невероятным. И то, как фанаты реагировали на него, — просто до мурашек! Мне очень понравилось играть “Iron Foundry”. Мне также нравится заново вспоминать те песни, которые мы играем не очень часто, такие как “The Outlaw Torn” и “The Call Of Ktulu”. Мне понравилось, как Эдвин (Edwin Outwater) привнёс некоторую динамику, когда звучал более роковый материал, и как Майкл Тильсон-Томас (Michael Tilson Thomas) — наш маэстро, настоящий гуру этого мира — добавил совершенно иные элементы и дал поклонникам понять, где пересекаются мир симфонической музыки и рока.

Но больше всего мне понравилось то, что никаких барьеров не было. Когда в последний раз ты ходил на рок-шоу такого масштаба без них? Что делают эти барьеры? Что это значит? Это вопрос безопасности, но по сути это то, что разделяет людей. Мне нравилось просто гулять среди фанатов. В какой-то момент я откинулся назад и позволил себе окунуться в их объятия. Это был просто восхитительный момент!»

Так что если есть желание послушать что-то необычное и по-новому взглянуть на привычные хиты группы - послушайте S&M2 - прекрасный концертный симфонический альбом. Безусловный шедевр.

   1 июл 2024

Сделав передышку и записав инструментальный сольный альбом (кстати, очень неплохой), неутомимый грек Гас Джи вернулся к своему условно-основному детищу Firewind и выдал достаточно крепкий и относительно лаконичный (всего 43 минуты) релиз. Сразу стоит сказать, что это второй альбом с Херби Лэнгансом, которого я считаю самым неудачным фронтменом за всю историю группы, «непрокашлявшийся» вокал которого больше подошёл бы либо к коммерческому хард-року, либо же чему-то более жёсткому типа thrash metal. Но в профессионализме ему, конечно, не отказать, и поэтому многим смесь Удо Диркшнайдера и Джона Оливы может показаться даже притягательной. Тут, как говорится, на вкус, на цвет…

Первые три трека – это образцово-показательный Firewind с бодрящим пауэрным драйвом, яркими соло и запоминающимися припевами, которые не портит даже Херби. Если не с первого, то со второго раза они начинают цеплять, не вызывая никаких нареканий. Особенно хороша «Destiny Is Calling», хотя и заглавная композиция получилась тоже очень энергичная и хитовая. Далее идёт достаточно стандартный, но тоже вполне неплохой среднетемповый хэви-трэк «The Power Lies Within», слегка напоминающий Accept. А вот «Come Undone» чуть слабее, и хотя тут тоже есть претензия на хитовость (всё-таки это второй сингл с альбома) и мощные куплеты, но довольно пафосный хардроковый припев звучит слишком заурядно.

Вторая часть альбома ещё менее удачная и намного более эклектичная. «Fallen Angel» (третий сингл) начинается со смешного восьмибитного вступления и супер-заезженного хэви-металлического гитарного рифа и звучит хоть и бодро, но не ахти как креативно. «Chains» - это уже чистый коммерческий хард’н’хэви с типичными хоровыми подпевками в припеве (явно работа Дэнниса Уорда, который всесторонне помогает Гасу во всех его последних работах), тоже уж очень стандартный. «Land Of Chaos» - тоже хороший замах с драйвовыми куплетами и уход в слишком пафосный, не особо удачный припев. Кавер на поп-регги 80-х «Talking In Your Sleep» от The Romantics звучит, конечно, тяжелее оригинала, но лично мне кажется скорее разовым приколом, чем какой-то супер-зажигательной металлизацией древнего шлягера. Ну, и финальная полу-баллада «Days Of Grace» хоть и вносит некое разнообразие, но тоже соткана из уже до боли известных приёмов и не особо вдохновляет.

В итоге имеем неплохо записанный, хорошо сыгранный, весьма профессиональный материал выше среднего, но уж очень типичный, без каких-либо откровений и с множеством фрагментов, постоянно вызывающих дежа-вю. Да, для тех, кто хард-рок ценит не меньше пауэра, этот релиз может понравиться больше, да и каждая композиция по-своему нацелена на определённую аудиторию, но всё-таки от музыканта такого уровня, как Гас, всегда ждёшь чего-то особенного. И проблески таланта особенно плотно сконцентрированы в первой половине альбома, который слушается без напряга от начала до конца. И если бы грек был столь же изыскан в риффах, как и в соляках, а весь материал был бы уровня первых трёх песен, «Stand United» был бы гораздо сильнее. Тем не менее, ни о каком провале речи нет, да и предыдущий релиз был, на мой взгляд, намного слабее. Ну, а технический уровень музыкантов и хорошая запись дают полное право надбавить один балл этому вполне крепкому, хоть и не шедевральному релизу.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum  30 июн 2024

В альбоме создана необычная атмосфера старого запущенного театра, где перед невысокой сценой, спрятанной за видавшим виды когда-то бордовым занавесом, стоят три ряда стульев.
Спектакль начинается - под ржавые стоны шторы раздвигаются, представляя немногочисленной публике дощатый пол и безыскусно украшенную заднюю стену. На пыльную сцену при плохом свете выходит лысый вокалист в костюме дьявола из потрепанного черного плаща с красной подкладкой. В этом спектакле зрителям предстоит увидеть множество декораций: ржавые мечи, ветхие, траченные молью чучела мамонтов, сменившие не одного владельца, изысканные, причудливо исполненные изображения жеманных жриц в облегающих нарядах из зеленоватой материи.
Обложка и содержимое буклета напоминают различные театрализованные ритуалы Богемской Рощи или европейских тайных обществ масонов-эзотериков 20-го века.

Теперь прерву поток ассоциаций и попробую выразиться точнее.
В 12-м полноформатнике Abigor вновь удалось удивить. На этот раз музыканты не ударялись в “чистое поклонение” путем избегания дополнительных эффектов, не мешали музыку в сливающийся фон. В основе альбома лежит гитарная работа и “симфоничность”, пришедшая с полноформатника 2014 года, но не ограниченная стандартными инструментами. Группа не “бунтует”, делая материал намеренно дисгармоничным и умотным, трудным для прослушивания. Многие песни среднетемповые и не часто переходят на высокие обороты. Эта манера подачи и позволяет внедрить в композиции женский вокал, разнообразить фоновый эмбиент, добавить необычные (поразительно красивые) гитарные соло, например, в песне 1 и 3.
Однако не стоит думать, что группа ударилась в мелодизм и легкодоступность, вовсе нет. На тех же самых треках 1 и 3 есть особенно быстрые участки, которые ярко проявляются на фоне замедлений. Тем более, на альбоме есть композиция Soldaten Satans, где, как мне кажется, Силениусу помогал Микко Аспа. Поначалу песня ошеломительно резкая, к концу переходит в мощно-торжественное и эпичное исполнение. Из других активных песен могу назвать Extermination Angel, там мне понравился звук барабанов, имитирующий удары стальных крыльев.
На треках 6 и 7 я услышал материал, вдохновленный power metal со скандинавской тематикой. Чистый вокал как раз задает морской задор и кураж. К тому же, тот самый Forniotr – персонаж скандинавской мифологии. Концовка 7-й песни – мощнейший блэко-павер – получилось просто невероятно! К сожалению, я не понял, кто именно исполнял партии чистого вокала, но, похоже, этот музыкант появлялся на сплите Abigor / Nightbringer / Thy Darkened Shade / Mortuus. Кстати, трек Abigor там как раз в духе обозреваемого релиза.
Cult of Elder Chaos, находящийся в середине, пожалуй, самый сомнительный трек альбома. Он тягучий до неприятности, а текст, который пропевает вокалистка (ее быстро узнали), простоват. Обратил внимание, именно в этой песне и в треке Feasting on the Prophet’s Blood вокал Силениуса звучит очень театрально, пробуждая описанные раньше ассоциации. Понравился развязный женский вокал, периодически появляющийся в песнях, а где-то и прямо рождающийся из скрима Силениуса. Могу сравнить его введение с точно продуманной инъекцией яда.
Игрищ с динамикой на альбоме предостаточно, это скорее фирменный стиль группы. Взять хотя бы заключительную песню Morning Star Anthropophagia – и рубленой тяжести выдали, и около оперных скримов подвезли, и этноэмбиент с демоническими кряхтениями вставили, да еще и на классику намеков оставили.
Думаю, что альбом заслуживает высший балл, несмотря на шероховатости в серединной песне. Понятно, что радикально новых изменений в свой стиль группа не внесла, но довела до идеала все идеи, эпизодически появлявшиеся на предыдущих работах.

FeverHeat  29 июн 2024

В поиске чего-то сумасшедшего порою натыкаешься на такое, что заставит почесать репу, хоть ты сначала готовился к каким-нибудь спрятанным сюрпризам. Mentality - малоизвестная группа из словацкой Жилины, и альбом у них этот, как и положено таким чудным коллективам, единственный. Внутри альбома скрывается разукрашенное чучело, которое натянули на скелет дэт-грайнда. Но вот создаёт ли это всё красивую картину или это будет звучать как курган из разных странностей?

Всякий раз удивляюсь, как лихо команды всего мира умудрялись ставить свои синты в более жёсткую музыку, когда трэшеров с клавишными по пальцам можно пересчитать. Разумеется, свои партии клавишник Брано Копас напихал во все места, а также разграничил песни всякими сэмплами. Но со стыковкой клавишных и прочей музыки возникают заметные проблемы. Особенно нелепо это выглядит в конце "It's About Time" - некий самодельный псевдо-семпл, который на корню ломает настроение песни. В целом то же можно сказать и о риффах - не всегда из практически случайных прыжков в размерностях и по сто раз закрученных лент Мёбиуса выходит головоломка, за которой возникает охота ломать мозг. Вокал Влада Карваги постоянно бросается из истеричного скриминга в лай, и ничего примечательного в нём не находится. По звуку претензий нет - все инструменты звучат в меру объёмно, как не завалились осадком на дно и дополнительные элементы. Барабаны Расто Петровича прописаны чуть более однообразно, чем ожидаешь. Ударные большую часть времени молотят и переключаются на несложные сбивки. В целом группа не воняет непрофессионализмом, а вот юношеский максимализм оставил негативное влияние. Блюдо это переварить довольно сложно, в отличие от, например, тех же Pan.Thy.Monium, на который местами походит работа словаков. Из треков, которые содержат кайфовые элементы, отмечу вторую половину "PPCP", "Quit" и "The Inexperienced Butcher". Остальное же как-то стремительно выползает из уха, в которое влетело.

Альбом, который мог быть жемчужиной и имеет в распоряжении рецепт успеха, пытаясь создать какой-то неведомый доселе микс из авангардного дэта и грайнда, встретил многовато препятствий - недостаток мелодий, бледность вокальных данных Петровича, уже достаточно поздняя дата выхода. В итоге данная кассета представляет собой скорее не головоломку, а бизиборд. Не знаю, что может меня сподвигнуть вернуться к Mentality, но если это случится - это будет нескоро.

IJzerklompje  21 июн 2024

Эта музыка апеллирует к поистине теллурическим вибрациям, распространяя гнетущую атмосферу на весь фронт повествования. Jamie Saint Merat выступает здесь краеугольным камнем, филигранно и тонко расставляя акценты, словно это продолжение опуса Ulcerate. Правда, Verberis скорее более близки к миру Deathspell Omega и производным от него. Здесь бьется тот же нерв, что и в творчестве француза, вплоть до точного воспроизведения определенных конструкций, поэтому музыка на данном альбоме не может считаться хоть сколько-то уникальной, но это не умаляет ее качество. Крепкий уровень исполнения подкрепляется хорошим знанием вопроса, когда все стилистические каноны выдержаны в едином ключе, правда, резких и ярких перепадов темпа не так уж и много, из-за чего ближе к концу градус интереса снижается, а звуковая ткань уходит все глубже и глубже в медитативную плоскость. И тут уже начинают возникать аллюзии к Oranssi Pazuzu, но конечно же не в самом сильном обволакивающем виде, без засасывающей трясины, хотя и довольно психоактивные по своей сути. Запись пролетает быстро, оставляя двоякое впечатление - с одной стороны все грамотно исполнено и подогнано, но в тоже время чувствуется нехватка целостности и индивидуального почерка. Не покидает мысль, что под такие великолепные ударные можно было придумать что-то более стоящее и монументальное, может авангарднее и сложнее, а получился очередной представитель семейства DsO. Прошлый альбом, если мне не изменяет память, был на порядок интереснее, хотя и при прочих равных.

CORONEROUS  18 июн 2024

Так, это тринадцатый альбом группы. Несчастливый, так сказать, по некоторым поверьям. Кому — счастливый, а кому и нет.
А вот сразу вам состав участников.
DAVID GILMOUR - Guitars, Vocals, Keyboards & Sequencers,
NICK MASON - Electric & Acoustic Drums & Sound Effects,
RICHARD WRIGHT - Piano, Vocals, Kurzweil & Hammond Organ.
И, конечно, ваш наметанный взгляд уловил, что нет здесь одного музыканта - РОДЖЕРА УОТЕРСА — великого, непостижимого и весьма занозистого. Ну, великие - многие такие.
Конфликт интересов начал нарастать во времена записи The Final Cut (1983), а скорее всего и ранее. Но тут реально наступило обострение с разрывом. Уотерс решил во-первых уйти, во-вторых развалить группу. Ну типа - «не доставайся же ты никому». От чего Гилмор сотоварищи как-то о(фиг)ели и возмутились.
Суды.
Суды постановили, что сотоварищи имеют право на название. И это произошло ПОСЛЕ того, как Гилмор and Co записали и выпустили сабжевый альбом, и начали гастролировать в его поддержку!! Это была рисковая тема.
Ну, я думаю, издающий лейбл взял все возможные издержки на себя. Да и по факту - юристы EMI и CBS поизучали имеющиеся документы — контракты, и посчитали, что все нормально. В принципе, у лейбла был контракт с группой, по которому музыканты были обязаны выпускать альбомы... А юристы разберутся, что и почем.
Вот вам еще прикол - Уотерс решил после выпуска пластинки вставить свои пять копеек. Вот же неугомонный… Он так сказал: «Это просто мусор, отчасти потому, что это всё ненастоящее. Это как, «давайте попробуем написать песни, которые звучат так, как будто они написаны Pink Floyd и запишем альбом, который звучит как альбом Pink Floyd».
Забыл вот эту тему - если это похоже на утку и крякает, как утка, то это и есть утка.
Так что A Momentary Lapse Of Reason - это самый настоящий добротный Pink Floyd, что бы и кто бы об том не написал нехорошего.
Начинается диск приливом, который, может быть, бьет волной как раз в кровати, выставленные на обложке*. С тончайшими спецэффектами типа трепетных муравьиных колокольчиков. (Продюсеры Боб Эзрин и Дэвид Гилмор отработали на высшие баллы). Вот если вы хотели узнать, что такое атмосферность - так это сюда - в начало альбома. Атмосфера и объем. Все эти звучки, капли, прокрутки, синтезатор, голоса - они заставляют ощущать себя в каком-то гигантском помещении, баллоне, дирижабле. И синтезатор по-тихому длинным пассажем, вдруг подводит вас к началу Музыки. Гитара трепещет фибрами и струнами на ветру. И это гитара Гилмора — такая пинк-флойдовская…
Воспоследует продолжение как раз именно чисто фирменное, такое, какое ожидали миллионы фэнов по всему миру. Эта группа за десяток (или даже ранее) альбомов выработала свой стиль - неповторимый, так что его узнает каждый меломан. Не только музыка, но и в потрясающем смысле особые приемы, манера построения композиции, тревожащая глубина, и сложность музыкального наполнения, дышащая многослойность повествования.
Ведущий вокал везде - вокал Гилмора, плюс четыре бэк-вокалиста. Так что все путём — этот, как и другие альбомы группы, НУЖНО слушать на толковом аппарате, минимум среднего уровня, и всё будет. И ошеломляющие низкие частоты и нежнейшие, режущие высшие. А также широчайший динамический диапазон.
Все это барство звука создано с участием клавишных, синтезаторов и, как вы заметили, органа Хаммонд. Кроме того в некоторых местах даже вокал выступает примоченным, слегка искаженным электроникой (Round and Around). Все вот эти бесчисленные спецэффекты и специальные приемы звукоизвлечения не утомляют, а наоборот - мощно разнообразят звучание альбома, к тому уже делают его непохожим на работы других мастеров современной артистичной музыки. Например, почти половина трэка Dogs Of War похожа на игру в тактические музыкальные шахматы, и каждый ход отмечен рокочущим синтезаторным пробоем. Почти не пение, почти наррация - угрожающая и тревожащая сопровождается неакцентированными рыками кибернетических собак... Далее вступают мощные титанические гитары, которые перемежаются скулящими партиями тех же струнных...

Кстати говоря, сходил на сайт ПФ и почитал спецификацию на этот альбом. Оказывается, здесь сыграли три саксофониста на вот таких инструментах - Alto & Soprano Saxophone, Tenor Saxophone и просто Saxophone.
Еще из фактов - это альбом, который не объединен общей концепцией, просто отдельные песни. Однако в пику этому факту можно отметить, что музыкально пластинка весьма монолитна, это бесспорно. Конечно, это может быть гипнозом от ПФ, когда мы уже привыкли к концептуальным альбомам команды. Может быть, но это нисколько не мешает воспринимать альбом цельным произведением.
Ну и если вы все еще раздумываете, купить винил или нет, (ой, да в нем же не играет Роджер Уотерс), приведу цифры — только в Штатах он был продан 4 миллиона раз.

* Кровати на обложке настоящие, и это не фотомонтаж. Недавно узнал, что их выставляли на берег два раза, ибо помешал дождь. По моему, эти дизайнеры просто сумасшедшие.

resurgamresponses  15 июн 2024

Итальянцы Hour of Penance, казалось, по-настоящему взлетели ближе к началу 10-х, выпустив разом 4 крайне мощных альбома, и к 2024 году у группы созрел материал для написания девятого по счёту полноформатника. Названный "Devotion" и изданный на Agonia Records, он собрал чуть более сдержанную прессу, чем остальные работы. Тем не менее, я убеждён, что сия пластинка находится на одном уровне с остальным творчеством.

Начать стоит с барабанов нового участника Джакомо Торти - вот здесь возникает ощущение, что игра стала слегка более скудная и однообразная. Подыгрывает упадническим настроениям не самое удачное микширование ударной секции. Тем не менее, лавина гитарных риффов не прекращает напирать на слушателя, а характер звука лишь подчеркивает динамику представленных гитарных пассажей. По качеству риффов нет нареканий - на протяжении всего полотна нет ни ахиллесовых пят, ни чересчур одинаковых фрагментов. Hour of Penance отличает умение вложить содержимое в удобные 3-4 минуты, не растекаясь мысью по древу и донося всё, что укладывается в композицию, потому альбомы приятно слушаются целиком. Этот не стал исключением и с оговорками первые разы прошёл, как по маслу. Игра Джулио Москини и Паоло Пьери отмечена небольшим количеством не бросающимся в глаза отходов от нарезки брутал-дэта, как, к примеру, в "The Morality of Warfare" - квазимелодический паттерн стар, как мир, но работает отлично. Другие песни, заслуживающие внимания - "Severance", "Parasitic Chain of Command" и "The Ravenous Heralds".

Новинка от римлян вышла вполне добротной, на уровне, который стабильно показывала команда до этого на своих пластинках. Однако есть и некоторые минусы, включая уже упомянутый слабоватый нефактурный звук барабанов, слегка наскучивший вокал и безобразная обложка, слепленная искуственным интеллектом.

IJzerklompje  15 июн 2024

Сей опус уважаемых новозеландцев призван не столько расширить и без того богатую музыкальную палитру коллектива, сколько изыскать в имеющейся породе более глубинные эмоциональные оттенки. Постепенное движение к этим кондициям, от альбома к альбому, достигается планомерным снижением концентрации резких шквалистых фаз, на контрасте с увеличением владения разреженной и плавной атмосферной вязи. Ключевое отличие Ulcerate от других "пост" формаций заключается в крайне отлаженном и резком контроле за происходящим, когда даже наиболее мягкий проход существует в единой стилистической канве, не выпадая и не снижая градус общего напряжения. Это свойство команда приобрела со временем и оттачивает до сих пор, уже не нуждаясь в постоянном нагромождении обскурного гнета для поддержания цельности, хотя и не отвергая его как такого, но и не завися от этого фактора настолько как прежде. Происходит движение в сторону стирания стилевых границ, хотя дэт все еще имеет место быть, как основная реперная точка этой изменчивой конструкции. Исподволь, тут и там возникают обволакивающие мотивы, но специфика местного устройства такова, что любое мелодическое или ритмическое сопряжение норовит быстро ускользнуть от восприятия, трансформируясь, поэтому важно представлять картину в целом. Начинают наиболее полно проявляться ориентальные мелодические фразы, которые ранее носили лишь характер мазков и намеков. Это полотно равновесно, но и оно обладает свойством утягивать в бездну, где "атональные черви" основательно елозят в завитках гармонических лабиринтов. Эта работа настолько детально проработана, что возникают обоснованные сомнения, что кто-то сможет в обозримом будущем достигнуть подобного уровня детализации и раскрытия сюжета.

CORONEROUS  14 июн 2024

Я долго думал, как подойти к разбору данного альбома. Всё-таки Carcass – команда, без преувеличения, культовая, навеки оставшаяся в анналах тяжёлой музыки как новаторы и первопроходцы… Горграйнд на заре карьеры, зрелый и эталонный дэт-грайнд на великом и ужасном “Некротицизме…”, фактически изобретение в 1993 г. чистого мелодик-дэта за пару лет до того творческого взрыва, который устроили пацаны из пригородов Гётеборга, и просто лучший дэт-н-ролльный альбом в принципе, ставший “Лебединой песней” для группы. Всё, до чего в музыкальном плане дотягивались руки Билла Стира, Джеффа Уокера и Кена Оуэна, обретало свои каноничные и законченные формы, оставаясь примером для подражания для сотен и тысяч последователей, этаким маяком, и просто экспонатом Палаты мер и весов. Да и вообще Carcass – это одна из моих самых любимых групп, а на работы любимых коллективов писать обзоры всегда довольно тяжело. По этой причине “Torn Arteries” оставался лежать мёртвым грузом три года, периодически я пытался себя заставить его переслушивать, но это было редко и безуспешно. Наконец, решение было принято окончательно. На это деяние меня сподвиг свежайший опус не менее известного и заслуженного коллектива – Pestilence, я вспомнил, что с тотальным убожеством “Levels Of Perception” может поспорить только вегетарианская никчёмность “Torn Arteries”.
Итак, на столе в прозекторской для проведения паталогоанатомического исследования разместился последний на данный момент выкидыш ливерпульской “Туши”. Слава богу, британцы хоть саунд накрутили вполне вменяемый, в отличие от Мамели и Ко. Звуком “Torn Arteries” практически не отличается от “Surgical Steel”, различия, в сущности, минимальны, то есть картина характерная для стандартного современного мелодик-дэтового альбома. Тут главная проблема не в форме, а в содержании. Содержание напрочь тускло, уныло, безэмоционально. Оно совершенно беззубое и вегетарианское – этакая питательная кашка из овощей для младенцев, но младенцы нормальными и здоровыми без мяса расти ещё не научились. Эта самая кашка больше подойдёт для шамкающих беззубыми ртами впавших в старческий маразм пенсионеров. Такой творческой беспомощности за Carcass я не припомню, даже предыдущий диск, хоть не открывал новых горизонтов, но в музыкальном плане был гораздо более живым и энергичным. Песни проносятся одна за одной и совершенно не запоминаются. Вернее, запоминаются своей общей серостью и поразительной для группы способностью не оседать в памяти. Исключение составляет только четвёртая композиция, которая содержит в своём начале минимально переработанный рифф из вступления гениального “Heartwork”. Это специально было сделано, шутки ради? Тогда шутка не удалась, на мой взгляд. Соло Стира, которые я всегда любил за блюзовую составляющую на фоне брутального забоя, здесь совершенно неинтересны и шаблонны. Мелодии и риффы пресны и банальны, как та самая каша из кабачков и цветной капусты. Даже рявканье Уокера лишилось былой язвительности и экспрессии, такое ощущение, что он исполнял свои вокальные партии из-под палки. В общем, “Torn Arteries” получился под стать своей обложке: беззубым и овощным. На этом фоне заявления музыкантов группы, что они не работают над новым материалом, звучат обнадёживающе. Может и не надо, мужики? Закопайте “Тушу” назад, чем так издеваться над бездыханным телом и собственным наследием. Потому что, альбом Carcass, который не хочется переслушивать - это даже не приговор. Это диагноз.

rassol  12 июн 2024

Если углубиться в прогрессивный трэш-метал, то нестандартные решения, которые продвигали группы сего жанра, посыпятся лавиной. Такие банды, как Anacrusis и Voivod становились популярными и коммерчески успешными, другие же, как фламандский Target, остаются уделом гурманов. Хотя в ярком дебютнике есть не меньше выкрутасов. В 1988 году на Aaarrg Records (лейбле под управлением других мастодонтов прог-треша Mekong Delta), талантливые бельгийцы выпускают второй и по итогу последний альбом - "Master Project Genesis".

Начать стоит с звуковых характеристик, и сравнение с Voivod, к примеру, будет не в пользу европейской банды. Звук гитар не является достаточно атакующим, ритм-гитара почему-то чересчур тихая, а соло звучат в миксе как-то совсем отдалённо, с едва уловимым, но нелогичным дилеем. Кроме того, вокал Ива Летанье можно назвать приемлемым (в отличие от вызывающих смех мелбланковских воплей Anacrusis), но никак не более того. Риффы тут соответствуют жанру - встречаются как и технически усложнённые части, так и небанальные смены размерностей. По скорости и настроению альбом, пожалуй, больше всего напоминает Forbidden Evil. Есть кое-что и от Toxik, только без остросоциальной лирики, да и вычурность у бельгийцев не так язвительна, как у Toxik. Бас Йохана Сусана часто выпрыгивает со своих положенных мест, и то, как он преподнесён на альбоме, приносит больше всего удовольствия. Некоторый недостаток глубины содержится и в ударных - Крист Брамс отстучал достаточно ровно, хотя и неидеально. Среди треков, которые достойны особого внимания, я выделю "Digital Regency", "Dehumanization" с неплохими техничными риффами и гармониями в середине, и "Secret of the Dome". А вот "March of the Machines" является чистейшим филлером. Да и из последнего, титульного трека, кульминация альбома выходит какая-то не очень.

В сумме Target на последнем своём полноформатнике выдали достаточно крепкий и техничный материал, но набор легких недостатков портит общее впечатление. Альбом неплох, во многих местах даже хорош, но всё же с натяжкой претендует на "культовость". Для расширения кругозора безусловно рекомендуется.

IJzerklompje   8 июн 2024

На фоне настоящего бума дэт-дума, происходившего в Нидерландах в 90-е годы, стоит выделить те команды, которые делали по-настоящему чёрствый, как блокадные 125 грамм, но тягучий и медленный дэт. Некоторым либо оказались чужды более готические или мелодичные настроения, либо не довелось сохраниться до упоминаемых ступеней эволюции стиля на мировой сцене. В 1993 году, когда Paradise Lost сделали большой шаг в сторону от сырого, злого дэт-дума, музыканты из Spina Bifida только выпустили дебютник. Что значит название лонгплея - неясно, разве что напоминает искажённое арабское имя "Зияд". Да и обложка странная, монотонная. Иной и взгляда бы пожалел. Но если вам не всё равно на жанр, ознакомьтесь с доводами, почему данный альбом, по крайней мере для ознакомления, более чем нужен.

Первое - ничем не нарушаемая думовая атмосфера альбома. На данной пластинке нет номинально лишних инструментов - клавишные, либо иные схожие вставки, здесь не встречаются. Всё держится на обычных, привычных инструментах. И держится весьма крепко. Ритмы тут прямо в духе допотопных Парадайзов, правда, более лаконичные в музыкальном плане. Тут нет фрагментов сильно интересных в техническом плане. Гитары настроены низко и обладают грубоватым "песочным" звучанием, ровно как и бас Вероники Вилкинг. Вокал некоего Вернера также внушает доверие (хоть тембр голоса однозначно схож с многими похожими вокалистами, включая, например, Барта Смитса из дебютника The Gathering), исполнено всё с редкостной злобой. Риффы нарочито несложные, и всё же ухо цепляется за такие песни, как "Reverse" и "Die". Можно сказать, что такая тягучая музыка очень хороша как фон, чтобы посидеть у окна и погрузиться в раздумья, или какое-либо монотонное дело.

Ziyadah - сугубо жанровая работа, и те, кому всё равно на подстиль дэт-дума, не отыщут и крупицы пивотальных откровений на данном альбоме. Но любители дума со стажем на просторах сети тепло отзываются об альбоме, и стоит отметить, что неспроста. В одном ряду с Winter и "Писвильской тройкой" Spina Bifida не кажется аутсайдером. Мини-альбом 2015 года "Iter", ставший плодом работы восстановившихся почти в оригинальном составе тильбуржцев, исполнен практически в том же ключе, правда звук там внезапно стал хуже и дешевле, чем на альбоме 1993 года.

IJzerklompje   4 июн 2024

Одновременно это седьмой номерной альбом группы и четвертый в ее дискографии в стиле "electro". На первых трех альбомах Kraftwerk исследовали пространства Краут Рока и вообще авангардной музыки.
А потом что-то произошло. С диска «Autobahn» (1974) музыканты увлеклись электроникой, да так, что стали одними из законодателей моды в новом стиле электро. Ко всему прочему Kraftwerk считаются изобретателями стиля техно.
Критики бесновались, они всегда негодуют, когда видят что-то новое и непонятное. Группу упрекали, что они создают неживую музыку, будто ее пишут не люди, понимаешь, а роботы.
"А что, хорошая мысль" - крикнули музыканты и начали записывать сабжевый альбом.
Некоторые источники рассказывают, что в 1977 году для Kraftwerk персонально изготовили секвенсор. Это такая штука, которая позволяет упростить некоторые творческие музыкальные процессы - создать ритм, ввести музыкальную фразу, и работать с ней по тембру, громкости, скорости воспроизведения... Это очень упрощенно, к тому же секвенсоры начали быстро усложняться ввиду того, что музыканты требовали все более навороченных эффектов и взаимодействий.
Тот секвенсор был достаточно простым (ну еще бы - более 40 лет назад) и потому диск получился, условно говоря, не очень сложным. Прежний альбом «Trans-Europa Express» обитал в областях авангарда, так что здесь сделали ставку на доступность.

Ну еще расскажу одну историю. Один автор написал, что песня «Die Roboter» перепугала западную общественность своим маршевым темпом и словами на русском языке: «Я твой слуга, я твой работник». Ну и типа, никак не стала из-за этого хитом. Видимо, он имел в виду, что номером первым не стала. Для этого синглу пришлось бы биться за вкусы массовой публики с Boney M, ABBA и другими попсовыми ансамблями, которые расположились на тот момент на более высоких строчках сингл-чартов. В Германии (по данным Media Control) этот отдельно выпущенный сингл занял 18 место, а в США (Billboard — чарт Hot Dance Club Play) — 39. По-моему, это очень высокие места для немецкой группы, играющей в стиле электро. И в самой Германии, а тем более в Штатах, в которых свои запросы и свой широчайший музыкальный рынок.

«Die Roboter» как раз начинается звуками общения трех роботов, которые на большой скорости передают модулированный звуковой сигнал. Далее включается драм-машина, которая отрабатывает будто бы повторяющийся ритмический рисунок. И тот секвенсор, видимо - риффовый паттерн. Вокал, действительно, примоченный так, что потерял человеческую окраску, приобрел механистические тембры... А вот когда по-русски произносится известная фраза, то она примочена минимально, все четко слышно.
И если сравнивать этот альбом Kraftwerk с альбомом группы Tangerine Dream (другой основоположник электронной музыки) - «Electronic Meditation» 1970 года, то понятно, что ТD создавали футуристический эмбиент и гитарную психоделию. Kraftwerk же любуется ритмами самодостаточными и бесконечными, тут нужно себя сдерживать и вовремя останавливаться, ибо винил выдерживает всего 40 минут. Хотя, конечно, надо сравнивать с диском Tangerine Dream 1978 года, в его «Cyclone» есть и примоченный вокал (точечно, а большинство - чистый), и синтовые массивные куски с пульсацией. Но Tangerine Dream упорно держится краут рока, чем «матери истории» и ценен, а Kraftwerk сбросил все вот эти человечьи одежки, оставив технологический каркас.
Музыканты применяют синтезаторы и ритм-машины, и чувствуется, что это им доставляет истинное удовольствие. Конструирование синтетических музыкальных коллажей не заходит слушком далеко или глубоко (аппаратура!), но слышно, что авторы «видели края» эксперимента, за которыми может получиться обратный желаемому результат.
Группа на «Die Mensch-Maschine» выплёскивает на слушателя то ли кибернетическую мечту, то ли фантастическую идею. А может проекцию будущего мира? Или описывает музыкальную экспансию искусственного интеллекта? Все это находится в музыкальном энергетическом поле Kraftwerk.

Можно ли сказать, что этот проект в некоторый степени дегуманизирован? Мелодически музыканты, конечно, да - СУРОВЫ, и иногда динамическая пульсация заменяет им эту важную музыкальную составляющую. В этом и есть авангард - когда форма начинает довлеть над содержимым. Что ж, обалдевшему музыкальному критику придется увидеть еще и не то, лет этак через 10.
Конечно же, в 1978 году на фоне счастливых диско-песенок Bee Gees, которые находились в чарте повыше, этот опус Kraftwerk кажется дерзким, антимузыкальным, вызывающим и шокирующим. До первых опусов проекта Burzum оставалось каких-то 13 лет. Казалось бы, при чем здесь Burzum? Варг Викернес рассказывал в одном своем интервью, что он слушал музыку Jean-Michel Jarre, а в другом называет команду Tangerine Dream одним из своих влияний.

resurgamresponses   4 июн 2024

Сведения о том, что свою профессиональную карьеру мультиинструменталист Майк Олдфилд начал в 14 лет, всякий интересующийся отыщет в любой современной энциклопедии. Дело было в 1967 году. Тогда он и его сестра Салли образовали вокальный фолк-дуэт, с которым у самогó Майка остались не самые приятные воспоминания: "Когда мы выходили на сцену, нас, как правило, представляли: 'Две очаровательные девушки... '"; В 15 лет М. Олдфилд стал инициатором создания группы Barefoot, в активе которой даже был кассетный альбом "Sallyangie" (уже из названия понятно, кто в той группе заправлял); В возрасте 16-ти лет юный музыкант уже обладал репутацией, которая ко многому обязывала. Но вот какая непубличная жизнь сопровождала этого парня помимо общедоступных энциклопедических данных.

При всей природной скромности М. Олдфилда (тут за него, пожалуй, следует пояснить), он являлся носителем "голубых кровей". В самом деле, в кровеносных сосудах Майка циркулировала что ни есть настоящая кровь древнего рода Плантагенетов, королей, правивших Англией с 1154 года. Впрочем, сам потомок легендарной династии к этому обстоятельству относился весьма самокритично: "Одним из немногих преимуществ, что давало мне моё происхождение, это право не снимать шляпу в присутствии её Величества королевы Англии. Быть может, в этом и был какой-то смысл, не знаю, пока не предоставлялась возможность это проверить. А ещё у меня была привилегия бесплатно подковать свою лошадь в Вестминстерском аббатстве, но у меня нет лошади, и я понятия не имею, как для этой процедуры на ней добираться до центра Лондона".

И в то же самое время представитель старинного аристократического рода признавался, что едва ли ни самым большим потрясением в его жизни стало неожиданное открытие, о чём он однажды сам поведал: "Если снять с магнитофона стирающую головку, на него можно записать потрясающие вещи! И если таким способом два-три раза записать гитару, коллеги умрут от зависти!". Таков был он, потомок древнего королевского рода, его куда больше занимали текущие практические моменты, чем реестр привилегий, который можно было периодически не без выгоды использовать благодаря славной родословной.

Кстати, именно фокус со стирающей магнитофонной головкой лёг в основу его триумфального альбома "Tubular Bells". Только случилось это немногим позже, а в 1970 году 17-летний Майк приглашается Кевином Эйерсом в его группу Whole World, в которой выполнял обязанности и гитариста и басиста. Но недолго, на следующий год М. Олдфилд покидает группу, чтобы всего себя посвятить записи 50-минутного демо-тейпа. Однако все компании, куда Майк обращался с предложениями издать это его творение, ему вежливо отказывали. Но один отчаянный всё же нашёлся. Им оказался приятель Олдфилда Ричард Брэнсон, только что ставший у руля новенькой независимой компании Virgin Records. И когда летом 1973 года уже 20-летний Майк Олдфилд завершил титаническую работу по записи своего самостоятельного альбома "Tubular Bells", Р. Брэнсон был вне себя от счастья - это был самый первый LP, что выходил на его фирме грамзаписи.

Это уже десятки лет спустя в списках исполнителей, что пользовались услугами Virgin, значились такие звёзды как Nirvana, сами "роллинги", Робби Уильямс. The Prodigy, Бен Харпер, Culture Club и много кто ещё, а в 1972 году, когда и была основана Virgin Records, желающих записываться на ней не оказалось. "Мы были в равном положении, - вспоминал о тех временах Майк, - включая и обоюдный риск. Всё надо было делать очень быстро и очень качественно. Ричард сумел арендовать студию The Manor в Оксфордшире всего на одну неделю, мне пришлось вкалывать по двадцать часов в сутки! Я и понятия не имел как работает студийная аппаратура, мне даже не объяснили, что я мог делать дубли. Окажись я в такой ситуации сегодня, не протянул бы и пары часов! А тогда всё получилось неплохо”.

Совместный дебют музыканта и компании Virgin оказался невероятно успешным для обеих сторон, и первый тираж "Tubular..." на Британских островах разошёлся мгновенно. И уже в том же 73-м в Объединённом королевстве, Штатах, во многих странах Европы, в Южной Африке, Бразилии, Японии и много где ещё, компания Virgin Records совершила массовое переиздание альбома.

Вспоминая свою "виниловую" молодость, должен признаться, что в своё время ни разу не дослушал эту пластинку до конца. И не только потому, что своего "Tubular..." у меня никогда не было, в то время как у некоторых из моих "братьев по разуму" эти пластинки, что называется, стояли в домашних коллекциях. Именно стояли и никак иначе. И что-то мне и сейчас подсказывает, что ими пользовались не часто, скорее даже редко. А если быть до конца откровенным - ими вообще мало кто пользовался. Продолжая при этом крепко за них держаться - быть обладателем "Tubular Bells" было столь же престижно, как, к примеру, обладателем King Crimson или Santana; При этом, само собой, нам не ведома была история этой пластинки, да мы и не задумывались тогда об этом.

Сейчас - совсем иное дело. Наверное, поэтому и нынешние мнения по этому вопросу полярно разделились, даже среди тех, кто лет 40-45 тому назад считал эту работу Олдфилда превосходной и увлекательной. Что уж говорить о его потенциально новых слушателях, этих вообще мало чем удивишь.

Что же до нас, людей, что называется, поживших, то в большинстве своём вне зависимости от впечатлений далёкой молодости, многие из нас теперь вполне резонно и решительно заявили бы "да, но". При этом, несмотря на то, что альбом "Tubular..." уже со стажем, скажем так, он и по нынешним временам звучит свежо и качественно. Но даже не советую делать над собой усилия, чтобы запечатлеть в памяти какие-либо из пространных атмосферных фрагментов с пульсирующим или струящимся звучанием, чтобы мысленно прокручивать затем на досуге. Мало надежд, что подобное получится, как не следует пытаться разделять эти фрагменты на составляющие и пунктуально их анализировать.
Мне, допустим, эти обе, казалось бы, независимые части "Tubular..." представляются этаким единым неприступным массивом, постичь который и с уверенностью объявить "я всё понял", даже сейчас задача не по плечу. Чего уж было ждать от юнца, уже 40 с лишним лет назад считавшим себя достаточно искушённым знатоком рок-музыки, но так и не дослушавшим ту пластинку до конца, а эталоном исполнительского мастерства считавшим музыку Deep Purple и Rainbow. А ведь тому юнцу было тогда едва ли больше лет, чем Майку Олдфилду, который почти в одиночку справился с такой грандиозной задачей.

Да, это тоже музыка. Необычная, пожалуй, для того времени, где-то даже странная, но оказавшаяся как бы то ни было такой своевременной, а для кого-то просто необходимой. Только вот то, что казалось бы хорошо с позиций оценки её звучания, то не совсем хорошо с точки зрения заложенных в неё идей. Можно с разной степенью восприятия прослушать 20-минутные (условно говоря) сюиты King Crimson, Yes или Pink Floyd, в тех композициях содержались хотя бы какие-то мысли авторов. Потому, как и у пространных эпосов без слов, у них имелись какие-никакие мелодические связи и некая концептуальная цель. В "Tubular Bells" нет лирики, не просматривается концепции и, осмелюсь заявить, нет какого-либо смысла. И даже название альбома М. Олдфилда происходит от некоего случайного инструмента, который звучит в завершении первой части и который используется редко и крайне избирательно.

Судя по всему, Майк тогда ещё в должной мере не владел нотной грамотой. А мелодические темы были плотно спрессованы в его памяти задолго до начала студийной работы (хотя, не исключено, что-то было им спонтанно наиграно уже в студийных условиях); И не отдать должное его упорству и заряженности на конечный результат, согласитесь, никак нельзя. Майк был одержим целиком поглотившей его идеей исполнить запись на виниле, и он это сделал. И если принять во внимание тот факт, что почти всё он тогда исполнил сам, сам же делал запись, стараясь обходиться единственным дублем, то получается, что "Tubular Bells" - это работа эпохальная, единственная в своём роде. И вряд ли кто ещё тогда был способен повторить подобный опыт. Уже только за это честь и хвала этому музыканту.

И всё же, по большому счёту, программа альбома есть не что иное, как слабо связанные между собой мелодические темы с невнятными идеями, понятными, пожалуй, только самому автору. Думаю, не у одного меня где-то подсознательно кроется крамольная мыслишка: "Tubular Bells" - это работа, проделанная в спартанских условиях и трогательно обнародованная самим Олдфилдом лишь для того, чтобы продемонстрировать своё незаурядное мультиинструментальное мастерство и буйную фантазию. И тем самым вызвать сомнительные эмоции у сентиментального слушателя.
Больше скажу, ошеломляющий успех пластинки (прежде всего коммерческий) скорее принёс Мику вред, чем пользу. Вот уже несколько десятилетий М. Олдфилд носится с "Tubular Bells" как с писаной торбой. Не единожды он возвращался к этому главному своему творению всей жизни и в 1992 и 1998 годах им были изданы "Tubular Bells II" и "Tubular Bells III". Более того, на рубеже 2002 и 2003 годов М. Олдфилд вновь рискнул и переписал "Колокола" в очередной раз (попутно пополнив свой банковский счёт), так и назвав эту свою вариацию "Tubular Bells 2003", просто и без затей. В записи применены более 40 инструментов и могучий компьютер с оперативной памятью в 1,5 гигабайта. Определённо за три десятка лет Майк научился пользоваться студийными чудесами.

Вот только из обилия самой разной музыки, что помимо "Tubular..." этот музыкант сочинил, мы кроме "Колоколов" очень мало что слушали. И, быть может, напрасно.

МихаилБогданов   3 июн 2024

Скажу честно, первый сингл произвёл на меня эффект разорвавшейся бомбы. Впервые аж с 2003 года Тони Какко и Co. выпустили яркую, быструю, запоминающуюся, атмосферную песню, в которой нет ничего лишнего. В итоге, неожиданно для самого себя, одиннадцатый альбом финнов стал для меня одним из самых ожидаемых альбомов года.

Однако то, чем оказался в реальности "Clear Cold Beyond", вызвало во мне крайне противоречивые эмоции! С одной стороны, очень обрадовало возвращение группы к своей классической стилистике песен, так как сонатовский альбом 2019 года остался в памяти беззубым стариком-импотентом, хлипкими ручонками размазывающим какие-то риффы, сбивки, мелодии, которые он словно сочиняет на ходу. Кроме отличнейшей "First In Line", которая бы могла стать лид-синглом к "Гильдии Сердца Зимы", мне понравились такие песни, как "California", "Cure For Everything", "Clear Cold Beyond", а также баллада "The Best Things" (всё-таки баллады у современной Сонаты получаются достаточно хорошо).
Хочется выделить и сильную лирическую часть альбома, которая мало идёт в сравнение с наивными текстами Тони времён "Silence", а также отличное оформление обложки и буклета.

К сожалению, чем больше я слушал и вникал в альбом, тем сильнее падало отношение к нему. Сознание всё более настойчиво указывало на бедное звучание вокала и инструментов, и если несовершенная вокальная часть объяснялась возрастом Тони, то вот беззубость и ватность гитар я не мог никак оправдать.
Следующей ложкой дёгтя стала, судя по всему, неизлечимая прогрессивность головного мозга Какко, ибо только так я могу объяснить попытки усложнения структуры некоторых песен, которые не только не прибавляют им разнообразия, но и делают песни более пресными. Многие классные и действительно хитовые идеи тонут в постоянных сменах тем, не получая достойного завершения, в отличии от "атмосферных" кашеобразных мотивов.
Наконец, совершенно непонятен выбор синглов. Уж не знаю, чем руководствовался Тони при их выборе, но он умудрился выбрать для двух из трёх синглов самые скучные и затянутые песни во всём альбоме, которые бы слабо смотрелись и как бонусы к какому-нибудь "The Ninth Hour".

Идеальный слушатель "Clear Cold Beyond" - это тот самый молодой и наивный слушатель "Эклиптики", который почувствовал на себе суровую реальность жизни, повидал много и грустного, и весёлого, понял сложность человеческого мира, но при этом смог пронести тот самый животворящий огонь в сердце через все невзгоды. Тони Какко и его компания действительно сумели перезагрузиться и выдать альбом наиболее близкий к любимому многими раннему творчеству, но при этом не оставив предыдущий опыт в стороне. Лично мне, как ненавистнику Унии - альбом понравился, и в личном рейтинге Sonata Arctica я его поставлю на четвёртое место, но всё-таки проблемы со звуком и наполнением некоторых песен не позволяют рассматривать эту работу на равных с настоящими шедеврами данного финского коллектива.

ChatGPT  26 май 2024

Долгих 10 лет прошло с выхода последнего альбома HIM "Tears on Tape", который собственно говоря и стал заключительным аккордом долгого творческого пути "Его Адского Величества", как полноценной рок-группы. Пластинка вышла в 2013 году, а команда распалась четырьмя годами позже, в 2017-м. После чего, бывший фронтмен успел "натворить" кое-что уже на стороне. Это были некоторые одноразовые проекты, главным из которых, стало сотрудничество с музыкантами из поп-рок коллектива Agents. Однако, преданные поклонники, наподобие меня, конечно же ждали новый Love-Metal. Ждали и надеялись. Таким образом, время и фора на создание качественного альбома, ценителями Вилле Вало как автора и исполнителя, были даны с лихвой.

И вот, спустя три года, под вывеской уже нового проекта VV(Ville Valo) выходит первая ласточка с тремя новыми треками, релиз - "Gothica Fennica Vol. 1". Надо заметить, что впечатление от услышанного было неоднозначным. Из трёх композиций действительно интересной оказалась только одна - Saturnine Saturnalia. Кто же знал, что в итоге, все эти треки войдут в будущий альбом.

Но вот прошло ещё три года и Вилле Вало зачем-то, порционно, стал выдавать новые песни с уже грядущего запланированного альбома. Была ли такова маркетинговая задумка или конкретного плана не было - мне неизвестно, но, во многом из-за этого исчезла интрига к цельному восприятию пластинки, ибо, забегая вперед, склеить все новые треки в один альбом после порционного ознакомления сложно.

Теперь, что касается концепции нового альбома, который получил название "Neon Noir". Она такова: Вилле Вало на обложке, в черной вуали с выпученными глазами. Он как бы говорит нам о том, что "время Икс" наступило. Проект HIM мёртв, а двигаться дальше - нужно. А давайте-ка я сделаю так, дорогие поклонники - скажу, что с HIM всё действительно кончено, даже в будущих клипах буду постоянно делать на это отсылки (плак-плак), но при этом, т.к. другую музыку отличную от HIM я делать все равно не умею, "Neon Noir" будет звучать в том же ключе, что и последние пластинки HIM, только это будет альбом сделанный моими собственными руками. Да-да. Все партии мои, гитары мои, клавишные и ударные. Так сказать покажу, что я и сам могу всё, ибо я мультимузыкант 21 века. Ах да, ещё скажу, что это новый взгляд на вещи, там конечно же что-то будет от Depeche Mode, новой волны и капелька от Black Sabbath. Бла, бла, бла.

Ну и безусловно, новый релиз должен отражать "нового Вилле Вало" вне коллектива как повзрослевшего, и забегая вперёд, к сожалению, постаревшего исполнителя.

Тем не менее, звучало тогда это всё довольно заманчиво, однако, болтовня болтовней, настало время серьёзно рассказать о том, что представляет из себя на самом деле альбом "Neon Noir" 2023 года выпуска.

Если вкратце, то это очень сырой продукт. Большинство треков с него, в лучшие времена HIM, заняли бы места би-сайдов и бонус-треков. Всё плохо настолько, что синглами были выбраны настолько невзрачные треки как "Loveletting", в клипе которого творится какая то несусветная дичь с овцой и "Echolocate Your Love", с очень и очень размытым припевом, и опять же, клипом, созданным вероятно после употребления каких-то запрещённых веществ. Отсутствие более-менее приличного гитариста на записи, коим наш главный герой не является, привело в конечном счете к тому, что это первый релиз от Вилле Вало, где практически отсутствуют соло-партии. Вообще, с гитарами здесь всё очень и очень плохо. Впрочем, каких то ударных партий, привычных для прежнего HIM, вы здесь так же не услышите, ибо материал по большой части среднетемповый.

Взамен этого, Вало решил перевести игру в свою любимую плоскость - больше синтезатора и электроники в звучании. Выиграл от этого релиз? Навряд ли. Да, какие то дыры через компьютер удалось закрыть, но в целом это не помогло.

Что ещё повлияло на конечный результат первого сольника Вало, так это пение. Помните знаменитый, бархатный, низкий и томный голос вокалиста, который он активно эксплуатировал на протяжении всей карьеры в HIM? Так вот, забудьте. Здесь его практически нет. Вероятно не только здесь, а нет и не будет уже в принципе. Как это не парадоксально, Вилле бросил курить, и наверное это должно бы отразиться на его голосе в положительном аспекте, но этого не произошло. Теперь вокальные характеристики Вилле Вало схоже с образом овечки из клипа "Loveletting". Это то ли блеяние, то ли нытье. Нет здесь не надрывных моментов, ни низкого, ни высокого вокала. Исключением является опять же трек "Saturnine Saturnalia", вероятно записанная одной из первой и сохранившей прежнее томное звучание голоса. Возможно на пении отразилось и то, что вокалист поставил себе новые ужасные белые зубы, которые ему совершенно не идут, изменился прикус, а с ним и манера исполнения, равно как и внешний вид. Теперь ещё более исхудавший Вало, активно прячет свои волосы, постоянно носит одну и туже кепку, ну а образ дополняют костюм и кеды. Хотя насчет зубов - лишь предположение. Всё таки годы берут своё и связки уже не те. В любом случае, крайне печально лицезреть на альбоме такой довольно слабый и невзрачный вокал.

Это всё минусы альбома, но есть ли плюсы? Да, есть. Например, при всей скудности материала и звучания в целом, альбом достаточно мажорен и не напряжен. Он прекрасно подойдет для фона. Из треков которые можно отметить как интересные - "Baby Lacrimarium", "Heartful of Ghosts" и "Vertigo Eyes". Последняя кстати получилась действительно с шикарной концовкой, но, как я уже писал ранее - это заслуга Вало в плане работы с электроникой, что получалось у него отлично во все времена. Из всех синглов годный лишь один, собственно одноимённый "Neon Noir". "The Foreverlost" симпатичен, но очень быстро надоедает. С "Run Away from the Sun" проблема аналогичная, тем более песня вышла, как я уже писал выше, гораздо раньше нового релиза.

В целом, нельзя сказать, что пластинка "Neon Noir" категорически провальная, нет. Она определённо найдёт своего слушателя, особенно из преданных поклонников HIM, однако, релиз очень сырой, в нём очень много дыр, скучный вокал, не хватает гитар и оригинальных моментов. И самая главная моя претензия к данному альбому, как поклонника творчества Вилле Вало, который внимательно следит за его работами уже 22 года, заключается в том, что вот это вот всё пришлось ждать, внимание, 10 лет! Я бы ещё как то понял, если бы альбом вышел сразу после распада HIM, в году так 2017-м, хотя даже это было бы несправедливо, ведь с релиза "Tears on Tape" прошло целых 4 года. Допустим, музыкант искал сессионных музыкантов для тура, думал над обложкой и работал над записью в студии. Но 10 лет ожидания и такая сырость на релизе?! Достаточно вспомнить сколько отличных песен было придумано и записано HIM, с 1997-го по 2007-ой, с "Greatest Lovesongs Vol. 666" по "Venus Doom". Целых 6 альбомов, более полсотни треков, и любой из прошлых релизов безоговорочно утрёт нос "Neon Noir".

Складывается стойкое ощущение, что Вилле Вало как композитор элементарно кончился. Одновременно, "кончился" он и как исполнитель, ибо подобное нытье не сравнится с тем вокалом, за который мы все так любили HIM. Лично меня, релиз "Neon Noir" не столько расстроил, сколько возмутил, ибо за это всё, VV ещё и требует денег, хотя покупать себе в коллекцию "подобное" нет никакой нужды. Место подобным релизам - в папке "Музыка" на компьютере, но никак не на виниле. Потому, при всём уважении к прошлым заслугам музыканта, в честь некой ностальгии по добрым временам HIM, рекомендую данный релиз лишь в качестве ознакомления с современным творчеством музыканта. Однако, если вас интересует творчество Вилле Вало в положительном ключе, то безусловно лучше обратиться к ранним релизам, где действительно есть где развернуться. Пластинка "Neon Noir" это повод для Вало серьёзно задуматься, а так ли нужен ли был распад HIM? Возможно, где то в глубине души, он понимает, что вместе они творили в разы более качественную музыку, нежели та сырость, что вышла на сольнике. Возможно нужен реюнион музыкантов. Либо, что самое страшное, Вало действительно "исписался" и решение 2017 года было верным, ибо всё кончается и ничто не вечно. В этом случаем, "Neon Noir" станет отправной точкой для новых бездарных альбомов. Впрочем, время покажет, ибо всё в руках и голове самого Вилле Вало - уже бывшего "Его Адского Величества".

NightRider  20 май 2024