После пробы пера, или, если сказать точнее, пробы нового вокалиста в 2015 году, немецкие трешеры Darkness вернулись с громоподобным новым альбомом "The Gasoline Solution" (2016). Группа наконец-то определилась с названием во-первых и языком во-вторых. Предыдущая работа банды, "Terror 2.0" (2010), была хороша, но отдавала изрядным занудством. Все, кто хотел возрождения этой группы, все, кто мечтал о возвращении к корням, на этом альбоме получили желаемое по максимуму. Плотный и очень мощный звук гитар, оголтелый долбеж ударных, где-то на заднем плане выдавливает из себя слова вокалист, визгливые соло - всё это удачно дополняет эти 40 минут звукового кошмара - словом, есть всё, что нужно для забойного диска в жанре thrash metal. Нет смысла выделять отдельные песни - если слушаешь thrash metal, если к тому же являешься поклонником Darkness, значит этот альбом понравится весь. "The Gasoline Solution" (2016) - это пример того, как можно сделать прямолинейный, бескомпромиссный и отлично записанный релиз.
Что можно сказать в итоге? Иногда молчание идет на пользу, и после перерыва в 6 лет группа выпустила вещь, не уступающую по качеству их лучшим пластинкам 1987 и 1988 гг. Слушать в обязательном порядке поклонникам группы, да и просто любителям жанра ознакомиться не помешает. 8 баллов.

Magyar   7 янв 2025

Вскоре после выпуска "Synchro Anarchy" (2022), Voivod объявили о выходе нового, юбилейного альбома, особо обратив внимание на слово "юбилейный". Как правило, подобные релизы радуют поклонников чем-то очень особенным, хотя бывает и так, что ничего особенного не происходит, группа выпускает компиляцию, альбом или бокс-сет. Voivod сделали именно что-то особенное.

Альбом под названием "Morgöth Tales" представляет собой перезапись девяти песен с предшествующих пластинок, начиная с 1984 года, а также одну новую песню и один кавер. Первый трек, "Condemned To The Gallows", в первый полноформатный альбом 1984 года не вошел, однако сути это не изменило - он ничем не отличается от того, что группа играла в 1984 году. Песни расположены по порядку, по одной с каждого альбома с 1984 по 2003 год (исключая "Negatron" (1995)) и подобраны так, что изменение стиля группы практически не чувствуется, всё воспринимается как должное, чему немало способствует отличная запись. Лучшего альбома для первичного ознакомления с творчеством Voivod, пожалуй, не найти - представлено всё самое лучшее, дающее представление о группе в разные периоды творчества. В записи "Rise" принял участие Eric Forrest, в записи "Rebel Robot" - Jason Newsted. Единственный недостаток - отсутствие песен с пропущенных альбомов, в честь юбилея можно было бы и сделать. Новая песня "Morgöth Tales" отражает стиль Voivod сегодняшнего дня, завершает альбом кавер "Home" группы Public Image Ltd. На японском издании, кроме дополнительного буклета на японском языке, есть состоящий из трех частей бонус "Ultraman".

Как уже было сказано, лучшего альбома для первичного ознакомления с творчеством Voivod найти трудно, как и лучшего подарка для поклонников. Отлично сделанный релиз. 7 баллов лишь потому, что перезапись, пусть сделанная с душой и на совесть, остается перезаписью.

Magyar   6 янв 2025

"Кто это, моя прелесссть? Что это, моя прелессссть?"

Недоумение, что почувствовал Голлум при виде Бильбо, сродни тому недоумению, что почувствовал я, прослушав новый для меня на тот момент альбом немецкой thrash-metal банды Darkness, под названием «Conclusion and Revival», что группа выпустила после отменного "Death Squad" (1987) и неплохого "Defenders Of Justice" (1988). Начиналось всё прекрасно - за клавишным интро последовала ураганная "Soldiers", затем неплохая "The Omniscient", на которой жиденький звук гитар проявляется во всей красе. И на этом всё хорошее закончилось, потому что дальше началась жуткая мешанина всех направлений. Тут и женский вокал, и вопли и взвизги вокалиста, и блюз, и характерная манера исполнения в стиле хэви метал а-ля Кипелов (песня "Under Control", однако, неплохая, хотя записанный бонусом вариант на немецком языке мне понравился больше). Где-то тренькает бас, претендуя на что-то гениальное. Не обошлось без исполнения лучших песен группы, вышедших на предыдущих полноформатах. Их тут целых три - "Burial At Sea" (здесь она называется просто "Burial"), "Predetermined Destiny" и несколько переделанная "Faded Pictures". Еще одна старая песня, "Armageddon", тоже не является новой, она была записана до 1987 года, хотя на полноформатах не выходила.

Из плюсов можно отметить возросшее качество записи и исполнения. Да, парни стали играть лучше, они показали, что могут. Только вот отношение к собственному творчеству оказалось не самым лучшим. А потому единственный вопрос, возникающий после прослушивания данного опуса, это "зачем?". Зачем? Зачем всё это? Кончились идеи, но нужно было сдать альбом по контракту? Или всё надоело? Выглядит, как если бы художник, нарисовав две хороших картины, начал было рисовать третью, но потом стал мазать кистью как попало, а потом взял все краски с палитры и выплеснул на холст.

Когда музыкант сам относится к творчеству наплевательски, говорить о каких-либо высоких оценках нет смысла. Данный альбом представляет интерес исключительно для сумасшедших поклонников группы, собирающих её дискографию, вроде меня. И то не факт, что они не будут плеваться после прослушивания хваленого альбома "Conclusion and Revival» выпуска 1989 года. 3 балла из 10 возможных.

Диск, представленный Battle Cry Records (2005), содержит 6 бонусов.

Magyar   4 янв 2025

А вот вам еще подход, который нечасто встречается у метал-команд. Группа был образована в 1992 году в городе Йонкерс, штат Нью-Йорк. И выпускала демки по годам вот так: 1993, 1994, 1996, 1997, 1998. И только потом сабжевый альбом. Достойно уважения. Обыкновенно группы выпускают свое первое демо после трех недель совместного бухалова. А тут всё как-то пошло по-иному.
Ну в принципе, можно понять и так, что музыканты оттачивали свое мастерство, ибо стиль выбрали какой-то недетский - Brutal Technical Death Metal.
Также неудивительным стал факт, что альбом был составлен из трэков с демо-записей, которые были многократно отшлифованы на репах и концертах.
Начинает Malignancy будто с резко прерванного заклинания из Некрономикона или просто что-то прокрутили задом наперед. А дальше начинается тотальное и низкочастотное по спектру рубилово на очень большой скорости. Саунд-инженеру удалось удачно и бережно прописать изящные ударные (и не только). Притом, что они (ударные) занимают свое достойное место в ритм-секционной многотонной упряжке.
Но впереди, конечно, гитары и вокал, которые собрали в этот тандем более половины аудиальной сверх-мощи бригады, чтобы поставить в авангард и написать на своем баннере крупно - BRUTAL. И нестись потом с прессующей удалью и всесокрушающим остервенением.
Притом гитарам как-то удается еще и отрисовывать какие-то пассажи - в те мгновения, которые по недосмотру оказались не заполненными удушающей тяжестью звука.
Ближе к финалу диска поставлены трэки, где гитарист вдруг фантастическим образом включает еще одну дополнительную скорость на свои пальцы, выдавая просто замороченные соло. Это трэк "Post Fetal Depression" (с демо-записи 1997 года).
Вокал на альбоме прочно погружен в вязкий гитарный саунд, притом что он прописан довольно четко и не исключено, что мастерски. В некоторые моменты, когда общий темп трэка очень высок, голос кажется просто нависает над инструменталом тяжкой тучей, в то время как на земле (в локации инструментала) всё уносится вдаль с неимоверной быстротой.
Надо заметить, что команда Malignancy никогда не прерывала своей деятельности и крайний диск записала в 2019. Его название, внимание! - "Intrauterine Cannibalism". И даже обложка похожая.
Музыканты разъяснили этот казус. Они хотели записать альбом ремиксов и записали его. Но пленку, как это часто бывает, потеряли. Потому просто перезаписали альбом в новом составе. Это они так рассказывают. А по факту в 2019 году вышел двойной диск — с компактом - версией альбома из 1999 года и диском - версией этих же песен от 2019 года, записанных наполовину новым составом. Всё просто.

resurgamresponses   3 янв 2025

"Moment" в моём восприятии достаточно быстро прошёл путь от осторожной реабилитации после "Atoma" до альбома, плотно осевшего в моём топ-5 шведов. Осознавать это сколь приятно, столь и тревожно — наступить с "Endtime Signals' на те же грабли, которые больно ударили меня в 2016-м, когда после "Construct" я ждал развития заложенной в него концепции, а получил конвульсирующее тело с моментами просветления, мне ну очень не хотелось.

Но этот неприятный опыт пошёл мне на пользу, поэтому новый альбом шведов я встречал не с распростёртыми объятиями, а в позе человека, готового чуть что предъявить с удвоенной строгостью за любую мелочь. Поэтому считаю свою дальнейшую педантичность в отношении него обоснованной.

Первая часть "Endtime Signals" радует пусть и умеренно, но зато почти на всём своём пространстве;
"Shivers and Voids" - очередной удачный старт, но тоскливому настроению песни очень уж не хватает такого же тоскливого Станне;
"Unforgivable" на фоне предшественника даёт не то что резкого — жесточайшего контраста! И если раньше подобные около-мелодэтовые «кости» для олдовых фанатов вызывали вопросы о целесообразности, уместности, банально качестве, то тут я молча пасую и признаю, что сейчас этот приём сработал. Мощно, искристо, местами тревожно и безо всякой ненужной чепухи, а Йоаким Нильссон даже бластбитами сыпет, ё-моё. Смело в компанию к "Encircled", как к единственной выжившей песне подобного рода в рамках этой эры группы;
"Neuronal Fire" - меланхоличная, но светлая, «прожекторная» заминка после "Unforgivable". Ничего выдающегося, но строго на своём месте;
Но вот симпатичный дуэт "Not Nothing" и "Drowned Out Voices" уже начинает немного «клевать»: в первом случае усиленная форматность композиции омрачились вторичностью и беззубым припевом, не дав этому хиту нормально взлететь, а во втором Станне, взяв замах на лучший перфоманс альбома, зачем-то остановился на полуслове и трек захлебнулся;
"One of Us Is Gone" хочется вынести за скобки как рецензии, так и альбома... Во время ознакомления с ней мне стало не по себе от её патетически-эстрадных мотивов, которые в моём восприятии диссонировали с концепцией. Из-за такого рода контраста песня первое время выглядела белой вороной, которой место где-нибудь в бонусах, но стоило мне самому потерять значимого в моей жизни человека, то всё резко переменилось.
Я бы предпочёл обойтись без такого триггера, но «что случилось, то случилось» (с).

Заметно, что чем дальше в лес, тем больше щепок, и даже несмотря на то, что во второй половине есть задорная "Enforced Perspective" и давяще-депрессивная (да и попросту лучшая) "Our Disconnect", в целом эмоции от альбома становятся тем слабее, чем дальше по нему продвигаешься, а группе всё тяжелее удерживать ровную нить повествования. Да и пробелы в работе со звуком становятся более заметными.

Я, честно говоря, в Ад не верю, но если он есть, то Богрен по совокупности заслуг заслужил туда недельную путёвку, где рогатые мужики с трезубцами будут ему сутками крутить "Atoma". На "Moment" он немного исправился, да и тут не сказать, что совсем плохо отработал (хотя характерная «пережатость» никуда не делась), но утопить клавиши в миксе в ситуации, когда они уже который альбом подряд являют собой основу звучания — это я просто уже не знаю. На "The Last Imagination" это особенно хорошо заметно, когда в середине песни Мартин в кои-то веки начинает нормально «втапливать», а его едва слышно. "Our Disconnect" тоже досталось, кстати. Либо Мартин в следующий раз притаскивает в студию «рояль» с "We Are the Void", который в никаком миксе не зароешь, либо Богрен идёт нахрен и на его место берётся человек, который умеет в баланс. И это я ещё про ударные не говорю, которые в целом звучат сносно, но в ответственных моментах выбрасывают белый флаг. Да-да, я про глухие бластбиты в "Unforgivable" и "Enforced Perspective".

Но если с данным товарищем всё было ясно давно и кривить лицо в искреннем удивлении от его работы явно излишне, то Станне здесь заставляет меня грустить, и не так, как хотелось бы. Я наверняка серьёзно и надолго совращён его работой на предшественнике, но это никак не отменяет того факта, что его работу с чистым вокалом здесь я оценю на троечку. Упомянутая ранее "Drowned Out Voices" ещё ладно, там хотя бы есть, за что зацепиться, но "Wayward Eyes" и "False Reflection", которые вполне могли стать бенефисом Микаэля, получились слишком уж простыми. И если "False Reflection" ещё более-менее на своём месте и в целом является адекватным эпилогом, то "Wayward Eyes" - главный кандидат на вылет. Негоже так распоряжаться вокальными ресурсами, особенно когда и музыка не блещет.
В общем, чистый вокал Микаэля тут откатился к состоянию альбомов 2010-2016 годов, где он был инструментом пусть и заметным, но не главенствующим.

Однако же, впечатления от "Endtime Signals" у меня всецело положительные. Тут почти нет ярких пиков, какие были на "Moment", но нет и его разбалансированности. Если сравнивать с "Atoma", то тут на порядок больше законченных мыслей, предметности, собранности и в целом отсутствует то лихорадочное настроение, какое охватило группу в 2016-м. С "Construct" сравнить сложно, мешает фактор свежего звучания у последнего, чего тут, разумеется, не наблюдается. Зато некая ностальгия по прошлому заметна. Поэтому в моих глазах "Endtime Signals" - альбом-компиляция, вобравший в себя как атмосферу и настроение альбомов 2013-2020, так и «рукопашные» вайбы альбомов 00-х, не забыв в очередной раз отвесить поклон "Projector". И сделано всё это в этот раз без истерик и раздрая, но со спокойствием и уважением к своему такому далёкому, но всё ещё близкому прошлому.

MAX DE SADE  30 дек 2024

31 марта 2023 года, спустя 15 лет после нашумевшего «Hacking The Holy Code», французская индастриал-блэк-метал формация Neo Inferno 262 неожиданно вернулась со вторым опусом «Pleonectic», который содержит 9 треков. Диск вышел на французском лейбле Necrocosm Productions.

Основной участник группы A.K. (Merrimack, Decline of the I, Vorkreist, Eros Necropsique и др.) собрал в качестве гостей "сборную команду французского индастриал-блэк-метала", включая L.Helheim (Ex-Moonreich), Déhà (Wolvennest, Silver Knife...), MKM (Antaeus , Aosoth...), Saint Vincent (Seth, Blacklodge, Vorkreist...), Bornyhake (Borgne.... ), BST (Орден Аполлиона, Sotherion, ex-Aosoth...) Heimoth (Seth), Krys ( Ophe, ex-Demande à la poussière), Berzerk (Sektarism, Faction Senestre, Malhkebre...), S. (Ars Veneficium), Dehn Sora (Treha Sektori, Throane...), L. (Mourning Dawn...), Arnhwald (Deathcode Society...), S. (Owl cave), NRK (Blacklodge).

В музыкальном плане «Pleonectic» - это смесь блэк-метала и электронных вещей, варьирующихся от танцевального хардкора до индастриала.

Сочетая сразу несколько стилей экстремальной музыки (металл, электронику, индастриал) и новые технические процессы, созданные искусственным интеллектом, Neo Inferno 262 ставят вопрос о месте человека в искусстве, и в целом о роли людей в мире, который лишается своей плоти и смысла.

На этом релизе группа показывает, как должен звучать настоящий и качественный Industrial Black Metal: тяжелые и быстрые гитары вплоть до чисто блэк-металлического "скретча", иногда в более медленном темпе, экстремальный блэк-металлический рык в сочетании с декламацией и несколько более чистым вокалом (в основном от гостей), динамичный бас в связке с электронными басовыми линиями, множество индустриальных сэмплов, плюс сэмплы/фразы из фильмов, взрывные удары драм-машины. На диске также присутствуют и более грувовые моменты, множество клавишных и еще больше электронных элементов. Все это становится возможным только через отличный продакшн, чего трудно добиться в этом жанре.

Взрывные барабаны проносятся под метелью риффов и штормовым морем синтезаторов. Ужасный рык превращается в разрушительные крики и безумные вопли. Блестящая электроника сочетается с волнистыми низкими частотами и пульсирующими электробитами. Плотные рои шума возникают вокруг надменного рева и скоростных запрограммированных ударных. Сверкающие синтезаторы раздуваются до вселенских масштабов, и кто-то воет в агонии. Жутко искаженные слова излучаются вокруг больших индустриальных импульсов. Свистящие тона и пульсирующие клавиши пронизывают дом с привидениями, здесь есть мрачное и язвенное пение, а также небесные звуковые зрелища.

Neo Inferno 262 знакомит вас не с заводами, а с самим адом. Есть моменты высокого напряжения и насилия, а есть моменты, в которых вы чувствуете, что злое существо развлекается вашими страданиями.

Есть электро, но оно не идет само по себе, скорее гитары демонстрируют злобность происходящего, а вокал (кстати, очень разнообразный) наказывает слушателя за его горести.

Песни динамичны, они развиваются в зависимости от того, что рассказывают. Они могут переходить от сокрушительных бласт-битов к почти танцевальному электро, оставаясь при этом дьявольскими.

В большинстве подобных альбомов особенно ритмика, как правило, очень проста и прямолинейна. Но Neo Inferno 262 немного более креативны и больше экспериментируют. Помимо быстрых техно-битов, они также используют более сложные элементы. Они заимствуют ритмы из таких жанров, как джангл, техно или бреккор. В этом они, по сути, являются новаторами.

Музыканты не боятся использовать в своей музыке нетрадиционные сочетания жанров, как, например, в треке "Bleak Revolution". Звуки ПК также интересны, напоминают старые программы или олдскульные игры.

В определенной степени в композициях команды также чувствуется влияние классической музыки, хотя оно не так ярко выражено. Нечто подобное производили их соотечественники CNK. Эта холодность еще больше обесчеловечивает их музыку. И это соответствует концепции пластинки.

«Pleonectic» - это тяжелый, очень зрелый в музыкальном и идейном плане и отточенный до мельчайших деталей релиз, который рекомендуется заценить всем поклонникам таких групп, как Blacklodge, Mysticum, Aborym, Spektr, C.Y.T, NKVD, La Division Mentale, Stagnant Waters, Helel и Diapsiquir.

Elena_Kalistka  28 дек 2024

Получив успех первой части дилогии по мотивам "Фауста" Гёте, Kamelot смогли пригласить для записи второй части ещё больше звёздных гостей, а также снять два клипа в поддержку альбома.

1) "March of Mephisto". И двое именитых гостей являются уже на открывающей композиции: Шаграт из Dimmu Borgir частично исполнил партии Мефисто, а Йэнс Юханссон исполнил своё фирменное клавишное соло. Сам Рой Хан снова исполняет обе роли, и сломленного протогониста, и демонического антагониста. Интересное решение, они с Шагратом словно разделили падшего ангела на две части, совсем дьявольскую и ту, что была когда-то ангелом, но уже обрела свой мистический окрас. И фирменное клавишное соло в стиле Stratovarius в этой песне играет необычными красками.

Главный герой Ариэль пребывает в отчаянии после смерти своей возлюбленной Елены, и в этот момент к нему является его покровитель — Мефисто.

2) "When the Lights Are Down". И если открывающая песня игралась в среднем, маршевом темпе, то уже следующая композиция врывается в слушателя ураганом power metal: карданный молот Кэйси Грилло, скоростные риффы гитаристов, потрясающая мелодика - композиция прекрасно отражает тот вихрь чувств, что закружил главного героя, который снова увидел свою возлюбленную.

Когда воля Ариэля почти полностью находится под властью Мефисто, падший ангел приводит к нему прекрасную молодую женщину по имени Маргарита, как две капли воды похожую на Елену. Ариэль соблазняет Маргариту, они проводят ночь вместе, а Мефисто, как кажется, полностью получает контроль над Ариэлем.

3) "The Haunting (Somewhere in Time)". Для исполнения роли Маргариты в следуем треке Kamelot пригласили Симону Симонс, чья собственная группа взяла себе названием наименование прошлого альбома Kamelot "Epica". Что говорить, неспроста именно эта песня была выбрана для второго клипа (первым был по открывающему треку) - двуголосие Симоны и Хана звучит очень красиво, и мотив этой среднетемповой композиции сразу оседает в памяти.

На следующее утро к Ариэлю возвращается память, что разрушает чары Мефисто над ним, и учёный-искатель приходит в себя. Он просит прощения у Маргариты и рассказывает ей свою историю, прося девушку навсегда покинуть его, ведь в Маргарите он видел лишь двойника Елены, своей потерянной возлюбленной.

4) "Soul Society". Достаточно воздушная композиция, несмотря на её смысловое содержание - основной гитарно-клавишный мотив, сыгранный Янгбладом и Миро, подобно ветру поднимает слушателя и несёт в водоворот эмоций размышлений о старейшей людской мудрости о благих намерениях, мостящих дорогу в ад. Ну а ещё Томас сумел на этом альбоме собрать всю свою семью - помимо супруги, вернувшейся к роли Елены, детскую партию смеха на этой композиции исполнила их дочь, Аннелиза Янгблад.

Ариэль покидает Мефисто и, бродя по свету, задаётся вопросом, как он мог причинить столько боли окружающим, ведь его поступки, приведшие к этому, были результатом его добрых намерений в поисках ответов и смыслов жизни.

5) "Interlude I: Dei Gratia". Коротенькая интерлюдия, с исполнением на латыни memento mori, женским а-капелла на заднем плане, и общими звуками, которые можно услышать в соборе.

Ариэль приходит к выводу, что невозможно найти эти ответы на Земле и что они должны находиться только на небесах.

6) "Abandoned". Нежная баллада, где большую часть солируют струнные Роденбергского симфонического оркестра, пианино Миро и мягкий баритон Хана.

Понимая, что его грехи помешали ему попасть на небеса, он молит Бога о прощении, но не получает от Него никаких знаков. Лишь память дарует голос поющей возлюбленной Елены.

7) "This Pain". Одна из моих любимых песен группы, одна из самых минорных во всей дилогии. Открывается красивейшим гитарным соло под звуки дождя, и переходит в резкую среднетемповую композицию с жёстким риффингом, венчающуюся вихревым соло Янгблада.

Убитый горем Ариэль понимает, что никогда не сможет воссоединиться с Еленой и найти истины, которые ищет. Он размышляет о страданиях, которые он причинил всем, кого знает, и приходит к выводу, что их уже никогда не исправить, и что он предал обеих женщин, к которым испытывал чувства.

8) "Moonlight". Начинается со звуков метели, но при этом с инструментального вступления с торжественными восточными нотками, после чего снова жёсткий риффинг среднетемповой песни. В этой песне наиболее ярко звучит двуголосие баса Барри и ритм-гитары Янгблада. Соло часть состоит из мягкого оркестрового вступления, переходящего в агрессивное гитарное соло.

Отпустив оцепенение страданий, Ариэль побуждает себя к действиям и решает противостоять Мефисто. Он пересекает реку и приближается к замку падшего ангела.

9) "Interlude I: Un Assassinio Molto Silenzioso". Короткая песня в кабаре в исполнении итальянки Синтии Риззо.

Смирившись со смертью, Ариэль приближается к Мефисто.

10) "The Black Halo". Симфоническая часть в исполнении оркестра всё больше выходит на первый план: развязка истории близка, а потому естественным образом помпезность, торжественность увеличиваются доступными средствами. Несмотря на быстрый темп, сочетание роковых инструментов, симфонических инструментов и хоралов звучит гармонично.

Ариэль обвиняет Мефисто во лжи и предательстве. Он не желает больше быть марионеткой падшего ангела и решает жить праведной жизнью, как жила Елена, даже несмотря на то, что его грехи в любом случае обрекли его душу на ад.

11) "Nothing Ever Dies". Один из кульминационных моментов дилогии наступает на третьей минуте композиции, когда с быстрого темпа уводят среднетемповые переливы, Хан чарующе поёт о Любви, как о главном двигателе развития человечества, под прекрасную симфоническую мелодию...

Ариэль заявляет, что человечество всегда будет искать истины в попытках найти ответы на те вопросы, которые Ариэль пытался понять на протяжении всего своего путешествия. И он испытывает внезапное озарение: любовь и является абсолютной ценностью жизни, и, так как чувство между ним и Еленой было настоящим, они обязательно снова встретятся и будут счастливы. Ариэль также осознаёт, что в поисках истин он никогда не будет по-настоящему удовлетворен, что его свободная воля позволяет ему создавать собственный смысл жизни и творить собственную судьбу. Он приходит в состояние абсолютного понимания и возвышенной радости, настолько сильной, что он желает остаться в этом моменте навсегда.

12) "Memento Mori". Главный эпик дилогии, самая длинная песня. Начинается нарративным пением Роя, играет медленное торжествое симфоническое выступление. Но с третьей минуты вступает мощная ритм-секция и открывается основная часть композиции. Ритм постоянно меняется, несмотря на большую продолжительность песни, её интересно слушать. Возвращаются Шаграт для исполнений партий Мефисто, а Мэри Янгблад - партий Елены. Энергичность смешивается с торжественностью, развязка истории наступает. И на восьмой минуте возвращается патетическое симфоническое исполнение оркестром, где гобой Вольфганга Дьетриха играет не последнюю роль.

Момент душевного катарсиса Ариэля вводит в действие контракт, который он заключил с Мефисто, и, таким образом, его душа теперь принадлежит падшему ангелу. Когда душа Ариэля начинает покидать его тело, Мефисто готовится заявить на неё свои права. Однако Елена ходатайствует перед Богом за Ариэля. Поскольку учёный-искатель отверг всё зло, даже перед лицом неминуемого проклятия, Ариэль искупил свои грехи, и Бог прощает его, позволяя попасть в рай с Еленой. Мефисто, чье пари с Богом проиграно, стенает, когда его навсегда бросают в ад. Затихает волшебный голос Хана, эхом летит шёпот Елены, обращённый к возлюбленному...

13) "Interlude III: Midnight - Twelve Tolls for a New Day". Ускоряющиеся звуки, будто в заевшем магнитофоне, переносят нас из некоторого царства, некоторого государства на обычную городскую ярмарку, полную новогодних украшений в преддверии главного семейного праздника людей. Мэр городка Гейтсвилль поздравляет жителей с Новым годом и благодарит актёров труппы театра за блестящий театральный спектакль.
Уютный хруст сугробов под ногами, свист вьюги на заднем плане, и шёпот Хана: "С Новым Годом!" - посылка из детства, где по окончание любой сказки ты переносился обратно в наш мир, любуясь рассказчиком, которым был кто-то из близких.

14) "Serenade". Завершающая песня, размышления рассказчика, такой же поиск истин, которым был занят Ариэль на протяжении своего пути. Очередные красоты смешения power metal основы и симфонических партий оркестра. Праздник заканчивается...

По разному оценивают люди творчество Kamelot, но мой однозначный топ, золотой период группы: 2000-2005. Лучший состав Kamelot в лице гитариста Томаса Янгблада, вокалиста Роя Хана, бас-гитариста Гленна Барри, ударника Кэйси Грилло. Саша Пет в роли продюссера. Миро в качестве студийного клавишника. Символично, кстати, что последний прекратил сотрудничество с группой после выхода "The Black Halo", и после этого торжественный, патетический флёр группы несколько спал. Но не в нём одном дело - очевидно, справедливо оценив, что в выбранном на рубеже веков направлении они достигли всего, чего могли, музыканты Kamelot решили выбрать другой вектор своего творческого развития. Однако для меня самые яркие, самые любимые страницы Kamelot это сказки Шахерезады "The Fourth Legacy", гималайские притчи "Karma" и, конечно, европейские саги "Epica" / "The Black Halo".

И последнее, что хочется сказать: в начале отзыва на дилогию я отметил, что, несмотря на сюжет, не привязанный к времени года, я считаю эту историю абсолютно рождественской, новогодней. Не потому, что в конце упоминаются ярмарочные гуляния, а Хан и мэр города говорят "С Новым Годом!", а потому, что вот этот переход от мира Ариэля и Мефисто в обычный, городской мир - это такой мостик в детство. Когда рассказываемые родителями сказки расширяли воображение, дарили фантастические миры, но любой страх из них имел спасение здесь, в нашем мире - шагнуть обратно, прижаться к родному человеку, и смотреть вместе в окно, как падают снежинки, а на душе - ощущение грядущего праздника, подарков от Деда Мороза, и просто наступающего счастья. Вот за эту возможность вспомнить детские ощущения я и отношу дилогию Kamelot по мотивам "Фауста" Гёте к праздничным творениям, которые особо хочется слушать в канун каждого Нового года.

Zmej Gorynych  23 дек 2024

Скоро Новый год.
Помните, в это время всегда хочется вкусить новогодних подборок. Фильмов, мультфильмов, книг. И, конечно, музыки. Помимо классических "Карнавальной ночи" или "Реальной любви", в такие подборки включаются "Иван Васильевич меняет профессию" или "Гарри Поттер", и не потому, что их сюжет напрямую связан с Новым годом, а потому, что под праздник много лет мы любим их пересматривать, в зависимости от предпочтений. Относят ли "Фауст" Гёте к таким произведениям? Обычно нет, но создав по его мотивам дилогию "Epica" / "The Black Halo", американцы Kamelot выпустили одни из самых рождественских альбомов в музыке.

...Kamelot явление достаточно уникальное в том плане, что, будучи американской группой из Флориды, большую часть своего пути играли абсолютно европейский power/heavy (с вкраплениями progressive, особенно на первых альбомах и в 2007/2010). При этом благодаря сплаву композиторского таланта Томаса Янгблада, прекрасным аранжировкам музыкантов группы, чарующему баритону Роя Хана, и, как теперь понимаешь спустя годы, продюсерскому таланту Саши Пета, альбомы золотого периода Kamelot уникальны в своём звучании. Помню, как в 00-ые Пета ругали за стандартизацию сведения групп, которые у него писались, но в случае с Kamelot он вывел идеальный звук под такой поджанр, и записи команды того периода ни с кем не спутаешь.

...Вернёмся к дилогии по мотивам Фауста Гёте, к первой её части, "Epica".

1) "Prologue". Инструментальное интро, приглашающее нас послушать историю начинающуюся в некотором царстве, в некотором государстве.

Согласно предыстории, Бог поручил всем ангелам служить людям, но один, самый мятежный по имени Мефисто, отказался, заявив, что он может служить только Богу. За непокорность его изгоняют с небес, но Бог обещает дать ему ещё один шанс: если у Мефисто получится забрать душу у алхимика и учёного по имени Ариэль, то Мефисто сможет вернуться на небеса. Если же нет, падший ангел будет низвергнут в ад навсегда. Мефисто соглашается и отправляется на поиски Ариэля.

2) "Center of the Universe". И без раскачки, продолжая преемственность "Karma", на втором месте идёт одна из лучших песен группы, которую Kamelot и поныне исполняют на своих концертах. Быстрая ритм-секция, красивый соло-мотив Янгблада, симфонические бэки, и, конечно, мощнейший голос Хана рождают вместе прекраснейшую песню о поиске смысла жизни.

Мефисто находит Ариэля, тот знакомится с ним и начинает размышлять о своих исследованиях истинного смысла жизни и о том, почему Бог создал людей.

3) "Farewell". Не менее быстрая композиция, но ввиду сюжетного поворота и соло-линия, и бэки звучат более мрачно.

После бесед с Мефисто и философских размышлений Ариэль приходит выводу, что ни наука, ни религия не могут по-настоящему ответить на эти вопросы. Чувствуя беспокойство, он решает покинуть свою родную страну, чтобы найти ответы своим терзаниям. Он прощается со всеми, включая свою возлюбленную Елену, и отправляется на поиски смыслов мироздания, поклявшись никогда не возвращаться.

4) "Interlude I: Opiate Soul". Когда я впервые слушал альбом ещё в юношестве, по наивности думал, что дрожь главного героя связана с холодом. Но нет, название интерлюдии однозначно трактует причины дрожи. А духовой бэк плавно переходит в знаменитую "O Fortuna". Вот такая очередная цитата классики от Kamelot.

Проходят годы, пока Ариэль бродит по свету в поисках ответы на свои вопросы, и он становится зависимым от наркотиков...

5) "The Edge of Paradise". ...и, в конце концов, обращается к оккультизму, во время которого его озаряет краткое видение Мефисто.

Среднетемповая композиция, одна из моих любимых у группы, где Хан включает демоническую составляющую голоса. Вообще, будучи потомком и тайцев, и норвежцев, обучаясь в оперной школе, Рой поставил уникальный тембр, который ни с кем не спутать. Некоторые говорили, что его голос - не хуже, чем у всемирно известного солиста Бродвея Роберта Кукиолли. Ну и вписанное "O Fortuna" в металлическую композицию звучит блестяще, не хуже, чем у Therion, Van Helsing's Curse и прочих мастодонтов, цитировавших эту классику.

6) "Wander". Первая баллада дилогии. После шабаша прошлой песни, здесь очень нежная композиция со струнными инструментами, и, конечно, красивейшим соло Томаса.

Ариэль погружается в воспоминания о Елене, сильно скучает по ней, пока бесцельно бродит по дикой местности, сожалея о своём решении бросить её и уйти бродить по свету.

7) "Interlude II: Omen". Короткая интерлюдия открывается раскатами грома, перетекает в переливы пианино и флейты.

Ариэль прекращает свои поиски и решает покончить с собой, полагая, что никогда не найдёт ответы, которые ищет.

8) "Descent of the Archangel". Интерлюдия перетекает в начало очередной быстрой композиции, где партию соло-гитары исполнил Лука Турилли из Rhapsody of Fire. А Хан впервые в этой дилогии в рамках одной песни играет обе роли, и Ариэля, и Мефисто, мастерски переключаясь с падшего ангела на учёного-искателя и обратно. Ну и очень красивые оркестровки исполнил Миро, которые исполнял роль сессионого клавишника группы в 2000-2005.

В тот момент, когда Ариэль готовится совершить непоправимое, внезапно появляется Мефисто и предлагает сделку: он поможет Ариэлю в его поисках ответов на вопросы и исполнит все его мирские желания, а взамен Мефисто получит душу Ариэля, когда тот умрёт.

9) "Interlude III: At the Banquet". Короткая 30-секундная интерлюдия, звуки пира в замке и праздничная флейта на бэке.

Ариэль таинственным образом переносится в замок Мефисто.

10) "A Feast for the Vain". Снова Янгблад включает в быструю композицию среднетемповые перебивки с демоническими оттенками, особо ярко акцентируемыми Ханом.

Падший ангел устраивает пир в честь Ариэля. На пиру тот поражен тем почётом и обожанием, которым его окружают остальные гости и слуги, и в итоге соглашается с контрактом Мефисто, но с одним условием: падший ангел сможет забрать душу учёного-искателя только в том случае, если Ариэль испытает такую возвышенную радость, что в этот момент захочет жить вечно. Мефисто нехотя соглашается на эту сделку.

11) "On the Coldest Winter Night". Одна из самых известных баллад группы, давшая названия концертнику 2006 года. Начинается с завывания метели и звона колокола, в которые вплетаются мягкие клавишно-струнные переливы, и мягкий голос Хана начинает композицию, которая, несмотря на свою минорность, является одной из самых жизнеутверждающих песен группы. Лидирующие инструментальные партии играют струнные инструменты, в том числе контрабас в исполнении Олафа Рейтмейера, также в этой песне задействован западноафриканский кубкообразный барабан джембе.

После того, как Ариэль покидает замок Мефисто, его находит Елена, которая искала его все эти годы, с тех пор, как он внезапно покинул её. Ариэль оказывается потрясён и очень счастлив и решает воссоединиться с Еленой.

12) "Lost & Damned". В этой песне интересно перетеплены быстрые гитарные рифы основного мотива, перетекающие в танговые перебивки куплетов, исполненных Фабрицио Алехандро на бандонеоне (ручной гармони). Одна из самых ярких песен альбома.

Ариэль и Елена проводят ночь вместе, и они зачинают ребёнка. Тем не менее, проведя некоторое время с Еленой, Ариэль решает покинуть её, чтобы продолжить поиски истины. С новообретённой силой, которой наделил его Мефисто, он чувствует, что ответы находятся в пределах его досягаемости. Ариэль сообщает Елене о своём намерении отправиться в путь, и о том, что, хотя он и любит её, "любовь для меня ничего не значит, так как я поисках более высоких материй".

13) "Helena's Theme". Фактически а-капелло композиция, исполненная женой Томаса Янгблада Мари, чей голос вы можете слышать также на второй и шестнадцатой песнях. Под конец песни включаются симфонические оркестровки, создающие напряжение момента.

После того, как Ариэль снова покинул её, Елена понимает, что её сердце окончательно разбито. Поклявшись, что она будет любить Ариэля и после своей смерти, она решает прекратить свой земной путь в реке, также неосознанно принеся в жертву своё неродившиеся дитя. Оба они переносятся на небеса по просьбе Речного Духа.

14) "Interlude IV: Dawn". Самая короткая интерлюдия, где под бэки грустные клавишно-струнные бэки городской глашатай объявляет, что тело Елены было обнаружено в реке рядом с городом.

15) "The Mourning After (Carry On)". Яркий и мощный среднетемповый рифф открывает пятнадцатую песню альбома. Благодаря яркой работе ритм-секции получается очень мощная и эпичная композиция.

Узнав о гибели своей возлюбленной и том, что она носила их дитя, Ариэль всё глубже погружается в своё горе и плачет у реки, где погибла Елена.

16) "III Ways to Epica". Основной гитарный рифф песни является моим любимым у Kamelot, наряду с цитатами Эдварда Грига в "Forever" с предыдущего диска. Очень яркая быстрая композиция, на мой взгляд, лучшая на альбоме, его вершина, красивейшее окончание первой части. Тут и прекрасная соло-работа Томаса Янгблада, и шикарная игра ролями двух антагонистов в исполнении Хана (как будто два разных человека поют), согреваемая в припевах нежным бэк-вокалом Мари Янгблад, и общая энергичность песни, непошлая помпезность, и красивейший второй план от Роденбергского симфонического оркестра.

Охваченный горем, Ариэль задаётся вопросом, стоит ли ему продолжать поиски. Он винит в смерти Елены и Бога, и самого себя, но Мефисто призывает Ариэля продолжать путешествие, утверждая, что людские эмоции - проклятие рода человеческого, которое в итоге приведёт к его гибели. Из-за ослабленного состояния Ариэля влияние на него Мефисто растёт, и он соглашается продолжить свои поиски. Елена наблюдает за ним с небес...

Вот так, на самом интересном месте, прерывается эта история. Через два года Kamelot выпустят вторую часть, где закончат историю искателя смыслов жизни Ариэля, его возлюбленной Елены и падшего ангела Мефисто, но очевидно, что Томас с Ханом (его влияние на создание материала в период участия в группе было огромным) писали всю историю в одно время, а разделили альбом на две части с разницей в два года прежде всего по коммерческим соображениям.

Про вторую часть я расскажу завтра, но первая часть вполне самодостаточна - если вы любите красивую музыку, сказочно-фентезийную атмосферу, обязательно послушайте альбом "Epica" группы Kamelot - в нём нет ничего лишнего, всё так, как и должно быть. 10/10.

Zmej Gorynych  23 дек 2024

Вот такой пример - не каждое, даже толковое музыкальное дело может иметь продолжение.
"Всякое бывает", - угрюмо замечают любители Death Doom Metal. Как доказательство - единственный альбом неплохой нидерландской команды Maleficium.
Записали они демо в 1993-ем, а потом, через пару лет, целый полноформат. И что? Да распались, как тысячи других групп. Так бывает даже чаще, чем мы думаем. Так что послушаем диск, который вышел сначала на конторе CYBER music, а потом и на большом немецком лейбле Massacre Records, и даже пираткой на "Желтой студии" (первый раз слышу).
Очень кратко говоря - это упомянутый Death Doom Metal.
Но с некими прогрессивными заморочками или претензиями. Кроме того, нечасто в трэках встречается женский вокал, причем сначала он кажется прямо не в масть. Откуда что взялось? Но потом наступает прозрение, что это часть проговых изысканий музыкантов.
Вообще-то там превалирует и солирует мужской гроулинг - рассыпчатый и расщепленный, с небольшими девиациями... Но вот уже в начале второй минуты выскакивает, как чертик из табакерки, высокий женский рок-вокал. Резкий, насыщенный и самостоятельный по постановке. Тут же вступают гитаристы, и вместе с женским вокалом начинают ТОКовать на предмет сильнейшего и красивого взаимодействия. В первом трэке всё впечатляюще. Типичный случай: сейчас вам покажем!..
А вот далее - трэк, в котором, например, вокала вообще не видать, и гитара, собственно говоря, по серьезному впрягается по сольным делам не так-то и часто. Да можно сказать редко.
Или это была такая интермедия на 3 половиной минуты? Ибо далее всё пошло по известной схеме - с мужским гроулингом, вплавленным в музыкальный субстрат, и поинтересней композиционно, где себя активно проявили и гитары, и клавишные.
Вообще, Death Doom Metal - стиль мрачный и минорный, вычерпывающий до дна эмоциональную стабильность слушателя, на том стоит, как говорится. В этом духе и продолжает Maleficium. Но например, господа музыканты, если у вас вокалистка Angelique Overbeek состояла в официальном составе команды, то почему вы не заставляли ее петь почаще?
К слову, к середине диска одноразово появился чистый меланхоличный мужской голос, что также немного разнообразило музыкальный посыл нидерландской бригады. И в целом, на вокале справлялся мужской экстремальный вокал. Что, по честности говоря, и оставило группу в рамках трагичного Death Doom Metal.
Да, альбом может быть и не топовый, не первый легион, это по факту.
НО, тем не менее, однозначно своеобразный и заслуживающий внимания не только адептов указанной стилистики. В частности - поползновениями на проговые моменты, общим серьезным отношением к своему творчеству...

resurgamresponses  23 дек 2024

Собравшемуся в 2013 году спустя пятнадцать лет бездействия коллективу из Спейкениссе потребовалось несколько лет на раскачку, чтобы выпустить первый студийный материал после воссоединения. Но эта раскачка вывела из строя практически весь оригинальный состав, который был слишком привязан к обычным работам. Таким образом к выпуску альбома Том Палмс остался единственным звеном, которое связывало Флеботомайзд старый и новый. Однако и ему пришлось отступить - в 2020-м главный сонграйтер ломает руку и больше не может исполнять обязанности гитариста, оставаясь, по сути, лишь автором музыки и текстов. Таким образом группа записывает миник "Pain. Resistance. Suffering.", где Палмс отвечает всего лишь за spoken word. Впоследствии Том упомянет некоторую запутанность состояния группы как вдохновившую название пластинки "Clouds of Confusion".

Оформление альбома было предоставлено достаточно популярным на рынке современного брутала российским художником Андреем "Христанетовым" - несмотря на то, что тон, присущий сверхдетальным слэмовым релизам, он поубавил, всё равно по цветам и освещению в какой-то степени уже досаждающий своей массовостью стиль оформления узнаётся. Под этой обложкой скрывается неизменно интересная музыка. Но контраст между "Clouds of Confusion" и "Deformation of Humanity" даже близко не такой, как между полноформатниками старых Phlebotomized. В работе 2023 года чувствуется больше мелодизма, который привносит огромное разнообразие синтезаторных звуков и способов ими приукрасить музыку. За это всё отвечает Роб оп хет Вельд, который теперь имеет значительно больше влияния на звучание и процесс написания - в принципе, Роб эту работу и сводил. На первый взгляд между уже легендарным альбомом "Immense Intense Suspense" и "Облаками растерянности" действительно уже нет почти ничего общего - новинка больше склоняется к стилю первого мини-альбома "Preach Eternal Gospels", Nocturnus и раннему мелодик-дэту. Скорее всего, отсутствие скрипки Мартена Поста и окончательно растворившиеся с концами черты старой моды дэт-дума лишают новую музыку чувства синкретизма и неземной ауры, так сильно возвысившего дебютник над большинством релизов тех лет. Да и в целом тон музыки редко становится грустным - разве что тема "Bury Your Heart" покрывает потребности в чём-то грустном, что всегда присутствовало на релизах нидерландцев. Не совсем уместны в этом контексте и влияния "Skycontact", который уже далеко ушёл от дэта в сторону.

Однако свято место пусто не бывает, и заместо сентиментов Палмс решил сделать менее компромиссный, более металлический вариант звучания Phlebotomized. Потому здесь ещё больше дэта, чем на "Deformation..." 2018/19 года. Хотя просто дэт Phlebotomized, похоже, даже при всём желании сочинить просто не могут. По меркам группы брутальный и зубастый трек "Destined to Be Killed", на который вышел первый в истории группы клип, а также трек "Death Will Hunt You Down", лежащий в той же плоскости, всё равно разбавляются бриджами, которые не дают трекам оставаться слишком обыденными. Трек "Desolate Wasteland" наоборот удивляет тем, что не длится даже минуты - предпосылки к возможности добавления таких музыкальных фрагментов прорезались на минике 2021 года. Профессионалы, рекрутированные Палмсом, и в особенности новый соло-гитарист Тейс ван дер Слёйс, играют без сучка и задоринки, но вокал Бена де Граафа всё ещё разделяет фанатов на два лагеря, и, признаться честно, я всё ещё не могу определиться со стороной в этом конфликте - нельзя сказать, что рык Бена идеально совпадает с настроением пластинки, но и точно не вызывает желания выключить альбом.

Подводя итоги, стоит признать, что Флебам крайне повезло с реюнионом - они нашли себе новую нишу спустя 30 лет после ухода со сцены и не зацикливаются на старом, какое бы великое оно не было. "Clouds of Confusion" - не откровение, но явно стоит нескольких прослушиваний. Группа продолжает доказывать, что свежо звучащий дэт-метал можно делать без скатываний в копирование Ulcerate. Впечатления положительные, надеемся и уповаем на то, что возможное продолжение не подведёт.

IJzerklompje  20 дек 2024

Coffinwood, сформированные в 2017 году Бехеритом (бас), Куменом (гитара) и Троммеслагером (барабаны) в Варшаве, Польша, расширили свой состав в 2018 году, добавив вокалиста Варульва. Дебютный EP банды «Storm of Steel», вдохновленный одноименным романом Эрнста Юнгера, был выпущен в апреле 2020 года.

С сентября 2022 года группа выступала в оригинальном составе, а вокальные обязанности взял на себя Бехерит при поддержке бэк-вокала Кумена.

После четырех лет молчания и неустанной работы в репетиционном зале, варшавская команда готова представить результат своих усилий: дебютный студийный альбом «Acolytes of Eternal Flame», релиз которого состоялся 16 декабря 2024 года.

Музыка была записана, смикширована и отмастерирована Павлом «Яношем» Грабовским в JNS Studio (ANTIGAMA, DORMANT ORDEAL, HATE, HOSTIA, RIVERSIDE, SYMBOLICAL). Над обложкой работал Мешко Янковски (MORRATH, NIGHT LORD).

Музыканты группы комментируют эту работу следующим образом.

Кумен сказал: «Альбом - это своего рода дань уважения трагическим событиям, связанным с катастрофой на Чернобыльской АЭС. Лирика отсылает к событиям до и после взрыва реактора, описывая хаос, переплетающийся с неуловимой меланхолией и ужасом, которым подвергались те, кто был брошен на борьбу с растущим загрязнением».

Бехерит добавляет: «Идея темы альбома стала естественным продолжением того направления, которое мы выбрали ранее. Наша лирика посвящена смертельному и разрушительному воздействию страданий на человеческую психику. Создавая наш первый EP, мы остановились на формуле концептуального альбома; мы хотели затронуть тему, которую часто упускают из виду в поп-культуре, отодвигая на второй план другие, более поздние события (Первую мировую войну, к примеру). Не было ничего необычного, когда мы искали вдохновение при создании материала для полноформатного альбома. Тема катастрофы на Чернобыльской электростанции подошла как нельзя лучше. Человеческие страдания, обезлюдевшие деревни, пропаганда».

Как и следовало ожидать из названия группы и альбома, мы с вами отправимся в путешествие по экстремальной металлической вселенной.

Одним из повторяющихся элементов является то, что песни открываются более мягким, но зловещим кинематографическим мотивом, обычно вызывающим ассоциации со звуками из фильмов ужасов.

Высокий темп и высокая интенсивность ландшафтов - определяющий аспект этих композиций, кроме того, для них свойственны тонкие и более определенные колеблющиеся паттерны гитарных риффов с периодическими циркулирующими паттернами. Гитарный саунд гнусавый, но в то же время жесткий и твердый, а гитарные соло дополняют его холодным, жестким и режущим звуком. Вокал добавляет мрачный, первобытный рык. Временами Coffinwood всё же впадают в более медленный думовый тем, где жесткая подача сменяется более величественным тоном и чувством, и в основном это происходит в более зловещей манере. Настроение, а также темп и интенсивность служат приятным контрастом к более интенсивным и ярким эскападам, встречающимся в других альбомах.

Этот релиз обязательно понравится тем, кто любит жестокий, скоростной, боевой и энергичный экстремальный блэк-дэт-метал в духе Infernal War, Stillborn, Belphegor, Kyterion, Nocturnis, Nexorum и Brimstone Gate.

Elena_Kalistka  18 дек 2024

Неужели у «Temple of Knowledge» хочется искать недостатки? По-моему, за чередой современных альбомов позабылось, когда на дэз-металлическом небосклоне прогремел настоящий «катаклизм» – самый грубый, громкий, искренний и еще не испорченный скучным полированным звуком. Впрочем, я не имею ничего против современного звучания, если бы его приверженцы демонстрировали прежнее желание играть на пределе в каждой детали. Этот диск ГРОТЕСКНО тяжелый, неуклюжий и быстрый. А еще - самый архаичный среди разного рода «брутальщиков». Единственное, от чего его можно освободить без потери ценности, это слишком механический местами звук барабанов. Всё остальное – монотонно прекрасно! Несмолкающий сдвоенный визжаще-рычащий вокал (первый инструментальный кусок будет только к седьмому треку) в духе Deicide - это находка и визитная карточка этого диска. Ударные наивны (привет, “Reek of Putrefaction”), но энергичны, и, как и вокала, их очень много. Гитары не отвлекают на себя внимание, и лишь в паре медленных моментов балуют приятным соло. Общая атмосфера диска не слишком-то характерна для мясного дэза. В противовес любителям удушающей «техничности» или занудным почитателям мертвечины, Kataklysm звучат очень бодро и, я бы сказал, жизнеутверждающе. Кроме прочего, чувствуется влияние богохульного треша вроде Possessed и ранних Morbid Angel. Особенно хорош уже упомянутый полу-инструментальный, торжественный «The Awakener», вписавшийся бы на «Blessed are the Sick» последних. Лицо альбома - не менее «морбидэнжелский» стартовый трек, скорее всего, вдохновлен скоростным «Altars of Madness». Конечно, потенциал столь ортодоксальной музыки ограничен, но Kataklysm выжал из нее максимум.

GreitWhiteHunter  14 дек 2024

На рубеже тысячелетий в Чехии (в значительно меньшей степени также и в братской чехам Словакии) словно косвенно раскрылась секретная ядерная программа Варшавского блока - иначе попросту не объяснить появление тех грациозных и умелых мутантов, которые появлялись на сцене. "Elvenefris" от Lykathea Aflame в некоторой степени стал важным, хрестоматийным альбомом в дэте. Бывалый металхэд может припомнить Contrastic, !T.O.O.H.!, Ahumado Granujo или первую личину Lykathea Aflame - Appalling Spawn. В эту плохую компашку входит и Alienation Mental. Думаю, "входит" было бы скромновато для описания того, что предствляет собой этот гиганский шар, который способен снести всё в округе в масштабах от отдельно взятого черепа до микрорайона.

Ожидаемо на альбоме, выпущенном силами андеграундного лейбла Khaaranus, специализировавшийся на самой мерзкой чешской гриндятине, должны присутсвовать три вещи. Буйные риффы с бластбитами (герой за барабанной установкой - Ядра Хаж), пытающиеся сымитировать стадо слонов в лиминальном коридоре из посудных лавок - check. Нелепые переходы и сэмплы между песнями, призванные своим напоминанием о реальном мире как-то нивелировать порой напрягающую гротескность - check. И общий WTF-фактор, присущий конкретному месту и времени - check. Но есть нюансы. Плотность всех невыносимо тяжелых конструкций не максимальная, но вполне большая - проблемы с восприятем действительно могут возникнуть у большинства слушателей. У меня было так же - понадобилась вторая попытка штурмовать альбом прослушиваниями, чтобы его мысль стала понятна. При этом в итоге фриковатость Alienation Mental стала предсказуемой. Говорить об ожидаемости чистого вокала с клин-гитарой ("One of Infinity") в грайндовом релизе весьма странно, но это фактически те ощущения, которые у меня вызывали такие фрагменты. Хотя по окончанию прослушивания альбома, длящегося практически идеально ровные 30 минут, остаётся скорее приятное послевкусие. Но отвественного за неразборчивые рыки и булькания Милана Хавличека нужно пожурить. Вокал здесь евда ли вызывает восторг.

Подводя итог, стоит предупредить, что хоть "Шаромёт" и выплёвывает вполне опасные пушечные ядра, увернуться от атак - выполнимая задача. Альбом не достигает высот !T.O.O.H.!, но его можно с оговорками рекомендовать к прослушиванию. Был бы он длиннее или содержал бы какую-нибудь откровенно слабую песню, оценка была бы ниже. Но данный диск спасают две оглушительно мощные пьески "The Restricted Cerebral Capacity" и "Screw", связанные между собой переходом из пульсирующей бас-линии. Группа, тем не менее, своего слушателя нашла: к примеру, слышал, что альбом любят участники 7.H Target - действительно, музыка нижегородцев, кажется, использует элементы, схожие с Alienation Mental, но переиначенные и доведённые до ума.

IJzerklompje   4 дек 2024

Листал Дарксайд, почитывал рецензии к любимым альбомам и вспомнил, что в недалёком от нас прошлом был замечательный коллектив Exivious, исполняющий, по их же словам, фьюжн-метал. Группа, которая оказала на меня большое влияние своими двумя альбомами, в частности как на композитора. На первый альбом есть три неплохие рецензии, с каждой из них я в чем-то согласен, в чем-то нет, что разумеется, ведь всё это достаточно субъективно. Но я не обнаружил ни единого слова о втором релизе Exivious, отчасти оно и понятно почему: слабо чувствуется новаторство, не улавливается драйв в ритмах ударника и джазовых интонациях подгруженной гитары Тимона.

Общий тон альбома я бы назвал меланхоличным, в сравнении с относительно джазово-драйвовым первым релизом. Вспомнить только гениальнейший, на мой взгляд, «Waves of Thought» - где вы еще такое услышите? Но это не значит, что вторая (и к сожалению, последняя) работа Exivious может считаться провальной. Меланхолия, которая так и бросается в уши, присутствует уже в первом треке «Entrust». Авторы не поскупились на интересные ритмические решения, и в развитии гармонически идентичной темы на нескольких повторяющихся аккордах, хорошо слышны сбивки в партии ударных, что можно охарактеризовать как некоторую эмоциональную неустойчивость. Расшатывание приводит к всплеску и начинается соло, которого мы так ждали. Ближе к концу трека авторы возвращаются к начальной теме, которая в итоге практически превращается в бесконечность. И пусть здесь нет никакого гармонического разнообразия, трек звучит достаточно интересно.

Самый джазоподобный трек на альбоме это, несомненно, «Triguna», но в известный нам джаз авторы не окунаются с головой. В конце концов, они играют фьюжн-метал, однако smooth-солямба прямо отсылает слушателя во времена увлечения масс незаурядным и интересным на тот момент жанром.
Джазовым соло нас также встречает «Open», но как и в только что упомянутом треке, ненадолго. Сопоставление джазовой темы и тяжелой, слегка нагруженной, в очередной раз подтверждает многообразие направления фьюжн.
Мой любимый трек в этом релизе – «Deeply Woven», где ритм-гитары почти с самого начала устремляются вперед, впоследствии начиная свое «повествование». Изюминка трека – соло сопрано-саксофона, которое в рамках установленного жанра звучит весьма органично. И это несмотря на то, что саксофон у многих ассоциируется с академическими направлениями музыки.
Заключительный трек «Immanent» заметно отличается от остальных песен релиза. Он наиболее напряженный и динамичный, в его основе некий конфликт, который не то разрешается, не то перерастает во что-то другое, и в прежнем темпе уходит в закат.

Безумно обидно, что такой амбициозный коллектив перестал существовать, но может оно и к лучшему. В итоге, как многие знают, группа не распалась, а стала существовать другим составом и под другим названием – Our Oceans. Соответственно, они немного сменили вектор деятельности. Интересностей меньше, но каждому своё, у них уже и альбом третий вот-вот выйдет. А два альбома от Exivious навсегда останутся в моем сердце, которое так расположено к интересным гармониям и прочим выпендрежам в любой музыке.

Целотон Черноморович   3 дек 2024

В каждом жанре есть признанные лидеры, которые де-факто и ассоциируются с ним - просто скажите: black metal, power metal, death metal, thrash metal, и т. д. - и ассоциативно всплывёт в памяти ряд групп, по которым вы и определяете этот жанр. И есть огромнейший пласт групп так называемого второго эшелона, которые по тем или иным причинам не смогли выбиться наверх и остаются известны лишь узкой аудитории. Как правило, из-за своей вторичности в рамках жанра. Но это не обязательно плохо, потому что нельзя постоянно создавать новое, можно интересно творить и в заданных рамках. Просто это не принесёт такой славы и известности, кои обрели первооткрыватели и экспериментаторы. Главное - чтобы материал цеплял. И тогда у тебя обязательно будет свой преданный слушатель.

Примером такого крепкого середняка для меня стал проект немецкого гитариста Вальтера Гросса Crom. Это его сольный проект, который он создал, уйдя из известных немецких блэкеров Dark Fortress, записав с ними два альбома. Жанр своей группы Вальтер определил, как epic/viking/power metal, но де-факто это heavy/power переосмысление творчества Bathory, в любви к которому Гросс неоднократно признавался. Наверное, мне повезло, что в подборке мне попался "When Northmen Die" 2017 года, т. к. я позже пробовал слушать ранние альбомы, но они оказались слишком скучными и незапоминающимися. Новый альбом 2023 также не зацепил. А вот на релизе 2017 года Вальтер сумел выдержать нужный баланс музыкальных ингредиентов, начиная с красивой обложки с северным сиянием и валькирией, и заканчивая запоминающейся мелодикой.

Альбом состоит из среднетемповых композиций, посвященных павшим в битвах воинам. У Гросса приятный вокал, отлично интонируюший и расставляющий акценты в песнях. Ритм-секция (в том числе и ввиду темпа повествования) не представляет из себя ничего выдающегося, а вот соло в альбоме с лихвой, и именно они формируют всю торжественность, пафосность песен. Вообще, "When Northmen Die" по своей атмосфере очень напоминает "Valkirja" фарерцев Týr, только он более медленный. Ну а жемчужиной альбома Crom является вторая песня "All Alone", чей прекрасный запев сразу оседает в памяти и заставляет остановиться на этом диске, выделив его среди прочих.

Не являясь каким-то выдающимся представителем жанра, "When Northmen Die" тем не менее слушается приятно и легко, и его хочется переслушивать, чего и вам желаю.

Zmej Gorynych   3 дек 2024

До сего момента тут практически не затронутый пласт прогрессивной музыки из Италии стоит особняком от крупнейших европейских течений. Итальянцы очень часто ставят во главу угла возвышенный симфонизм и намного чаще остальных небританцев распевают на родном языке. Эти факторы позволяют уловить некую преемственность Rock Progresivo Italiano и ветвей искусства Высокого Возрождения, к которой стремились многие: Raccomandata Ricevuta Ritorno (итал. Письмо до востребования), Premiata Forneria Marconi (Прославленная пекарня Маркони), Quella Vecchia Locanda (Старый добрый кабак). Как видно, многие итальянцы для своих групп любили подбирать броские словочетания, ординарные в жизни, но весьма привлекательные, когда под таким знаменём развернут свой сложный грохот очередные чудаки. Данная же группа назвалась "Banco del Mutuo Soccorso", что можно перевести условно как "Банк на паях", "Банк взаимопомощи". В 1971 году состав до этого весьма заурядной группы, возглавляемой братьями Ноченци, претерпел значительные изменения - к группе присоединился талантливый вокалист Франческо Ди Джакомо, басист Ренато Д'Ангело и барабанщик Пьерлуиджи Кальдерони. Именно с таким костяком группа достигнет в ближайшие три года своего расцвета. Первый прогрессивный альбом, изданный в необычном конверте-"копилке", был воспринят меломанами на ура. Во втором полноформатнике Ди Джакомо воплотил свою идею об альбоме, посвященном теории эволюции Чарльза Дарвина. Лаконичное название, завораживающая детальная обложка, великолепное содержание - в нём, похоже, есть всё.

Начинается опус с масштабного вступления "L'Evoluzione" (Эволюция), которое несколько близко музыке Genesis и в котором раскрываются все музыканты, особенно дуэт клавишников (!) Ноченци в маленькой пьесе, вставленной после середины трека. В тексте прямо и очень резко эволюция противопоставляется католическим догмам о происхождении мира, что в извечно набожной Италии находит особый отклик. Двоякий трек "La Conquista Della Posizione Eretta" (Путь к прямохождению) начинается быстрым, тяжелым пассажем, который затем нисходит до замедлённой части, затем уже, после ещё одной такой пересменки, вступает лиричный вокал Ди Джакомо, которому впору завидовать большинству итальянских эстрадников. И те наверняка завидовали! Да и зря не подсмотрели в СССР этот коллектив. Идеологически весьма "прогрессивен", а уж вкупе с лирической песне об узнике режима Пиночета на следующем альбоме быть ему авангардом итальянско-советской культурной дружбы! Как бы сложилась история советской эстрады, если бы вместо Челентано повсюду бы включали "Банко"?

"Danza Dei Grandi Rettili" (Танец больших рептилий) - расслабленный джазовый трек, отдающий в начале стороны Б должный почёт некогда доминировавшим на суше, в воде и в воздухе видам. Этот трек резко сменяет песня о становлении первобытного общества "Cento Mani E Cento Occhi" (Сотня рук и сотня очей) - первую минуту клавишно-ударный напор звучит настолько безбашенно и футуристично, что ассоциируется скорее с Jet Set Radio, чем прогрессивным роком. Правда, это сумасшествие вскоре усмиряется вместе с рахманиновским проигрышем, хотя трек всё равно ищет лазейки, старается быть очень необычным. Самым популярным у публики номером во многом ожидаемо стала баллада "750,000 Anni Fa ... L'Amore?" (Любовь... за 750 тысяч лет до нашей эры?). В ней душераздирающей красоты вокал Ди Джакомо вновь выходит на новые высоты.

Два конечных трека, связанные сюжетно - "Misirere Alla Storia" - (букв. "Псалом 50 - Истории", "Отчаянная мольба пред мирозданием") и "Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!" (И вот я прошу времени у Времени, и отвечает мне Время - нету!), где повествование смещается с процесса эволюции на её итог - отточенный, великий Человек, который достигает того момента духовного развития, где в христианском искусстве обычно идёт экзистенциальная беседа с Господом. Здесь же, разумеется, Человек задаёт вопросы законам мироздания - в чём смысл Эволюции, когда, совершенствовавшись в добродетели, человек остался абсолютно неизменен в грехе? Да и зачем всё нужно, если время не желает останавливаться, перемалывая своими жерновами (которые звучат на протяжении последнего трека) всё, унося в небытие и принося, как до этого счастливо танцевавшим динозаврам, вымирание? На вопросы беспристрастное Время не ответило. Несмотря на тяжелое философское окончание "Darwin!", сама музыка финала весела и мажорна, с добавлением аккордеона и клавесина.

Вторая работа Banco del Mutuo Soccorso максимально зрелая, в ней едва ли есть даже сколько-нибудь слабые места. Речь идёт о, возможно, одном из лучших прогрессивных рок-альбомов мира, не только Италии. Новаторский, максимально монументальный подход позволил альбому и группе обрести культовый статус, даже несмотря на то, что уже к концу семидесятых сокративший название до Banco коллектив будет склоняться к намного более коммерческой музыке. В общем, для жернов Времени данная пластинка ещё долгое время будет крепким орешком.

R.I.P. Francesco Di Giacomo 1947-2014

IJzerklompje  23 ноя 2024

После альбомов "Break the Cycle" и "14 Shades of Grey", у группы Staind был ряд весьма неоднозначных пластинок, и в какой-то момент показалось, что команда перестала существовать. И каким же чудом стал выход "Confessions of the Fallen" спустя целых 12 лет ожидания!

Да, данный релиз однозначно нельзя назвать альбомом года, ибо пластинка звёзд с неба не хватает, но это достаточно крепкая и самобытная работа в стиле классических Staind. Т. е. тем, кому нравился звук команды начиная с времён "Break the Cycle" и далее, однозначно понравится и новинка 23 года. Ну а те, кто не любит или не понимает Staind, останутся ни с чем, ибо, повторюсь, музыка у коллектива весьма мрачноватая, местами с гроулингом и суицидальными текстами. Голос вокалиста Аарона Льюиса всё так же на высоте, абсолютно не изменился за прошедшее десятилетие, гитарные партии по-прежнему агрессивные, кое-где имеются даже электронные аранжировки. В общем, повторюсь, работа крепкая и дыр здесь нет.

Все три сингла цепляют с первых аккордов: баллада "Here and Now", сентиментальная грусть "Better Days" и, конечно же, бескомпромиссный "Lowest in Me". Крайне выигрышен агрессивный боевик о ненависти к самому себе - "Hate Me Too"; "The Fray" прекрасно бы смотрелась на альбоме "14 Shades of Grey," здесь та же атмосфера и звук. Заглавная песня "Confessions of the Fallen" - на мой взгляд, не самая сильная работа, но гармонично складывается в общий пазл. Примечательно, что и бонусы с Deluxe Edition: "Take" и "Full of Emptiness", также на уровне основного материала.

Работа очень и очень ровная, словно по ней несколько раз прошлись катком, туда и обратно. Однако это и понятно, музыканты пытались воссоздать классическое звучание своей успешной поры, без каких-либо экспериментов в звучании, и в целом им это удалось. Альбом действительно хочется снова и снова ставить на "repeat", а о большем и не стоить мечтать. Для любителей ню-метала - однозначно рекомендую к ознакомлению.

NightRider  14 ноя 2024

Удивительное чувство охватывает меломана, который включает свежий альбом команды BUICIDE под названием "Aftermath Existence". Может быть, оттого что это Technical Death Metal, может быть, оттого что здесь на диске неплохо отработан саунд. Может быть, оттого что в голову слушателю-металлисту лезут разные мысли о параллелях и прочем геометрическом антураже.
Впрочем если вслушиваться далее, то посторонние мысли скоро исчезнут и слушатель окажется под существенным влиянием музыкального армагеддона, что несется с серебристых дорожек реал-диска или сурового диджитал-послания BUICIDE . Причем влияние это вполне себе интеллектуального смысла, насколько это вообще возможно в рамках Death Metal. Ответ положительный - возможно!
Потому что надо вслушиваться в искусные мятущиеся гитары, откликаться на неслабую архитектуру музыкального контента, реагировать на ритм-секцию, которая несется то быстро, то не очень, то просто джазово вибрирует в диком экстазе.
Ого, я тут сделал не очень большое открытие (информацию об альбоме не надо игнорировать). Вокалист и гитарист BUICIDE - это один музыкант Сергей Кузнецов. На концертах нелегко приходится, понятно. Да и в процессе сочинения, записи - непросто. Но гитары никак не оказалась в загоне, сами слышите. Более того, в группе есть еще один гитарист, думаю не только для подстраховки, скорее всего для решения в целом на альбоме важных и артистичных задач. Техничных, как минимум, но местами и прогрессивных, как пить дать.
И всё время проигрывания диска BUICIDE меня преследовал с какого-то бодуна образ ректификационной колонны, или по-народному - самогонного аппарата. Не сказал бы, что захотелось выпить. Нет, а вот образ очищенного, высококачественного и прозрачного продукта - однозначно. Дело в том, что посмотри на свет любой трэк Buicide с сабжевого альбома, так при всей крепости (и особенно тяжести) его видно насквозь, каждый закоулочек и нюанс, каждый нешуточный оскал звериного настроения, каждый выдох и стук сердца загнанной жертвы. Да, понятно, классное продюсирование, НО сначала-то надо было чисто сыграть. В этом у команды проблем нет - с таким солидным бэк-граундом за плечами.
Пора бы сказать пару ласковых и про вокалиста. Хладнокровный, однако, певец попался, но и артистический образ под стать, так что выдвигать тут претензии - только время терять. При всем при том этот вокальный аватар оказывается не настолько зафиксирован, как казалось. В композиции "Stuck in Theories" эмоциональный внутренний напор певца, кажется, плавит установленные рамки, послушайте сами...
Что тут выделить? Сложная задача. Но всё-таки - "A.l. Mutation of New Shapes". Напряженный - среди нервических трэков диска, но еще плюс набитый музыкальной гремучей смесью по самые красные линии. По-настоящему буйный, беспокойный, как нежить в полнолуние (зловещий пронзительный соляк после середины).
Да и "The State of Eternal Punishment", кажется, напоен таким нездоровым эпическим чувством, что поставить его как финишный трэк - просто бесценно. С таким мощным финалом - это не просто закрывашка альбома, а реальный мост к будущим работам ансамбля.
Большие баллы, однозначно.
P. S. А сама команда и никогда и не скрывала, что играет лучшие каверы на Death.
- Верю!

resurgamresponses  20 окт 2024

Почти всем молодым музыкантам присуща искренность в творчестве. Dimmu Borgir на пике своей популярности стали символом помпезности и пафосности тяжёлой музыки, но их дебютник - это та самая мальчишеская искренность и непосредственность. Когда ещё не думаешь о заработках, о популярности, о шаблонах и стандартах. Ты просто творишь ради творчества как такового. Многие в раннем периоде Dimmu Borgir ставят на вершину "Stormblåst", но мне ближе и краше дебютный "For all tid". Причём переиздание, с прикреплённом на верхнем этаже двумя треками "Inn i evighetens mørke" с сингла 1994 года.
Открывает альбом "Det nye riket", где тягучая атмосфера торжественности из-под пера Stian Aarstad'a перетекает в его же клавишный перелив с речью на норвежском - нас плавно погружают в серые пейзажи сказочного мира, в который нам предстоит погрузится в ближайшие 50 минут. И с первых аккордов "Under korpens vinger" - фирменное для начала 90-ых жужжание гитар с соответствующей ритм-секцией. Считается, что блэк - музыка злая, но у ранних Dimmu Borgir она скорее меланхоличная, тем более, что почти весь альбом сыгран в среднем темпе. Каркающий вокал, кстати, здесь принадлежит Silenoz, а Sharath исполняет лишь бэки, плюс большинство ударных партий. Ну и нельзя не отметить безумно красивые клавишные партии Stian Aarstad'a - они подобно клею, соединяют все эти робкие и неуверенные пробы пера молодых (почти все участники на момент написания пластинки были несовершеннолетними) музыкантов в какую-то невероятно уютную ноябрьскую атмосферу. На третьем треке "Over bleknede blåner til dommedag" лидирующим внезапно является разговорно-тянущий вокал приглашённого Aldrahn'a, что делает композицию одной из самых запоминающихся на альбоме.
Четвертый трек, "Stien", наконец пытается напомнить, что участники группы не просто так строили рожицы в корпспэйнте в буклете - они играют черный металл, потому ритм-секция в этой песне на лидирующих позициях, темп шустрый, клавиши задвинуты на задний план, и звучат подобно рожку северного пастушка.
"Glittertind" продолжает тему своего предшественника и тоже держит высокую скорость, хотя и имеет среднетемповые перебивки. При этом пятый трек является фактическим инструменталом, Silenoz в прямом смысле просто каркает, слов в песне нет.
Заглавная композиция "For all tid" открывается красивым полуакустическим интро, чтобы на исходе второй минуты перетечь в фирменную блэковую среднетемповую жужжалку. Действительно, одна из самых красивых песен альбома. В том числе и потому, что имеет красивое зеркальное вступление и заключение, которое начинается с пятой минуты...
"Hunnerkongens sorgsvarte ferd over steppene" - очередная блэк-долбилка, но ввиду её короткой длины, а также среднетемповой сбивки в середине, не успевает надоесть, и мы плавно переходим к одной из самых знаменитых и популярных песен группы...
"Raabjørn speiler draugheimens skodde". Её известная, перезаписанная для альбома 1997 года версия звучит иначе, а вот оригинальное исполнение - это настоящий гимн северному ветру. Каждый, кто бывал на северном берегу в неясную сырую погоду, знает, насколько промозглыми и злыми из-за влажности бывают порывы воздуха в это время. И словно Ньёрд, недовольный незванному гостю на берегу его владений, Silenoz под аккомпанемент музыкантов группы рычит на слушателя. Пять минут песни пролетают незаметно.
Выдержав накат скандинавского бога ветра и морской стихии, мягкое клавишное вступление "Den gjemte sannhets hersker" обволакивает, вроде как успокаивая после предыдущего нападения, но лишь две минуты, после чего злобное ворчание Silenoz'a вновь возвращает нас в основное блэковое повествование. А на его исходе - клавишное outro, подобно бегущим на скалистые фьорды волнам, и гитарное соло Tjodalv'a дорисовывают прекрасный образ мира, созданного пятью молодыми норвежскими музыкантами. Местами аляповатого, но цельного и цепляющего. И с каждым затухающим аккордом ты понимаешь, что не хочешь его покидать, хочешь в него вернуться.
На этом "For all tid" заканчивался, но, как я уже говорил, я услышал его впервые в 2004 году уже в переиздании, с двумя частями "Inn i evighetens mørke". И если вторую часть, бездумную долбилку, лучше было бы спрятать куда-нибудь в середину альбома, так как она прямолинейна, как проспект в центре города и не представляет большой ценности, как отдельный элемент творчества, то первая часть, "Inn i evighetens mørke Part 1" - один из самых красивых инструменталов в музыке, которые я слушал. Звуки метели, добавленные в общее повествование, лишь акцентируют очарование трека. Медленные, неторопливые гитарные переборы, холодные, как вьюга, клавиши. Эта мелодия закручивает, затягивает, пробирает до нитки. Ведь не всем дано любить солнце и тепло? Кто-то любит вот такую промозглую, серую погоду, в ней есть особенная красота. Инструментал "Inn i evighetens mørke Part 1" отлично её передаёт, просто запустите его, и вы сразу перенесетесь на берег Белого или Баренцева моря ноябрьским пасмурным днём..
Очень красивый альбом, один из лучших дебютников, что был на сцене, и до сих отличное произведение само по себе!

Zmej Gorynych  14 окт 2024

Так случилось, что Wormed и Human Mincer - одни из первых групп, с которых для меня начался дэт-метал. Сначала дверь в мир «метала смерти» для вашей покорной слуги открыли американцы Immolation, а вслед за ними подтянулись и другие команды. Признаться, Росс Долан и Флегетон всегда занимали первые места в списке моих любимых вокалистов, и первое, на что я обратила свое внимание, когда увидела фронтмена этой испанской брутальной формации, - его длиннющий и густой хаер. С тех пор прошло много лет, но все эти годы я следила за творчеством этого музыканта (а всяких разных проектов, в том числе и блэковых, у него предостаточно). Но это было небольшое лирическое отступление.

5 июля 2024 года на лейбле Season of Mist вышел четвертый полноформатник техникал-брутал-дэт-метал формации Wormed «Omegon», который лично для меня стал лучшим альбомом группы за всю историю её существования (банда образовалась в 1998 году).

Первым синглом с него стала композиция “Automaton Virtulague”, с которой эти испанцы, непревзойденные мастера научно-фантастического техно-дэта, приглашают слушателей выйти за рамки измерений.

Эта космическая концепция очень хорошо подходит для дэт-метала, и множество групп уже подхватили её, но мало кто воплотил её так полно и так умело, как данный мадридский коллектив. Эти ребята уже более двух десятилетий рассказывают нам истории о невыразимых ужасах из-за звезд и искажениях в самой ткани реальности через призму очень атмосферной и зачастую головокружительно техничной брутальности.

С таким же успехом они могли бы быть с Нептуна, Плутона или любой другой далекой планеты, которая даже не находится в нашей Солнечной системе, настолько космической причудливостью отличается безумный дэт-метал Wormed.

Лирика банды всегда была очень концептуальной, но теперь к ней добавилась настоящая история, повествующая о титульном протагонисте и его эпических попытках предотвратить грядущее уничтожение человечества от рук высокоразвитой злобной сущности, стремящейся заменить все органическое во Вселенной технологиями.

Сюжет альбома связан с древними космическими конфликтами и поиском всевластия с помощью вещества, известного как “омегон”. Сингл рассказывает историю Кригсу (Krighsu), “взломщика временных линий, вовлеченного в космические манипуляции”, и служит своего рода прологом к дальнейшим событиям.

"В бесконечных просторах вселенной, где стираются границы между технологией и арканой, Wormed стоят у руля, ведя слушателей через космический хаос с их первым из долгожданных альбомов "Omegon". Известные своим непревзойденным мастерством Sci-Fi Tech Death Metal, они приглашают вас выйти за пределы измерений", - говорится в пресс-релизе Season Of Mist.

Это - "звуковое путешествие на фоне древнего космического конфликта, в котором цивилизации борются за всемогущество субстанции, находящейся за пределами земной жизни".

«Omegon» переносит поле боя из реального вакуума космоса в более метафизическую область; в этой реальности искусственный интеллект и сложные, постоянно меняющиеся алгоритмы поработили человечество и держат его в заложниках в своего рода цифровом аду, а Кригсу в это время бешено путешествует между реальностями в поисках неизвестного источника космической энергии под названием Омегон. Эта сила, которая в тексте заглавного трека описывается как "высшая форма технологической алхимии" и "код творения", даст своему обладателю верховную власть над сущностью пространства и времени и позволит человечеству наконец избавиться от этого аморфного нанотехнологического заклятого врага. Но, как и в любой хорошей истории, это гонка со временем, и Кригсу, конечно, не единственный, кто ищет эту высшую силу.

Диск был записан в студии BlackStorm, а сведением и мастерингом материала занимался Колин Марстон (Colin Marston), известный по сотрудничеству с GORGUTS, IMPERIAL TRIUMPHANT, ORIGIN и др. Спродюсировал альбом Экайц Гармендиа.

Обложку нарисовал вокалист Wormed Флегетон. Он же придумал концепцию анимационного ролика на “Automaton Virtulague” и занимался его пост-продукцией в своей Phlegeton Art Studio, а саму анимацию создал Полихедрон (Polyhedron).

В музыкальном плане «Omegon» - это абсолютный вихрь технического блеска и брутальной элегантности: столь же стремительный и непредсказуемый, сколь и атмосферный.

Он суровый, жестокий и беспощадный, техничный и сложный, плотный и интенсивный, наносящий точные хирургические удары технического дэт-метала и причиняющий неумолимое опустошение брутального дэт-метала.

Его, безусловно, можно сравнить с работами таких коллективов, как Defeated Sanity и Malignancy, хотя, очевидно, он гораздо более тематичен и театрален.

Ударные являются главным украшением альбома: экстраординарный барабанщик V-Kazar (Габриэль Валькасар) демонстрирует потрясающую, в высшей степени ловкую игру, которая не оставит никого равнодушным. Здесь есть множество мелких, но чрезвычайно приятных деталей, таких как неожиданный росчерк на хай-хэте или фрагменты, где можно услышать, как вокалист Флегетон делает быстрый, резкий вдох прямо перед тем, как группа выходит из затянувшейся паузы. Этот альбом состоит из тысяч крошечных моментов, подобных этому, которые собираются вместе, как кусочки пазла, чтобы создать одну полную и грандиозную картину.

Первые четыре трека довольно прямолинейны, каждый из них развивает сложность и интенсивность предыдущего, но интерлюдия "Malignant Nexus" демонстрирует заметные перемены. Она взяла поток риффажа и бласт-битов, который был в предыдущих треках, и влила в него яркое чувство атмосферы и мелодичности. Бласт-биты все еще присутствуют - это же Wormed, но теперь они были переосмыслены. И эта тенденция продолжилась в следующем треке "Virtual Teratogenesis", в котором Wormed попробовали свои силы в более прямолинейном мелодичном груве.

По всем песням разбросаны креативно написанные слэмы и брейкдауны, но есть одна тема, которая, несмотря на джазовую и немного нестандартную структуру, от начала и до конца сосредоточена почти исключительно на груве, и это шестой трек "Virtual Teratogenesis".

Этот номер - самый интересный для прослушивания, в нем органично сочетаются броскость, техничность и атмосфера, к чему стремятся многие группы, но мало кому удается добиться хоть сколько-нибудь значимого результата.

«Virtual Teratogenesis» позволяет техничности группы господствовать, поскольку сложные риффы изгибаются и скручиваются, чтобы парить над неистовым хаосом внизу.

«Protogod» может похвастаться плотными слэмами, которые бьют, как товарный поезд, и головокружительным количеством техничности в риффах, которые держат вас в напряжении.

Что касается атмосферной стороны, то использование чистых гитар в "Gravitational Servo Matrix" и заглавном треке толкает Wormed в межзвездное пространство. В заглавном номере испанцы объединяют свою брутальность с призрачно злой атмосферой, которая искусно вписывается в научно-фантастическую историю.

В последней трети альбома музыканты уже не ограничиваются гениальным, но очень сложным риффингом, а вместо этого делают акцент на скольжении по просторам вселенной с помощью сферических аранжировок.

"Pareidolia Robotica" украшена модулированным роботизированным вокалом, озвучивающим тексты, отсылающие к творчеству американского писателя-фантаста Филипа Киндреда Дика (англ. Philip Kindred Dick; 16 декабря 1928 года, Чикаго, США — 2 марта 1982 года, Санта-Ана, Калифорния, США).

«Omegon» - это самый длинный релиз группы, и дополнительное время позволяет Wormed еще больше обогатить свой свирепый звук, исследуя каждую часть пространственно-временной аномалии, в которой музыканты обитают.

Еще одно заметное отличие «Omegon» от предыдущих релизов команды - это продюсирование, которое звучит гораздо органичнее и просторнее, вновь позволяя группе расширить границы своего звучания.

Звук стал чище и современнее, оставляя место для большего динамического диапазона, но он не такой резкий, как раньше, но и не такой плотный и удушливый, как у других групп, к которым приложил руку Марстон.

Wormed еще никогда не звучали так органично и естественно, особенно это касается ударных. Барабаны теперь звучат как настоящие, реальные барабаны, и они ослабили свою индустриальную стену звука, не теряя при этом индустриальной техничности и исполнения.

К сожалению, продюсирование предыдущих альбомов не выдержало конкуренции с другими элементами, которые могли бы сделать эту группу первоклассной дэт-метал формацией. Если другим "космическим" дэт-метал коллективам, например, таким как Blood Incantation, удавалось создать удушающую атмосферу, то Wormed всегда казались стерильными и плоскими. Саунд их релизов всегда разочаровывал меня своей излишней «вылизанностью», так характерной для мелодик и модерн-дэта. Но с выходом «Omegon» всё это изменилось.

Очевидная разница проявляется с первых же секунд звучания пластинки. Вас сразу же встречает дезориентирующий шквал пылающих риффов и взрывной треск, который звучит так, будто он выведен прямо из Солнечной системы. Здесь есть определенная доля мутности и космической дикости, которой не хватало предыдущим работам группы. Возьмем, к примеру, брейкдаун в конце «Protogod». Это идеальная смесь брутальности и космической атмосферы, которая позволяет понять, насколько эволюционировало творчество испанцев. Wormed научились балансировать между плавящими лицо риффами, нечеловеческими ударными и атмосферой, напоминающей плавание в космосе, когда кислород медленно иссякает до нуля. И результаты этих изменений в звучании приносят огромные дивиденды.

«Omegon» - это альбом, в котором группа наконец-то смогла в полной мере раскрыть свой потенциал.

Elena_Kalistka  12 окт 2024

14 июля 2024 года французская блэк-метал группа Seth выпустила свой седьмой студийник под названием «La France Des Maudits» на лейбле Season Of Mist. Выход пластинки специально был приурочен к французскому национальному празднику - дню взятия Бастилии (фр. La Fête Nationale).

Участники группы так комментируют этот релиз:

«Новый альбом "La France des Maudits" вдохновлен улицами, истекающими кровью под поцелуем гильотины. Выпустив "La France des Maudits", Seth подписали гимн тем, кто поднимается из руин, несгибаемым, вечным бунтарям. Это возрождение блэк-метала предлагает историю неослабевающей ярости, вызывая дух восстания, освобождения и неповиновения божественному гнету. Гимны сопротивления, повторяющие крики новой эпохи, не желающей преклонять колени перед божественным декадансом».

"Это блэк-металлическое евангелие для проклятых и отверженных, для тех, кто отказывается преклонить колени перед божественным декадансом и вместо этого восстает, как призраки в ночи", - говорят Seth, подчеркивая глубину и интенсивность тем альбома.

В пресс-релизе музыканты описывает свою новую работу как "революционную симфонию", вдохновленную бурной историей Франции. Ведущие треки, такие как «Et Que Vive le Diable!» и «Dans le Coeur un Poignard», выражают сырую энергию и непоколебимую ярость группы. Эти гимны говорят о мире, стоящем на пороге апокалипсиса, где угнетенные восстают против небесного гнета.

Диск был записан в студии Sainte Marthe, а его продюсированием, микшированием и мастерингом занимался Фрэнсис Каст. Художественное оформление выполнено Энди Джулией. Это визуальное повествование дополняет лирические темы, изображая макабрическую интерпретацию Французской революции, пронизанную символическими образами восстания и распада.

Пусть костры Нотр-Дама давно потухли, но из их пепла восстает революционная сила угнетенного и проклятого Парижа. И гимны этого альбома горят так же пылко, как и песня «La Morsure du Christ» с предыдущего студийника. "La France des Maudits" погружает нас в Париж времен Революции и ее эпохи разрушения. Он затягивает нас, бросает в самое сердце конфликта и оставляет наше тело в синяках и переломах к концу.

Все песни этого альбома пронизаны духом революции, который до сих пор витает на улицах Парижа. Словно современные Мараты и Робеспьеры в коже и шипах, эти брутальные французы вспоминают то время, когда их родная страна была охвачена социальными потрясениями, когда звук гильотины был в порядке вещей, и его можно было слышать ежедневно, а кровь дворян и простолюдинов литрами текла по улицам столицы.

Приготовьтесь маршировать под знаменами Seth, ведь «La France Des Maudits» приглашает своих слушателей не к силе, а к злорадству.

Это музыкальное предложение, глубоко укоренившееся в исторической и культурной почве родины участников группы, представляет собой мрачное путешествие по анналам бунтарства и отчаяния, запечатленное в девяти гимнах ярости и неповиновения.

"La France des Maudits" - это ода эстетике, каждая деталь этого альбома передает смысл, символизм и темную красоту. Это - героическая ода самому мрачному событию в истории Франции.

Сразу же при первом беглом взгляде на релиз в глаза бросается чрезвычайно яркая и стильная, воистину шикарная обложка. Стоит только на нее посмотреть, как ты тотчас же окажешься в мрачном Париже, приговоренном палачом в сверкающем красном плаще, но с острой косой. Настроение создано, и звучит призыв: вставайте, сопротивляйтесь, бунтуйте и, самое главное, оставайтесь на ногах. На фоне Французской революции и божественного проклятия лирика вокалиста группы Святого Винсента, написанная александрийским стихом, обретает вдохновляющий смысл. Содержание текстов, которые действительно впечатляют, обязательно пристрастно, и оно заставляет вас задуматься о важных вещах. Кто знает, возможно, если бы Святой Винсент не стал музыкантом, из него мог бы получиться гениальный поэт современности, способный сравниться с самим Бодлером?

Мелодии на альбоме просто великолепны. Здесь есть жесткая и плотная структура блэк-метала, дополненная историей, которая, кажется, оживает по мере прослушивания пластинки.

Музыку Seth нельзя назвать революционной, но она как всегда очень атмосферная и исполненная со вкусом. Поклонники леденящей душу скандинавской холодности или сырого, грубого и пещерного блэк-метала ошиблись адресом: у Seth дух бунтарства идет рука об руку с мрачным романтизмом и жутковатым благозвучием. Для банды характерны интенсивная ярость, но в то же время мелодичность и поэтичность.

Сильной стороной группы всегда была скорее атмосферность, чем скорость и тяжесть, о чем убедительно свидетельствует открывающая альбом композиция "Paris Des Maléfices" с ее жуткими хоралами, меланхоличными, но завораживающими мелодическими пассажами и лаконичными, но не слишком доминирующими клавишными.

За исключением нескольких обязательных взрывных пассажей с быстрыми, режущими и звенящими тремо-риффами, эти французы редко нажимают на газ. Seth склонны к эпическим композициям, наполненным зажигательной драматургией. В основном они придерживаются величественного среднего темпа, и именно интенсивная, драйвовая вокальная манера фронтмена Святого Винсента на таких треках, как "La Destruction Des Reliques" или завершающем номере "Le Vin Du Condamné", разжигает революционный дух.

Умерив свой ядовитый шквал бласт-битов, надрывных риффов второй волны и злобного скрежета, которые мы могли с вами наблюдать на «La Morsure Du Christ», более тяжелыми дозами минорной мелодики, группа вплетает пронзительные, даже меланхоличные темы в усиленную атмосферу и динамичные, плавные ритмы, создавая многослойные, аффектированные композиции, сохраняющие тяжелую дозу характерной праведной ярости. Вокал охватывает значительно более широкий диапазон, который так же часто задыхается и кричит от страдания, как и рычит от гнева. Охватывая широкий спектр мощно воздействующих эмоций от ярости ("Paris des Maléfices") до тоскливых причитаний (интерлюдия "Marianne") и непокорной гордости ("Et que Vive le Diable!"), большая глубина чувств этого альбома является его самой большой силой.

Инструментальные аранжировки - резкие риффы и призрачные мелодии клавишных - создают дуалистический звуковой ландшафт: частично праздничный, частично боевой.

Клавиши и хоралы - неслучайные дополнения, они расширяют и углубляют ауру и без того динамичного, красивого и освежающе чистого звукового ландшафта. На самом деле, ничто не является случайным дополнением; это блестяще сбалансированный альбом.

Умеренная оркестровка также придает произведениям тонкий барочный оттенок, свидетельствующий об угасающем великолепии и разрушающихся памятниках культуры. Несколько раз, как и на предыдущем релизе, появляется виола да гамба, подчеркивая "ренессансный" аспект, задуманный группой.

Поскольку Революция - душа этой истории, Seth интерпретирует ее через призму восстания против теократического порядка, которое проявляется в сатанинском неповиновении - связь, восходящая как минимум к "Потерянному раю" Мильтона. Но это не одномерное богохульство. Каскадные переливы теплой и звонкой гитары заставляют нас почувствовать горе и боль забытых, проклятых, иногда с эхом интроспекции ("La Destruction des Reliques"), иногда с балладным пафосом ("Dans le Coeur un Poignard"), иногда с беспокойными сменами клавишных партий ("Paris des Malèfices") или предвкушающими подъемами гаммы ("Le Vin du Condamnè"). Однако всегда песни поднимаются и опускаются с кинематографическим динамизмом. Таким образом, когда страсть достигает пика, она становится еще более мощной ("Dans le Cœur un Poignard", "Insurrection"). Слушатель оказывается вовлеченным в яростный призыв, который поднимают Seth. Повторяющиеся припевы, соединенные с убедительными минорными мелодиями и усиленные множеством голосов, кричащих как один, превращают песни в гимны солидарности, которые горят яростной решимостью. "Insurrection" становится определяющей, величайшей песней альбома о свободе.

Все композиции пластинки отточены так, чтобы оставить неизгладимое впечатление от прослушивания, с мелодиями, которые бьют в голову, и текстами на французском языке, которые остаются в памяти. Это очень зрелый альбом с безупречным продакшеном.

В альбоме восемь песен, и "Paris des Maléfices" – первая из них. Она начинается с женского бэк-вокала и воплощает в себе квинтэссенцию величия и жестокой свирепости, характерных для Seth, в основном благодаря вокальному исполнению Святого Винсента. После хаотичной вступительной части наступают моменты мелодичности и симфонии. Это больше похоже на оркестровую пьесу, чем на номер в стиле блэк-метал.

Открывающий номер задает грозный тон, вихрь гитар и клавишных рисует портрет города не просто света, а озаряющей тьмы. Вокал Святого Винсента как всегда свиреп, это вязкий крик из глубин революции. Эта песня - мастер-класс по созданию тематической сцены, хаотичная, но тщательно структурированная смесь ярости блэк-метала и готической атмосферы. Если вам понравился последний альбом группы «La Morsure du Christ», то этот трек даст вам понять, что вас ждет еще одна радостная адская поездка...

Данная тема является прямой отсылкой к Бодлеру и откровенной данью уважения к нему.

Композиции "Paris des Maléfices" и "Ivre du Sang des Saints" отражают общественные потрясения и крайние меры, предпринимаемые как революционерами, так и государством. Через лирическое содержание альбома можно прочувствовать насилие, которое часто сопровождает радикальные перемены.

"Да здравствует дьявол!" Таков девиз второго трека "Et Que Vive Le Diable!", и эта композиция похожа на дьявольское посвящение и звуковой штурм. В ней быстрые барабанные партии Алсвида достигают почти мифической интенсивности и налетают на вас, как пули, выпущенные из пулемета, и в песне есть как моменты ярости, так и моменты отчаяния.

С грубыми взрывами, но всегда с безупречной мелодией, музыканты вступают в нее под аккомпанемент органных клавишных, которые вскоре превращаются в адский грув, и им удается блеснуть благодаря фантастически сыгранной лид-гитаре. По ходу песни в звучание добавляются элементы хорала, и вокалист Святой Винсент в очередной раз убедительно доказывает, что он один из лучших в своей гильдии.

Номер "Et Que Vive le Diable!" выделяется как провокационный вызов авторитету церкви, который был неотъемлемой частью идеологического ландшафта Французской революции. Этот трек символизирует растущее разочарование в церкви, которую многие революционеры рассматривали как морального и политического антагониста. Название и текст песни предполагают радикальный отказ от традиционных религиозных ценностей, выступая за новый порядок, в котором будут доминировать светские идеалы.

Вызов религиозному авторитету в альбоме можно рассматривать в контексте более широкого повествования о мысли эпохи Просвещения, которая часто критиковала роль церкви в управлении и общественной жизни. Таким образом, композиция отражает исторические настроения и находит отклик у современных слушателей, которые могут воспринимать схожие конфликты между религиозными институтами и общественным прогрессом. Научная работа Эдварда Саида о роли "Другого" в определении культурных границ обеспечивает ценную основу для понимания того, как альбом использует религиозные образы для критики властных структур.

Анализ, проведенный с помощью теории культурной гегемонии Антонио Грамши показывает, как альбом использует музыку в качестве контргегемонистского нарратива, который бросает вызов установленному порядку, укрепляя альтернативные идеологии. Таким образом, трек и весь альбом в целом служат не только историческим повествованием, но и современным призывом к действию против угнетения.

Наконец, следует отметить визуальный и лирический акцент «La France des Maudits» на обездоленных - примером тому служит очень спокойный, скорбный, задумчивый и почти созерцательный трек "Dans le Coeur un Poignard", который начинается как будто с пауэр-баллады. Лично мне он чем-то напомнил творчество польской блэк-дум-метал формации Батюшка (особенно видеоклип). Номер величественен в своей музыкальной красоте и знаменует собой переломный момент в альбоме. Это тот момент, когда вся боль обрушивается на ваши плечи, и это оказывается слишком тяжело.

Песня подчеркивает глубокую человеческую цену революции. Этот акцент смещает повествование с действий сильных мира сего на переживания простых людей. Сочувственное изображение приглашает слушателей задуматься о страданиях, выпавших на долю многих людей в столь бурные времена.

Данный эмпатический подход можно проанализировать через призму теории Теодора Адорно об искусстве и обществе, которая предполагает, что искусство может вызывать сочувствие и катализировать социальные изменения, представляя человеческие страдания, чтобы вызвать моральный и эмоциональный отклик у аудитории.

Эпическая вещь "La Destruction des Reliques" продолжает историю с моментами размышлений и никогда не успокаивается, потому что ужасные воспоминания оживают и останавливают вас на полпути.

Это – то место, где альбом по-настоящему сияет и представляет собой гобелен тени и неповиновения, сотканный из нитей древних пророчеств и оккультных шепотов. Гитары Хеймота и Дракхиана прорезают микс острыми как бритва риффами, а клавишные Пьера Ле Папа добавляют слои призрачной мелодии. Этот трек, как и сам альбом, является одновременно кивком в прошлое и смелым шагом вперед, объединяя традиционные элементы блэк-метала с современной чувствительностью.

Короткая, но пронзительная, нежная и романтичная интерлюдия «Marianne» служит моментом размышления, прежде чем слушатель снова погрузится в водоворот с «Ivre du Sang des Saints». Она представляет человеческую сторону битвы, чтобы мы не забывали, что в ней участвуют сыновья, братья и отцы. Она может быть его девушкой, любовницей или даже женой. Унылые ноты в песне передают настроение.

Не обманывайтесь атмосферой The Sisters of Mercy, которая окутывает ее начало - жестокость этого трека ощутима, каждая нота пропитана вином осужденных людей и кровью святых. Это вязкое повествование о восстании, каждый аккорд - удар по божественному гнету.

В "Ivre du Sang des Saints" слышится знакомый марш битвы без явного победителя. Именно в грязи и гуще событий выживают те, кто наиболее решителен, и внутренняя борьба здесь отражается в твердых тонах музыки.

"Insurrection" - еще один поворотный момент. Вся злость и ненависть, которую вы копили, выплескивается на мир, как четырехголовый монстр, и он здесь не для того, чтобы задавать вопросы.

Это - центральная вещь альбома, экспансивная композиция, в которой воплощен яростный, черный дух Seth. Она длится более семи минут и представляет собой путешествие в самое сердце тьмы, где фасады величия рушатся, обнажая сырую плоть и зловоние истинного человечества. Заключительные моменты трека перекликаются с духом бунта, призывом к оружию.

"Le Vin du Condamné" закрывает пластинку и завершает историю. Это - реквием по павшим, последнее свидетельство силы и страсти, вложенных Seth в альбом.

Это финальная битва, и назад дороги нет. В торжественных мелодиях чувствуется гнев и ненависть, слышны последние взмахи мечей и выстрелы.

Моими личными фаворитами на этом диске стали композиции «Et que Vive le Diable!» (на которую также был снят клип) и «Ivre du Sang des Saints».

Особого внимания заслуживает кавер Сержа Генсбура "Initials B.B" - бонус лимитированного издания Digibox, приятный сюрприз для поклонников.

Таким образом, с новым альбомом "La France des Maudits" Seth вновь обратились к сердцу Франции, израненной историей, но при этом такой осязаемой и ужасно актуальной. Их блэк-метал полон нюансов и атмосферы, но их посыл ясен: сопротивление угнетению и объективный взгляд на мрачную реальность.

«La France des Maudits» - это адский релиз, объявление войны и призыв к оружию для всех, кто смеет мечтать об ином, реформированном мире. Это альбом, в котором слышны отголоски Парижа, осажденного не армиями, а душами, жаждущими освобождения. Это не просто альбом, это сложный культурный артефакт, который предлагает многогранное исследование Французской революции, затрагивая темы насилия, власти, восстания и сопереживания. Он вносит значительный вклад в музыкальные и культурные исследования, переплетая исторические повествования с современными проблемами, и заставляет слушателей переосмыслить прошлые революции и рассмотреть их роль в текущей динамике общества. Благодаря убедительной интеграции музыки, истории и теории, "La France des Maudits" достигает удивительного резонанса, который охватывает как время, так и различные дисциплины.

"La France des Maudits" - это мастер-класс по сочетанию красноречия и грубой агрессии. Его повествование эпично и связно, в нем переплетаются искусство, ненависть и восстание с изяществом, балансирующим между тонкостью и грубой силой. Seth продолжает воспевать грандиозное и непристойное, современное и историческое через вызывающую призму величия и бунта, отмечая очередную главу в своей легендарной дискографии.

Elena_Kalistka  12 окт 2024

7 июня 2024 года увидел свет третий студийник американской мелодик-дэт-метал формации Oubliette «Eternity Whispers», который включает в себя 7 треков.

Материал, представленный на данной пластинке можно охарактеризовать, как мелодичный и атмосферный симфо-блэк-дэт-метал в духе ранних Graveworm, достаточно хитовый для своего жанра. Совершенно очевидно, что вдохновением для музыкантов в первую очередь послужили такие коллективы, как Dissection и Emperor.

Две составляющих стиля группы - блэк и дэт-метал - тесно переплетаются между собой, и Oubliette смогли взять самое лучшее от них.

Музыка хорошо проработана и, несмотря на присущие ей жестокость и энергичность, отличается особой изысканностью и красотой. Мелодии глубоко проникают в музыку, вплетаясь в нее и одновременно возглавляя ее натиск. Таким образом, материал альбома очень удачно балансирует между агрессивными тенденциями и богатой атмосферой и при этом ему свойственен некоторый налет прогрессивности.

Также отличительной особенностью Oubliette является женский вокал (о чем очень сложно догадаться).

Рекомендую послушать «Eternity Whispers» всем поклонникам красивого, мелодичного и атмосферного блэк-метала, в частности, таких групп, как Thulcandra, Stortregn, Suffer in Silence, Ninkharsag, Sanguinem, Cold and Deceased, Litosth, Winter Eternal, Khalasirna, Condra, Carnificem, Comes In Waves, Malice Divine, Shūnyatā, Sinira, Stormkeep и Dark Horizon.

Elena_Kalistka  12 окт 2024

В 2012 году в тенистых катакомбах Торонто вокалистка Изабель Тазбир и гитарист Адам Корчок создали группу Ischemic, поставив своей целью играть мрачный и тяжелый дум-дэт. Музыкальный стиль банды сформировался, находясь под влиянием мерзкой свирепости таких коллективов, как Hooded Menace, Autopsy и Asphyx, при этом они смешали ее с мелодичной мрачностью Agalloch и Paradise Lost. Ischemic также опирались на звуковую мощь современных дум-метал групп, таких как Ahab, Conan и Thou. В результате получился звук, способный сокрушать черепа, разбивать сердца и топтать склепы.

Живые выступления Ischemic стали неотъемлемой частью их самобытности: они делили сцену с такими командами, как Woe, Blizaro, Archspire, Wilt, Bayond Creation, Blood Of Christ и Iskra. Их шоу известны своей интенсивностью и эмоциональной глубиной, демонстрирующей способность группы общаться с аудиторией через свою мощную музыку.

Дискография Ischemic представляет собой путешествие через развивающиеся звуки и темы. Начав с "Frigid Descent" (EP, 2013), группа заявила о себе смесью сокрушительного дума и меланхоличных ноток. За ним последовал "All Paths Lead Nowhere" (EP, 2016), на котором канадцы исследовали более темные, более хаотичные территории блэка и блэк-дум-метала. На "Stagnation and Woe" (LP, 2018) группа усовершенствовала свое звучание, сделав его более чистым и сфокусированным. Затем вышел "Ischemic" (LP, 2021), который ознаменовал переход к более вязкому, но не менее пробивному материалу.

5 апреля 2024 года увидел свет очередной релиз команды "Condemned to the Breaking Wheel", включающий в себя 4 трека.

Этот альбом не только представляет собой кульминацию многолетней музыкальной эволюции и экспериментов, но и подтверждает приверженность группы к созданию мрачной атмосферной музыки, одновременно ужасающей и впечатляющей, и глубоко затрагивающей душу.

Квартет не тянет с ударами, обеспечивая интенсивную и неослабевающую звуковую атаку, которая сочетает в себе дэт-метал, дум и блэк-трэш-метал.

Здесь есть бешеные партии ударных, карающие риффы и жутко демонический рев вокалистки Изабель, обладающей дэт-рыком, который, кажется, был высечен из того же камня, что и у Джона Тарди, Карла Уиллетса и Анжелы Госсоу.

Вязкая, дикая и неумолимая, это - музыка, которой можно раскалывать тротуары.

Громоподобные барабаны и мерцающие гитары сливаются в яростную стену шума, подкрепленную малейшим намеком на мелодию, которую обеспечивает замысловатая гитарная работа Адама Корчока. Однако иногда Ischemic всё же делают паузы для передышки, и тогда они доказывают, что более чем способны подражать более думовой стороне олдскульного дэт-метала с очевидными кивками в сторону таких великих групп, как Incantation и Immolation, с их пещерными, тяжелыми риффами, громоздкими ритмами и темной, депрессивной атмосферой, а также Autopsy.

Это сокрушительно тяжелый материал, и хотя он замедляется, интенсивность только возрастает.

Чуть более 9 минут длится открывашка "Condemned To The Breaking Wheel", которая, кажется, представляет собой саундтрек к апокалипсису.

Песня "Tomb Fog", граничащая с фьюнерал-думом и использующая атмосферные тремоло, вполне оправдывает свое название: она буквально наполнена клубящимся хаосом, который окутывает слушателя на протяжении большей ее части. Не менее агрессивно звучит "Rust And Bones" и заключительная композиция "Abandon".

Начавшись с печальных гармоний в духе My Dying Bride, трек быстро отбрасывает большую часть дэтовой составляющей звучания группы в пользу мягкого приблэкованного саунда, который, тем не менее, прекрасно сочетается с мрачной бомбардировкой. Более высокий вокальный диапазон Изабель и отличная игра на ударных Мрудула Камбла являются ключевыми факторами в этом отступлении, поэтому, когда возвращается более привычный дум/дэт-риффинг, переход происходит плавно.

В общем, Ischemic выдали очень достойный релиз, который может понравиться, как ценителям таких стилей, как блэк-дэт, дэт-дум-метал, так и поклонникам олдскула.

Elena_Kalistka  12 окт 2024

25 апреля 2024 года увидел свет дебютник греческой олдскул-дэт-метал группы Dogtag Remains «Forgotten Battlefields». Диск вышел на грузинском лейбле Satanath Records, который еще пару лет назад был нашим, питерским, а также продвижением пластинки будет заниматься чилийский лейбл Australis Rec.

Команда была образована летом 2018 года под названием Mind Sculpt. На следующий год после выпуска EP "Among The Debris" (2020) она изменила название на Dogtag Remains. По словам музыкантов, причина смены названия была связана с лирическим направлением, которое они взяли, и с их решением следовать по стопам своих вдохновителей:

«Многие группы оказали на нас огромное влияние, и некоторые из них сыграли важную роль в нашем музыкальном и лирическом направлении. Например, такие группы, как Hail Of Bullets, Grave, Dead Congregation и Bolt Thrower, являются одними из наших главных вдохновителей».

Собственно, материал представленный на «Forgotten Battlefields», действительно представляет собой в стилистическом плане олдскульный, среднетемповый, довольно размеренный дэт-метал, несколько грубоватый, громоздкий, неповоротливый и неуклюжий. Dogtag Remains явно не гонятся за скоростью и модной брутальностью, на особую техничность они тоже не претендуют.

Запись диска проходила в студии Adyton Recordings в Афинах, Греция. Ник Сетеш (экс-Diablery, Dodsferd) записал, смикшировал и отмастерил альбом.

Обложка была создана Фелипе Мора, художником из Колумбии, который создал множество невероятных обложек для многих андеграундных метал-групп. На артворке изображена битва во время Второй мировой войны.

В лирическом плане «каждая песня описывает событие Второй мировой войны, оказавшее свое влияние на общий исход войны. Альбом посвящен многим областям европейского театра, таким как Норвежский и Средиземноморский фронты, но в основном - сражениям и операциям, происходившим на Западном фронте».

В общем, вряд ли вы услышите на этом альбоме что-то такое, что способно произвести революцию в дэт-метале, но музыканты явно и не ставили перед собой такой цели изначально. А просто добротный старый-добрый олдскул, способный вызывать ностальгию по былым временам, вы на «Forgotten Battlefields» точно найдете. Поэтому однозначно рекомендую данный релиз к прослушиванию.

Elena_Kalistka  12 окт 2024